Stordisco

Ólafur Arnalds - Another Happy Day (Recensione)

2012-02-26T11:25:00.003+01:00

Un altro giorno felice per soffrire nel modo più dolce e doloroso possibile. La silenziosa lentezza con cui prendono vita queste piccole lame ghiacciate, fluttuanti verso il tuo viso, sfiorandoti, ustionandoti ancora una volta, scoprire di godere ad ogni tocco, non riuscire più a farne a meno, un altro giorno felice seduti a terra, in silenzio, ascoltando ad occhi chiusi, c'è Ólafur Arnalds!

Forse è una delle poche volte in cui un film viene concepito ispirandosi alla musica e non viceversa. “Another Happy Day” regia di Sam Levinson, con Demi Moore ed Ellen Barkin, un film ispirato, come confessa il regista, dalle sinfonie malinconiche del genio islandese Ólafur Arnalds. Quest'ultimo ci racconta la simpatica trama che ha portato alla realizzazione di questa grande colonna sonora: metà dicembre, una vacanza in Cina, una mail di Levinson all'artista ed una notte trascorsa al telefono. È grazie alla fantastica Ellen Barkin ed alla sua morbosa ossessione verso le composizioni del principe d'Islanda, che i produttori cedettero alla scelta di quest'ultimo facendo infuriare mamma Arnalds. Ólafur dovette comporre l'intera colonna sonora in sole due settimane; ergo natale rimandato.

Un ritorno alla classica di prim ordine, quasi nessuna intrusione elettronica, giusto una spolveratina in “The Land Of Nod” , forse. Si notano influenza sia dal precedente album sia dal collega di casa e tour Nils Frahm, approcciandosi in maniera molto più intima al suono, ricordando a tratti come logico che sia lavorando spesso fianco a fianco. Un ambient da brividi in “Before The Calm” disorientando l'ascoltatore, scomponendolo in piccoli frammenti per poi ricomporlo con la perfezione di un modellista in “Lynn's Theme”. Davvero piacevole. Naturalmente trattandosi di una colonna sonora l'album è in continuo conflitto, rendendolo imprevedibilmente sorprendente per i timpani meglio aguzzati. “The Wait” stende furtivamente degli equilibri di seta e petali, introducendo nella medesima scena “A Family stroll” e gran parte di “Poland” con degli arpeggi che sembrano uscire spontaneamente dallo stesso pianoforte. Quasi un'unica traccia fino agli inizi di “Out To Sea” bisogna pazientare un po', gli archi mutano in lupi che aspettano il momento giusto per azzannarci, (3:37) le urla, poi naturalmente il silenzio. Resuscitiamo ancora una volta “Autumn Day” per chi avesse dubbi fino alla fine, qui la firma è nitida Ólafur Arnalds. La traccia più lunga e forse anche la più cattiva di questa favola dell'orrore “Everything Must Change” una risposta a come impazzire di gioia mentre ti fanno a pezzi. Non sale più nessuno, neanche una nota, siamo pieni! La fine di una volpe che fugge con il nostro corpo tra le zanne, e la testa ancora sotto ipnosi per questo disco.

Un album naturalmente diverso, non aspettatevi esplosioni eclatanti, ma minuziose scintille. Ricordiamoci sempre che si tratta di un disco nato e cresciuto in due settimane, una nuova esperienza, un livello di pressione che avrebbe scalfito un gran numero di artisti, ma a quanto pare non il figliol prodigo d'Islanda. Ólafur Arnalds non è un pianista, non ha una tecnica magistrale, non è un maestro. Lui è il piano.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Erased Tapes Record

The Chap – We are nobody (Recensione)

2012-02-25T11:11:00.000+01:00

Da Londra l’ondata elettro-punk che in molti aspettavano, e tutto per mano e ritmo di una delle band più corteggiate dell’indie rock britannico, The Chap, un quartetto che del live-move ne fa una missione focosa e su disco prepara moltitudini di fan a scatenarsi con i suoni del nuovo millennio, uno straordinario mix di Beck che gioca a rimando con i Rapture che a loro volta riconiano un’atmosfera alla Architecture in Helsinki; “We are nobody” è già una summa di hit litigate e contese da radio e postazioni FM, un mirabolante carattere sonoro che ingoia di tutto, dalla rock-dance all’elettro-freak di tendenza, tanto che in molti del settore li hanno definiti eredi di sangue dell’estro di David Byrne – infatti il vocalist Panos Ghikar lo ricorda in modo impressionante – e i suoi Talking Heads, ma a parte l’azzardo, c’è molto da investire in questo quartetto d’Albione, molto da ricambiare per i loro sussulti e per le loro materie sonore da sballo.

Ci potrebbero essere – tra le trame della tracklist – anche sulfurazioni di Block Party, ma quello che più emerge prepotentemente e la spina dorsale di un suono che non fa stare fermi nessuno, uno di quei sound che si insinuano tra la pelle e la voglia di dance che ti fa schiavo in un nonnulla, musica predisposta a notti e ore piccolissime in clubs o dance-hall senza limiti fisici, tormentoni amicali che si fanno sopportare come una felice intuizione; tutti a smuovere le chiappe con l’epilettismo elettro di “What did we do?”, forte a darci dentro il funkyes softato di “Talk back”, ottima la rimpatriata con un Beck assorto “We are nobody” come il latin robotizzato che fa mossette in “Painkiller”, momenti di linee di basso ben definite, la vocina di Claire Hope che si fa eco e motivetto rock’n’roll da juke-box alieno “Hands free” per regalarci una perla di vertigine elettrica da pogare allo stremo.

L’ombra degli anni Ottanta fa da sole a tutto il registrato, i Klaxons che si nascondono tra le pieghe insieme ai Chk Chk Chk (!!!) “This is a sick” et voilà, un disco buono per tutte le stagioni, fresco e scattante per una miriade di giornate da passare in pace con la complicità di un paio di buone cuffie o – addirittura – se si ha la fortuna di intercettarli dal vivo – per lasciarsi “pestare” in uno show dimagrante garantito oltre la garanzia. Con i The Chap muovi le chiap !!!

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Lo Recordings 2012

Kayo Dot - Gamma Knife (Recensione)

2012-02-23T18:00:00.001+01:00

Recensire i Kayo Dot, non è sicuramente cosa semplice perchè rappresentano quel genere di gruppo che necessariamente divide oltremodo l'audience; non è per la loro capacità (o non capacità) compositiva, ma piuttosto perchè nelle loro realizzazioni sembrerebbe emergere una certa dose di spocchia che va ad inserirsi in un contesto piuttosto complesso per l'ascoltatore. Ma questa sarebbe un'analisi piuttosto superficiale della proposta offerta da Toby Driver e soci, una proposta che sembra partorita dalla malata mente avanguardistica del John Zorn più allucinato e in vena di unire qualcosa che teoricamente dovrebbe restare separato! I Kayo Dot cercano di fondere progressioni jazz-rock di matrice decisamente free al “calcolo” infinitesimale dell'avantgarde-prog.

Quello che giunge alle nostre orecchie ad un primo ascolto sembra qualcosa di indefinito, di caotico, quasi lanciato a caso all'interno del flusso musicale che guida queste composizioni, ma appena trovata la chiave di lettura del disco, ci si ritrova dinnanzi a qualcosa di estremamente bello, di estremamente potente e in grado di fare in modo che i confini vengano travalicati con immensa facilità.

Il disco si dipana in cinque composizioni, una più spettacolare dell'altra, e se state cercando qualcosa che esca fuori dalla solita routine di cassa a martello, rullante pestato a velocità supersoniche e riff scontati, di cui già conoscete a memoria la trama, questo lavoro fa decisamente al caso vostro. Le atmosfere si mescolano e si sovrappongono a produrre corpo e sanno offrire a chi ascolta con attenzione una visione decisamente più ampia della musica. Il panorama pian piano si allarga, e non sull'orizzonte ma dinnanzi ai vostri occhi, per lasciarvi ammirare passaggi melodici ed armonici che sapranno sicuramente trovare il vostro punto di rottura tra la normalità e quel quid che troppo spesso manca in un disco. Con questo non voglio dire che il disco sia esente da difetti, infatti la produzione a volte un po' eccessivamente confusa non ne lascia apprezzare al meglio i passaggi e non offre quella sorta di respiro di cui gli strumenti dovrebbero godere; e trattandosi di esecuzioni piuttosto complesse e intricate, in alcuni momenti si creano delle sovrapposizioni che stoppano un bel po' la capacità di scorrere, pur nella sua complessità, di Gamma Knife.

Ascoltando il disco, noterete subito come questi cinque brani non siano solo frutto del lavoro in studio, ma vi siano composizioni riprese in sede live; questo a significare che i Kayo Dot, riescono perfettamente a riproporre il loro intricato sound perfettamente anche in condizioni non sempre agevolissime.

Per semplificarvi il lavoro, potrei usare dei termini di paragone: immaginate un po' l'ultimo Ihsahn (Emperor) che incontra, in una free jam, i nostrani Ephel Duat e John Zorn ed avrete un'idea, anche se vaga, di quello che questi ragazzi riescono a tirar fuori dai loro strumenti.

Ve li consiglio vivamente, dategli un serio ascolto ed una volta riusciti a penetrare all'interno delle atmosfere vorticose del disco, potrete davvero godere di qualcosa di diverso, qualcosa che vi lascerà poi soddisfatti della vostra fatica. Qui non siamo in presenza di qualcosa di orecchiabile, di qualcosa da primo ascolto o da “ una botta e via”; nelle loro composizioni troverete spunti da qualsiasi genere, con forti rimandi anche alla musica classica e dodecafonica, per cui è necessario approcciarsi in un certo modo all'ascolto di questo platter. Io stesso ho dovuto riascoltarlo più e più volte prima di mettermi davanti al pc per scrivere la recensione che state leggendo, poiché non riuscivo minimamente ad entrare dentro le composizioni, non riuscivo a comprendere il fluire delle note e dove volessero andare a parare, finchè ad un certo punto mi sono lasciato guidare dallo scorrere delle strutture e dalla capacità di coinvolgere dei suoni e mi si è aperto uno nuovo spazio di commistione tra quello che c'è e quello che in realtà è possibile. Ecco quest'album rappresenta una possibilità!

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Ice Level Music

J27 – Generazione Mutante (Recensione)

2012-02-23T11:50:00.001+01:00

Chi ha detto che il rock “valvolare dentro” – quello venoso che circola tra i faldoni amplificati del sottobosco underground – è quasi in fin di vita? Basta invertire i jack d’ascolto e sintonizzarsi in questo “Generazione mutante” dei toscani J27 e tutte quelle radici bollenti di certi dischi sacri dei Negrita di primo pelo “Il viandante”, “L’alieno”, “Non esisti” e dei Grand Funk Railroad d’anni fa “Mai”, “Bombe” si rifanno prepotenti, rabbiosi e saturi di blues rock, hard rock e liscive speed che troncano il fiato.

Disco da vene del collo gonfie e spasimi di rifferama - c’è molto del Blackmore Purpleiano - che sembra un modernariato emotivo, protettivo di ricordi e tramandi per più di una generazione, un “force sound” che esprime appieno il suo animo vintage esplosivo e che non ingombra per nulla le atmosfere che in questo caso vorrebbero bollarlo come un’operazione sclerotica, ma del resto la stupenda “tossicodipendenza” che musica di tal fatta ancora unta orecchi e cuori scalmanati è tanta come la consapevolezza di essere centrifugati dai suoi ingranaggi sonici, allora tanto vale perderci i connotati per una mezzora e qualcosa.

Ovviamente nulla di altro se non ottimo rock sudaticcio, suonato da questa formazione con tutti i crismi e le benedizioni possibili che si coagulano insieme pur di sfasciare woofer, idoli e le maledizioni che il moniker si porta appresso come un gatto nero che attraverso il destino; nove tracce inedite e la coverizzazione di “Shout” (Tears For Fears) che fanno fibrillare i coni come in un rapporto incestuoso con una magnitudo in corso, ma anche spazio per una ballata Afterhoursiana “Solo”, un’eiaculazione svisata di corde elettriche come Zeus comanda “Venere nera” e il Mark Farner che da fuoco alle polveri di “Generazione Mutante”, luogo, simbolo e devozione di un disco alla vecchia maniera, sporco e con le palle giuste per far vibrare quella feroce energia che trasmette sottopelle.

Dieci tracce che insieme sono tasselli di un’opera praticamente perfetta per tornare indietro nel tempo, nell’Eldorado del vero rock, a distanza dai vuoti sospesi ed emaciati dell’indie a tutti i costi.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Vrec

Il Cielo di Bagdad - Unhappy the Land where heroes are needed or LaLaLa, ok (Recensione)

2012-02-22T18:00:00.001+01:00

A qualche anno di distanza da "Export for Malinconique" ll Cielo di Bagdad ritorna con "Unhappy the Land where heroes are needed or LaLaLaLa,ok" e dipinge un paesaggio surreale e sfumato. La band abbandona dunque il post- rock nostalgico per proiettarci in una landa sonora che ci risveglia in positivo e che sembra incitare al rinnovamento.
"Infelice la terra che necessita di eroi", recita il titolo dell'album. E felice invece il paese ritratto in questo album.
Il Cielo di Bagdad disegnano un' Arcadia meravigliosa fra violini, scampanellii e chitarre acustiche, un posto in cui tutti vorremmo essere, un'isola di pace e gioia sonora.
"Unhappy the Land where heroes are needed or LaLaLaLa, ok" è una risposta al caos e al cinismo, una dolcissima raccolta di inni alla gioia e marcette profonde che incitano alla spinta interiore, ad un'allegra reattività dell'anima verso qualcosa di sognato, sperato e positivo.
Le 8 tracce che caratterizzano l'album sono morbidi acquerelli in musica o schizzi a carboncino più decisi, strumentalmente infatti la band si avvale di una tavolozza infinita di suoni stemperati sapientemente in modo tale da creare ambienti liquidi o netti fra violini, ritmiche marziali e cori. Caratteristica principale dell'album è una profondità sonora creata attraverso intrecci di chitarra, cimbali, e melodie che richiamano talvolta elementi tipici di differenti varietà di musica etnica.
Piedi che marciano e mani che applaudono a tempo introducono il concept già dalla prima traccia "LaLaLaLa, ok" proseguendo con un fiero crescendo il cui picco si raggiunge in "Happy Heroes", manifesto musicale di vittoria, un sorriso orgoglioso e impettito, una bandiera alzata al cielo. Notevole anche"Stop! Stop! Stop!" con il suo giro di piano sostenuto a rappresentare una sorta di grido di battaglia fanciullesco.
Immediato è il collegamento con le atmosfere sognanti ed evanescenti dei Sigur Ros ma i nostri si distinguono dalla band islandese proprio grazie ad un tappeto ritmico più scandito ed incalzante.
Il messaggio veicolato dalla band è volutamente istintivo. Ci si avvale dell'onomatopea, di urla di incoraggiamento e sillabe isolate. I Cielo di Bagdad arrivano dritti al punto comunicando su un piano emotivo piuttosto che tramite un testo cantato in maniera convenzionale. Le melodie vocali sono infatti evocative, atipiche e gradevoli. L'immaginazione regna sovrana. Il punto focale è dunque tratteggiato con lo scopo di concentrarsi attorno ad un mondo nuovo di cui siamo tutti piccoli eroi.
"Unhappy the Land where heroes are needed or LaLaLaLa, ok" è un trionfo di echi, una spinta musicale alla forza della fantasia che celebra con fierezza la gloria semplice delle nostre stesse epiche gesta. Una collezione di inni il cui messaggio principale è quello di farci sentire grandiosi, fieri e vittoriosi dipingendo spazi immensi tra le pieghe più strette della quotidianità e del conformismo. A fine ascolto si ha dunque la felice sensazione di esser stati trascinati al seguito di un Peter Pan interiore, come coraggiosi bambini sperduti su di una sonora Isola che non c'è.

Voto: ◆◆◆◆◆
Autoproduzione

Lincoln Durham – The Shovel vs The Howling Bones (Recensione)

2012-02-22T12:05:00.001+01:00

Un pò Jack White maledetto ed un pò ossesso nipote di un qualche diavolo che potrebbe rispondere al nome di Mississippi Fred McDowell; è il giovane texano Lincoln Durham che attaccato alla sua Gibson del 1929 da fuoco al suo primo album “The Shove vs The Bowling Bones”, il condensato di un talento fuori delle righe, acido come un cantos da woodoo e sublime alla pari di un rapporto sessuale al culmine della goduria, undici tracce roots sporche maledette e subito di blues laido del Delta, strisciato, sbavato e contaminato in qualche parte minore da un country Creedenceano “Love letter”, ma sono pagliuzze d’oro dentro un fiume in piena e che grazie alla sua vecchia chitarra suonano di un meraviglioso vintage che fa accapponare la pelle.

Durham canta della disillusione, della solitudine e della depressione sociale che amareggia molti dei pensieri di un America minore, nazione di svantaggiati ed esclusi che roteano fuori o ai bordi di un sistema falsato, ed è un’amarezza che l’artista sfoga anche attraverso una stupenda voce rotta e sabbiosa, voce nera ed inquietante che porta l’ascolto di questa sua “prima volta” a livelli stratosferici fintanto che non ti senti fradico e puzzolente di limo e paludi di Mississippi fino a lasciarti portare via tra i suoi gorghi divinatori.

Emozioni tribali “Muddle puddles”, l’inquietudine stompin’ blues che trema in “Drifting blues”, Robert Johnson che benedice il mid tempo di “Reckoning lament” , il bellissimo caracollare leggero a cavallo di una poesia country-folk acustica “Clementine”, il gospel rurale e magico “People of the land” o l’anima selvaggia che canta ad una luna piena “Georgia Lee”, fanno di questo disco un’ opera di spessore, non una ricalcata di stilemi logori, ma una precisa rivalutazione del ghigno del Diavolo del Blues, preso da angolazioni e spifferi che lasceranno a bocca aperta vecchi e nuovi aficionados del genere; con Durham a condividere questa sana malattia Derek O’Brian e Ray Wylie Hubbard alle chitarre, Rick Richards batteria, Bukka Allen piano ed accordion e Jeff Plankenhorm al banjo e mandolino e di nascosto, nell’ombra d’amplificatori roventi, il respiro d’alcol del Texas, slide lussuriose e Satanasso Devil , che in questa occasione non si è solo prodigato a fare pentole, ma il furbastro ha fatto anche i coperchi.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Lincoln Durham

Maria Antonietta - Maria Antonietta (Recensione)

2012-02-21T19:00:00.007+01:00

Maria Antonietta, non esistono vie di mezzo per questa giovanissima artista di Pesaro, non esistono i “sì, però”, la questione è molto semplice o la si ama o la si odia. O la ami follemente oppure dopo le prime note spegni lo stereo, il computer e tutto ciò che potrebbe trasmetterla.
I motivi per amarla sono diversi: ha una personalità spiccata, che le ha permesso di abbandonare i primi progetti per dedicarsi interamente alla sua carriera solista e questa volta in italiano. Ha coraggio da vendere, si presenta come una paladina spirituale, ama Gesù e tutti i Santi. Ha una voce sfrontata, ruvida, molto rock ‘n roll.
I motivi per odiarla penso che siano gli stessi, a voi decidere!

L’abbiamo lasciata come Marie Antoinette con il suo lavoro d’esordio “I Want to suck your young blood” totalmente in inglese, ed è stato subito una caccia alla citazione, c’era chi diceva che fosse la Patti Smith italiana, Pj Harvey, che avesse in sé lo spirito delle Hole tutte insieme, ora che canta in italiano e si presenta semplicemente come Maria Antonietta, la situazione non è diversa, c’è chi parla di Carmen Consoli e così via.

Bene! Io non ho proprio voglia di stare a questo gioco. Dico solo che questo è un album di grandi contrasti, è tutto tinto da sfumature retrò o decadenti ( termine che le si addice moltissimo) ma dietro questo “rosa-antico” c’è un forte spirito punk. Si è presentata con un singolo di forte impatto come “Quanto eri bello” che di primo acchito sembra una canzone d’amore, tutt’altro, è una sorta di rivincita delle donne ed è quanto mai realistico, le ragazze ora non cercano più il principe azzurro,”quanto eri bello, io volevo solo portarti a letto” ma è anche vero che si è estremamente fragili “e volevo essere felice ad ogni costo”. Un album dove la dimensione personale è raccontata senza filtri e senza vergogna, è la storia di una vita, di una crescita. Brani come “Saliva” o “Estate 93” e “Questa è la mia festa” raccontano un po’ il disagio di un’anima così come potrebbe essere applicabile al disagio delle ultime generazioni, “E poi tutte le mie canzoni parlano di un solo cazzo di argomento, della mia incapacità di accettare la realtà”. La passione per la agiografia è anche in questo lavoro molto presente nei brani come “Maria Maddalena” e “Santa Caterina” , è una componente importante e molto caratterizzante per Letizia Cesarini, componente che trovo originale al di là dei pareri personali.

In conclusione, è un album che può trovare il suo seguito, e che ha sicuramente qualcosa da dire, è forse un po’ troppo ostico e ripetitivo e che a lungo andare può annoiare. Sicuramente ha portato Maria Antonietta ad essere una personalità nella scena musicale italiana anche grazie ad una buona produzione di Dario Brunori. Staremo a vedere.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Picicca Dischi

Joseph Arthur – Redemption City (Recensione)

2012-02-21T11:35:00.000+01:00

Si, effettivamente se non fosse per la bulimia di canzoni a rappresentare l’estro anche troppo libertario del cantautore americano Joseph Arthur, quest’enciclopedica collezione di tracce chiamata “Redemption City” – senza spocchia agè – potrebbe essere anche un buon disco, a parte l’apatia generale dell’artista per le ristrettezze creative e di metrica, ma un doppio album ad un tre mesi circa dal precedente The Graduation Ceremony, suona come una svendita di musica della quale non si sa cosa farne.

Lui non ama regole o diktat, anima libera e salva da condizionamenti e leggi, della sua musica ne fa ciò che vuole, e su questo - ci mancherebbe – non ci piove, ma nemmeno un sole è da condividere; mettiamola pure sull’incalzante energia in più che Arthur deve in qualche modo dissipare, magari soprassediamo sul free-form poetico che deve raggiungere un punto alto di pathos, ma, sebbene si possa scaricare in download gratuito, questo album a breve andare soffoca e si contorce dentro se stesso, non per la qualità ma per troppa saccenza lirica e troppe sonorizzazioni messe sul fuoco.

Ventiquattro tracce che non ti fanno arrivare al capolinea d’ascolto, un flusso continuo di coscienza e frammentazioni che fanno riflettere e gettare colpi d’occhio su un uso d’elettronica e pop che vanno di pari passo, ma senza mai mostrare alternativa ad una deriva soffusa ma deriva su qualcosa di sminuitivo, superficiale e – col senno di poi – noioso ad oltranza; la penna di Arthur n’esce abbastanza ammaccata, lo spoken word tra ritornelli e beat ossessivi non rendono giustizia all’atmosfera coordinata che si cerca col lumicino dentro questo impazzito e grasso poetame a tutti i costi, e se questa per Arthur è la città della redenzione, figuriamoci i vicoli cosa potrebbero essere.

Pulsazioni elettroniche e wave elettriche “Mother of exile”, il retrofuturismo evocato in “Touched”, la canzone kilometrica che striscia “Surrender to the storm”, il robotismo filo-kraut “Sleepes”, l’umano che si riprende i fili propri dalla disumanizzazione tecnologica “Humanity fade”, le parole soffuse “Fractures” e l’andazzo metropolitano e chiassoso di un Lou Reed che ancheggia in “I miss the zoo”, da sole possono già essere una buona rappresentanza di quello che si rivolta dentro questo disco che, ripetiamo, più che un disco sembra un esercizio di stile e null’altro; le redenzioni possono accadere come le devianze, fa parte dell’eterno gioco della personalità umana, ma questa di Arthur non è una mossa azzeccata, più che altro un poetico scaffale d’offerte speciali o saldi last minute.

Peccato davvero per questo giro Joseph!

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Lonely Astronaut

Slumberwood - Anguane (Recensione)

2012-02-19T15:43:00.060+01:00

Formati da due membri precedentemente visti al lavoro tra le fila dei Mamuthones, i padovani Slumberwood giungono, dopo essersi fatti apprezzare nel 2009 con l'ottimo "Yawling Night Songs", al secondo capitolo con Anguane. Inutile star troppo a tergiversare sull' alta intensità lisergica dell'opera viste le personalità coinvolte nel progetto, alfieri di tutto rispetto della neo-psichedelia made in pizzaland (produzione e co-arrangiamenti a cura di Marco Fasolo dei Jennifer Gentle con cori di Federico dei Father Murphy).

Anguane non è solo un termine veneto ad indicare figure al centro di leggende locali metà donne e metà serpente, protagoniste conturbanti di incubi ed allucinazioni notturne, bensì un teatrino sonoro inscenato da tristi ed oscuri attori creepy in angusti spazi corrosi a metà strada tra delirio ad occhi aperti e febbricitante oppressione della quale al mattino non si vuol più avere memoria. Poco spazio alla forma canzone e molta enfasi donata alla ricerca strumentale d'atmosfera, accentuata da quell'esasperazione acidula tra intermezzi oblianti e coralità trasformiste. Il lungo incipit di "7th Moon of Mars" è la giusta premessa al viaggio che ci spetta nel lato più oscuro della nostra mente, in un universo a noi parallelo e sconosciuto nel quale le uniche guide, nonchè deterrenti alla pazzia, sembrano essere i nostri sensi. "Emerson Laura Palmer" è una citazione quasi doverosa in un lavoro enigmatico ed incredibilmente variopinto quanto un'opera di Lynch, e si presenta come parentesi memorabile nel suo passaggio da marcetta cantilenante a puro sfogo acido per poi liquefarsi nuovamente assieme al cantato in un oltremondo oscuro. Si passa in scioltezza dall' irresistibile leggerezza psycho-folk di "Everything is Smiling" alla spettacolare "Help Me Grampa", via di mezzo tra mantrico ecosistema post-rock e pop inacidito su conclusione elettronica, per poi lasciarsi intrattenere dal reiterante arpeggio in salsa glitch-ambient di "La Corsa del Lupo". Arrivano i rimproveri con la greve e marziale "Sargasso Sea" e ci si perde tra il criptico minimalismo di una "Mr Sandman" (cover delle Chordettes) divorata dalle fauci del sestetto ed espulsa grottescamente in una sorta di freak show senza mezzi termini. L'organo penetrante di "Harmonium" ci accompagna all'uscio di questo incredibile sabba pischedelico, con le sue liquide e goticheggianti rarefazioni.

E' alla fine, con la title track, che apriamo gli occhi su di una realtà che sembrava perduta e ora ritrovata nel mondo circostante, a sentir spegnersi l'ultima nota di piano lasciandoti solo a dialogare con il silenzio.

Anguane è un disco ben articolato, ricco di contenuti, fatto di dissonanze, di paesaggi atmosferici eccezionali ed intrecci di generi (ambient, folk, pop e avanguardia) reindirizzati a noi come attraverso una sorta di lente deformante. Una miscela che unisce e separa, fonde e disgrega nella meticolosa cura degli arrangiamenti un suono che sembra avvolgerti per intero e trascinarti nei suoi mutevoli labirinti. Assolutamente da provare.

Voto: ◆◆◆◆◆

Label: Tannen

Peter Broderick - http://www.itstartshear.com/ (Recensione)

2012-02-19T12:55:00.006+01:00

Peter Broderick è un cittadino del mondo, un viaggiatore instancabile, mosso da una forte curiosità e dalla voglia di sentirsi pienamente in vita. La sua dirompente carriera, come un fiume in piena corre veloce contro ogni ostacolo, la sua musica non fa altro che crescere, esonda, abbatte gli argini per confluire dentro quest'url: "http://www.itstartshear.com/".
Un titolo più geniale di questo non poteva che uscire da una mente così brillante, ossessionata dal suono, alla perenne ricerca del particolare, dunque - www . inizia a sentire . com - un modo ironico e nuovo per ribadire alcuni concetti legati alla fruizione e l'ascolto distratto di musica degli anni zero, quelli del World Wide Web.
Per questo mi sembra ancor più fantastico recensire un album che è stato concepito per essere condiviso con tutti, spero che il mio feedback positivo possa invogliarvi all'ascolto di quest'album, che rappresenta tutto quello che un'artista riesce ad immortalare degli attimi fuggenti, gli scatti fotografici, i video, le lettere e farli confluire in musica.
In tutti i brani si alternano Nils Frahm (di cui vi abbiamo già parlato in "The Bells" e "Felt"), ma anche Friedrich Störmer, Mads Brauer (Efterklang), sua sorella Heather Woods Broderick (Horse Feathers) ed altri. È incredibile come un testo minimale, come quello che si ripete nel primo brano "Io sono pianoforte" possa suscitare più sensazioni di molte altre frasi più elaborate. Troviamo un Peter Broderick più ispirato del solito guardando agli innumerevoli album precedenti, in particolar modo dai più caratteristici e conosciuti "Home" e "Float", "Music for Falling From Trees", dunque lo vediamo meno curvo sugli strumenti, più tonico nello sviluppo concettuale, come in "It Starts Hear", da lui stesso spiegato sul sito, scrive di aver spinto Nils a sviluppare un singolo che sarebbe potuto passare in radio, ecco quindi comparire un cantato simil hip-hop, troviamo un avvicinamento agli Efterklang di cui lui è turnista dal vivo, in particolar modo in "Colin" e "With the Notes on Fire". Poi c'è la stupenda "Bad Words" un brano lento, ben cadenzato da piano e chitarra e cantato in tedesco, composto tutto da parolacce.
Vi consiglio di non farvi prendere dalla pigrizia, andate sul sito e leggetevi le storie che accompagnano ogni canzone, immergetevi nel mondo di Broderick, cercate di capire cosa c'è dietro il brano Blue, come si è sviluppata in un wc di New York "Everything I Know", a chi sono dedicate "Asleep" e "Trespassing". Non ho nient'altro da aggiungere se non che un link: http://www.itstartshear.com/

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Bella Union

Dr. Dog - Be The Void (Recensione)

2012-02-18T18:50:00.002+01:00

Indosso i miei vestiti come una guardia del corpo, metto i cani in guardia nel mio giardinetto sul retro. Non voglio combattere, ma sono costantemente pronto e non faccio mai oscillare la barca, ma tanto è sempre instabile.

A voler essere sintetici, questi quattro versi racchiudono il senso dell'album. Scusate la pseudo parafrasi in italiano di queste quattro frasi ma era dovuta.
La traccia padrona dei versi sopra citati è “That Old Black Hole”, ed è la seconda dell'album “Be The Void”, ultima di sei fatiche della band made in Pennsylvania composta dalle cinque T (Taxi, Tables, Text, Teach, Thanks), altresì nota come Dr. Dog. Si è poi aggiunto il nuovo batterista Eric Slick (ossia Teach) e il percussionista elettronico/chitarrista Dimitri Manos, in cerca di soprannome.
Il genere, per sbrigare subito la faccenda della catalogazione musicale, è un Rock – Indie – Folk - Baroque Pop. Insomma una bella passeggiata di dodici brani. Passiamo alla polpa.
Ad incalzare le danze c'è subito “Lonesome”, per passare poi alla prima citata “That Old Black Hole”, quindi vi ritrovate nella vostra testa che girate in punta di piedi attorno ad un elefante. Sì, ho di nuovo tradotto un loro verso, tipo messaggio subliminale. Fatto sta che la seconda traccia parte riflessiva e finisce in gran festa, grandi schitarrate e ritornello da perdere la voce ad un concerto.
Scott McMicken (Taxi), una delle due voci della band, rivela che le chitarre sono passate da essere problematiche ad essere eccitanti, e lo si capisce bene andando avanti nella scaletta passando al terzo brano “These Days” (catalogabile come puro Indie-Rock), anche questo live deve essere una discreta sudata. Da qui in poi inizia la passeggiata tra i generi prima accennata. Tendenzialmente si abbassa il ritmo ma mai l'intensità, supportata da testi sempre brillanti. Si accarezzano i Beatles in “Over Here, Over There” ( ai tempi di “Please Please Me”) e “Warrior Man” (ai tempi di “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”). Qualche coccola al Rock con “Vampire” e “Big Girl”. Ricordano il precedente album “Shame, Shame” (2010), le sonorità di “Get Away” e “Do The Trick”, con gran spolvero di tastiere. Percussioni tribali invece accompagnano la falsettata “Heavy Light”. In chiusura c'è “Turning The Century”, che ricorda la dolcezza dell' Anti – Folk dei The Moldy Peaches.
A mio modesto parere, che peraltro l'altro condivido, davvero un bel lavoro. Completo, piacente, adatto ogni stato d'animo e climatico. La voglia di andare ad un loro concerto tocca l'apice subito dopo i primi tre brani.
“I don't expect you to believe me, but everything is alright”.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Anti Records

Amerigo Verardi / Marco Ancona – Il diavolo sta nei dettagli (Recensione)

2012-02-18T11:40:00.001+01:00

Ottimo sodalizio questo che lega artisticamente due bei nomi dell’underground italiano, Marco Ancona voce e chitarra dei Fonokit ed il cantautore Amerigo Verardi, duo di poetica scorrevole, plexiglass e suoni a caldo che si fondono dentro un estuario di canzoni per irrompere sullo stereo come una massa colorata e stordita di piacere.

“Il diavolo sta nei dettagli” – primo album in studio del duo – è un bizzoso e visionario pop-rock, a tratti cinematica, psichedelico, scazzato e trasparente nelle pulsazioni a zig zag dei primi Bluvertigo “Un’onda non frena”, “Pure questo è amore”, un nove pezzi che hanno la straordinaria capacità di “parlare” il loro contenuto, prima, durante e dopo del suono, che s’incazza senza escandescenze contro il diavolo che abita la società dei magnaccioni che ci circonda come un assalto di Giubbe Rosse accalorate; il duo – in questo viatico sonoro – ci fa da guida attraverso il campo minato dell’odierno, e lo fa anche con sarcasmo e poesia elettrica sfacciata, con quella forza espressiva che rimane in definitiva il nucleo portante della loro arte di penna, se poi vogliamo aggiungerci la perfetta texiture vocale dei due heroes, tutto prende l’alto, oltre la lode.

Dopo il consiglio di grassettare con l’orecchio la traccia n.7 “Contatto” con la stupenda prosa narrante di Vincenzo Assante verso Pasolini, via libera con il rock a ventosa “Gente che ti vuole bene”, a spasso con la coinvolgente fusion d’armonici acustici che fanno Southern/mex-things lungo la ballata “I figli dei Mirafiori”, nasi espansi sopra i dolciastri profumi di Carnaby Street “Majorindielosersuperstar” e alla fine chiudere gli occhi come una cerniera lampo e sognare sull’amore stratificato ed avvolgente che “Mano nella mano” rilascia come una metafora di un assoluto rapporto interiore ed urbano.

E’ un disco che va maneggiato con molta cautela, non perché chissà cosa nasconda tra le pieghe, ma perché fa parte della schiera di quei dischi che una volta aperti ed ascoltati ti fanno ostaggio della loro incredibile quanto subdola bellezza.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Lobello Records

L'Amo - Di Primavera in Primavera (Recensione)

2012-02-17T10:15:00.000+01:00

Il trio partenopeo denominato "L'amo" si avvale della facoltà di stordirci, in poco più di venti minuti complessivi, con una raffica di tracce in cui il "non sense" regna sovrano.
Di Primavera in Primavera confonde. Come confonderebbe una secchiata in testa lanciata da tre amichetti disgraziati. Arriva inaspettata, ti disturba sei secondi e poi giù a ridere. Ci invitano a giocare e si gioca molto. Si gioca con titoli che puzzano di ironia bastarda (Dura la vita del superdotato, Dale Cooper sei un feeesso!) e si gioca a gettarsi in faccia una modalità compositiva che pare immediata, urgente, grezza. In due parole: lo fi. Il cantato è un urlo corale quasi da stadio, disarticolato e prepotente. I ritmi sono basic, scanditi in maniera ossessiva, proprio come una marcetta, un anatema per sfigati che hanno solo e soltanto voglia di esprimersi, senza troppe pretese, gridando al vento scemenze, così come gira. L'Amo richiama dunque le sonorità di Verme, ne ricorda l'irrequietezza e l'ansia espressiva, e forti sono anche i rimandi ad inni sporchi e grossolani di band come gli Altro. Siamo qui però aggrediti da intro che ingannano, come inganna il poetico titolo dell'album, creando atmosfere pseudosofisticate o irriverenti destinate a soffocare in un approccio decisamente punk. L'innovazione sta proprio nell' introduzione di synth, un originale accostamento fra sonorità da videogioco e sottofondi musicali grezzi, emocore, quasi a volersi dare un tono per il puro gusto dell'autodissacrazione.
L'ironia pungente e maleducata di canzoni come "Le parole sono orpelli del METAL", "Sulla Svirilizzazione di Quagliarella" e "Curzio Malaparte", l'introspezione frettolosa di pezzi come "Sembrava facile" o "Distratto" e momenti di puro synth senza parole in "Aurelio De Laurentis, musa e maestro": questi i temi cari al trio e queste le modalità comunicative utilizzate per presentarci un nuovo e scanzonato punto di vista sulle cose.
E' come andare a spasso per Napoli con i soliti tre scugnizzi sciagurati, trasandati e caciaroni, provare a guardare il panorama con i loro occhi, intristirsi un pò, capire, e poi sentire l'urgenza di commentare sguaiatamente. Camminare e dissacrare, canticchiando canzoni a rallegrare l'atmosfera e sbeffeggiando chiunque, qualsiasi cosa si muova in superficie. L'amo si impone con sfacciataggine. Vuole ridere con noi di quello che c'è attorno con canzoni sfrontate che in fondo in fondo fanno riflettere, o in fondo in fondo forse no. "Di Primavera in Primavera" è dunque un album impertinente. Una burla sonora.
Ci ritroviamo, a fine ascolto, come ragazzacci, a ridacchiare alla Beavis and Butthead, salvo poi restare due minuti sospesi. Con qualcosa di irrisolto addosso, qualcosa di incompleto, sconclusionato come le tracce ascoltate.
L'amo ci lascia con lo sguardo confuso. E la bozza di un sorriso in faccia.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Fallo Dischi

Il Buio - Via della Realtà 7 (Recensione)

2012-02-16T19:40:00.000+01:00

Il mio primo approccio con Il Buio è avvenuto una sera in cui ero triste, nervosa e incazzata. Mentre parlavo della mia rabbia ad una persona che non mi è né troppo vicina, né troppo distante.

“Ti sei mai sentito così?”

Una domanda viziata dal solipsismo che, in condizioni di malessere, ti convince che nessuno possa comprenderti.

La risposta, in quel momento inaspettata: “A volte mi capita tuttora.”

Sandro mi passò allora due canzoni che non ho mai smesso di ascoltare.

“Via della realtà, 7” è il secondo Ep della band vicentina. A un anno di distanza dal precedente “Il buio”, sembra volerne confermare gli echi hardcore stile True Sound of Liberty, filtrandoli al contempo con una maggiore cura per il suono, tipicamente nostrana e desunta dalla forma rock. Condensando il tutto in due soli brani dalla straordinaria carica comunicativa.

La titletrack irrompe con un rullante che pretende attenzione, che incede impudente e imperioso a preannunciare un messaggio importante. Le liriche ricercate e sostenute da chitarre vicine ai Drive like Jeuh schivano ogni pericolo di precipitare in una facile retorica, descrivendo una “realtà” personificata in un “matto mezzo nudo che si agita e sbraita”. Contro il perbenismo delle apparenze rappresentato dalle donne che “si coprono gli occhi con i foulard”. Contro il potere costituito del rosario e dello sceriffo con il manganello. Contro quei meccanismi che creano la paura per convincerci della necessità di un apparato di difesa dalla vita stessa, a causa dei quali “si chiudono le porte a due mandate”. La descrizione della verità assume dunque toni surreali, si citano personaggi di fantasia o ormai passati al mito, simboli di libertà quali Robin Hood e Casanova, come se l'unico modo possibile per appropriarsi del proprio presente, di questo tempo che annulla la distanza tra fiction e identità coniando l'ossimoro del reality show, fosse quello di prefigurarlo in maniera diversa, attraverso la lente deformante dell'arte e della creatività, di quel “circo in città”, di un matto che pur sedato con “la morfina ed i graffi sulla schiena” è riuscito a turbare la routine con il suo potere carnevalesco.

E poi, “Inno generazionale di noi sfigati”, cover di Caso.
L'originale del cantautore bergamasco e la versione de Il Buio rappresentano due modi differenti di esprimere la stessa urgenza comunicativa.
La prima, armata solo di una chitarra acustica, non si preoccupa di avere un arrangiamento ricercato, ma consegna alle forza di parole chiarissime il proprio messaggio. L'immediatezza è sconvolgente: ne è la misura il tempo che si impiega per imbracciare il proprio strumento e cominciare a suonare.
La seconda affida alla musica la propria voglia di dire, il testo a volte ne è subissato, ma il contenuto è ben espresso da chitarre elettriche impietose e da una sessione ritmica che pulsa come un cuore impazzito.
Due diverse declinazioni del punk, riassumibili in una sola frase: “Siamo quelli che non sanno mai aspettare e ancora prima di saper suonare eccoci qua, con le nostre pessime canzoni che non cambieranno la storia, che nessuno mai canterà a memoria.”
Una canzone che ha il coraggio di riconoscere nella mancanza di un'identità collettiva e nella conseguente disgregazione della propria intimità il vero legante di una generazione che dimentica di essere tale. Che si guarda bene dal rischio di scivolate in facili piagnistei e fonda il paradosso di un nichilismo reattivo nel momento in cui riconosce che, pur conscia dei disvalori, la prima persona plurale ha ancora un senso. Che ti distoglie dal pensiero di essere l'unico al mondo ad essere triste, nervoso e incazzato, costringendoti ad accorgerti che ci siamo noi. Ad accorgermi che Sandro si sente come mi sento io.

Un ultimo appunto sulla veste grafica (serigrafia su cartoncino ondulato) e sulla scelta del 7” in edizione limitata, 300 copie tirate a mano. Contro l'astrattezza della musica virtuale, il disco ci restituisce la tangibilità dei solchi magici del vinile. Quasi a significare che la musica de Il Buio non ha nulla di metafisico, perché ci troviamo, appunto, in Via della Realtà.

Le soluzioni afferiscono a quella cura per i dettagli e, ancor di più per le proprie idee, in cui giace probabilmente il riscatto di questa generazione di sfigati. Perché, grazie al buio che ci costringe ad affinare lo sguardo e vedere una realtà altra, possiamo continuare a sperare. A volte mi capita tuttora.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Corpoc

Tony La Muerte Onemanband – DimonioColombo (Recensione)

2012-02-16T10:50:00.000+01:00

Sembra di stare ad ascoltare quegli allucinati Medicine Show che arrancavano per tutti gli States offrendo a voce serrata, prodigi, unguenti prodigiosi, crisi mistiche e rivolte di popolo nascoste dietro a pomate e filtri d’amore sciamanici; Tony La Muerte è italianissimo ma con la testa sta dentro la sua America di provincia, arsa, credulona, è un onemanband focoso e matto come un cavallo, ma si sa, i cavalli hanno molta saggezza in corpo ed in testa, suona come una matteria ambulante una chitarra resofonica e slide, batte come un ossesso un rullante a pedale e strapazza un organetto elettrico, uno spettacolo di suoni blues, southern, di frontiera che rincorrono gli urli e la giugulare gonfia dell’urgenza punk-Hc, un nostrano Eugene Huntz con la maledizione di un Eric Sardinas in miniatura.

“DimonioColombo” è il suo quindici tracce, il suo delirio fatto disco che quest’artista del clamore ci propone, ed è una calorosa sventagliata di sfoghi appassionati, nitroglicerina e nervi tesi, un happy riot sonico che colpisce in faccia come un cazzotto di prima mattina, una sequenza impressionante di bussi e controbussi che adrenalizzano pure l’aria circostante: un’uscita discografica che è subito proposta interessantissima, forte di un’abilità scenica e strumentale che mostra tutta la carnalità di un artista che non ama i preliminari, subito al centro della rabbia e di una dolcezza “a modo” che non passa inosservata, ma più che altro, udita.

Il Veneto La Muerte – tutto sommato – fa detonare ed esplodere un folk’n’roll stupendo per quanto sfrontato che prima ossessiona, poi se ricaricato un’altra volta sul carrello LG, mostra i denti e tutto il mood sanguigno che contiene a stento, e da lì poi passi una bell’oretta a giostrarti virtualmente tra ricordi di Shouters incalliti e lamette Wilkinson-Punk, indemoniato come pochi; di tranquillo e pacioso ci sono i 21 secondi di “Clap, bastardo,clap”, i 29 secondi di “Tramontana”, i 31 di pathos mescalinico “John”, poi partendo a caso dalla bella danza a cerchio disegnata in “Colombo” tutto prende fuoco, il bel fuoco sacrificale di “Elettrico”, “Verso la catastrofe” e l’intreccio di corde anfetaminiche che legano “Ho finito il sudoku”.

Si, questo dobro-man è proprio un cavallo pazzo, imbizzarrito e fuori regola, ma un cavallo su cui puntare per il futuro perché di “biada” né da a tanti, credete.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Black Nutria Label

Atari Teenage Riot - Riot in japan 2011 (Recensione)

2012-02-15T15:00:00.000+01:00

Riots in Japan. Abbiamo parlato a lungo su queste pagine degli Atari Teenage Riot, l'importantissimo act fondatore del digital hardcore tornato alla ribalta dopo il singolo Activate e soprattutto dopo la pubblicazione, da parte della Dim Mak di Steve Aoki, dell'ultimo lavoro in studio "Is this hyperreal"? e gli abbiamo dato cinque stelle, abbiamo visto il loro live all'Alpheus a maggio per la promozione del suddetto, colui che scrive è egli stesso un grandissimo fan. I nostri, a pochi mesi di distanza dal full lenght, ci presentano un disco live non imprescindibile per il neofita ma importante per chi segue per devozione il trio formato da Alec Empire, Nic Endo e Cx Kidtronix. Il lavoro fotografa al meglio alcune performance di un gruppo rinato, ritrovato, amato e allo stesso tempo criticato, amato da chi è appassionato della musica elettronica come wagneriana Opera d'Arte Totale, concetto applicato a certa musica degli anni '90, odiato dai musicisti da cameretta e dai critici odierni in quanto considerati casinisti e old school. Ma se voi, lettori, appartenete a queste due categorie, potrete godere appieno della rassegna dei pezzi live che variano dal disco di debutto 1995, successivamente ripubblicato come Delete yourself! fino al lavoro più recente. Lungo l'arco di venti tracce che rappresentano una buona fetta dei loro successi scoprirete le doti declamatorie di Empire, il rumorismo della giapponese Endo e, un po in sordina, gli appoggi del "newcomer". Questo disco arriva dopo il best of - live Burn berlin burn e dopo il live @ Brixton academy, molto diversi. Questo si ricollega idealmente al primo titolo citato in quanto costituisce un altro best of, e sarà utile come riassunto. Il disco si apre con Activate e si conclude con Revolution action. E' inutile parlare dei brani in quanto tutto è stato detto, basterà ricordare che se la seconda, opener del loro terzo disco 60 second wipeout, pubblicato prima dello scioglimento in seguito alla morte dell'mc Carl Crack, ha rappresentato il loro anthem generazionale degli anni '90, Activate, a dieci anni di distanza, ne ha ripreso il discorso e ne ha sancito il titolo di anthem degli anni 2000. E tra classici come Start the riot, Into the death, Speed e inedite live come Get up while you can e Sick to death, l'ascoltatore troverà i nuovi inni, a tratti più ragionati e ad altri di eguale portata devastante, dalla succitata Activate a Codebreaker, fino all'esecuzione magistrale di Rearrange your synapses, una delle loro migliori sfuriate di sempre. Vi auguro un buon ascolto con la vostra ampia fetta di classici, chiunque li ama e li ha visti live sentirà riscatenarsi l'adrenalina di voler essere lì, davanti a quel palco, ad urlare e a pogare. Imprescindibili loro, non imprescindibile il disco, ma cosa importa, sono gli Atari Tennage Riot. What did you say?

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Dim Mak Records

Quakers and Mormons - Funeralistic (Recensione)

2012-02-15T07:00:00.003+01:00

Che cos'è l'amor... chiedilo ai Quakers & Mormons che per il giorno di San Valentino scelgono di far uscire il loro nuovo album dal titolo "Funeralistic".
Per la cronca, è il 14 febbraio 2012 dove c'è ancora tanta neve in giro, caduta in "free download" provocando molti disagi, soprattutto quello di dover rimanere a casa senza niente da fare, per fortuna che i due - già attivi nei My Awsome Mixtape - preoccupati per l'incolumità dei nostri cervelli fumeggianti, in pronto soccorso ci offrono il rimedio alla noia di queste burrascose giornate. Oltre esser stata una gradita sorpresa questo nuovo lavoro si presenta ricco di novità, che vanno a rafforzare l'ardua scelta di intraprendere una strada per niente semplice. Calarsi nei panni di due incappucciati predicatori non è da tutti e se nel precedente "Evolvotron" si sentiva ancora troppo il sound dei My Awsome Mixtape, in questo troviamo un duo seriamente intenzionato ad una svolta netta verso l'Hip-hop sperimentale, grazie alla produzione di Riccardo Gamondi (Uochi Toki). Cè un vasto assortimento di generi, come in "Unconsciousness" dove tendono al Drum and Bass, il cantanto resta fermo sull'hip-hop a parte nei ritornelli come in "Expire", mentre in "Burial Ground" è forte l'influenza di M.I.A., il pezzo successivo "Wooden Embrace" invece prende molto dal Dubstep di Skrillex. La particolarità dell'album risiede nella giusta apertura a riechi orientaleggianti come nel brano inziale "Almost Dead" e "Burial Ground", dove sembrano molto vicine alcune ritmiche arabe alla Omar Souleyman. Se c'è qualcosa che amo veramente questa è la musica, buon San Valentino amore mio, grazie per il bellissimo regalo.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: La Valigetta

Field Music – Plumb (Recensione)

2012-02-14T16:30:00.001+01:00

Si aspettavano al varco gli inglesi Field Music, si stavano braccando in quanto il loro valore musicale è ottimo ma sempre sul filo di lana divisorio tra underground e grande scena, sempre fermi sul quel limbo come se aspettassero passare la circolare per il centro che poi non arriva mai, ma quello che il fresco “Plumb” ci consegna, è una band con una splendida circolazione d’idee, una buona texiture di tradizione inglese mista che batte chiodo alla corte di Brian Ferry, Peter Gabriel, Il Duca bianco, Kinks, Beatles, dunque non si capisce il perché di questa “attesa” a bordo campo, ma ancora una volta diamo tempo al tempo. Quello che si va ad ascoltare è una performance di gruppo buona, velata d’anni Ottanta ottimisti, elettronica garbata e quel rock da filodiffusione, mai oltre le righe e di compagnia, che fa accennare piccoli passi di danza e tira su un po’ lo spirito dopo una giornata di scazzi e battibecchi; quando uscì il doppio Measure, si gridava ad un disco con troppi collegamenti d’orchestrazione, grasso d’arrangiamenti, ma forse non si era allenati al sound della band, ora con questo disco le opinioni si mettono in bolla, ci si capacita delle direzioni intraprese e lo si lascia scorrere gioviale com’è. I fratelli Brewis forse avrebbero bisogno di una produzione che esalti di più le loro propaggini sonore prog-pop, che li metta in uno stato di allargare il raggio d’azione delle loro canzoni verso nuovi parterre d’ascolto, ma a parte questi “tatticismi” dai quali è meglio porsi a lato, rimangono queste buone ventidue tracce – alla faccia della morigeratezza – che dopo aver illuminato in apertura un’aurea impercettibile del Prince glam “Let’s write a book”, vanno a speziare il loro feeling con il Baronetto McCartney “Prelude to pilgrim street”, spalleggiano il sempre sorridente Wilson dei Beach Boys su “Ce Soir, From Hide and seek to heartache”, scalano ottimi falsetti e ricami armonici “A new town”, “(I keep thinking about) a new thing” per contornarsi di quel filino kraut rock che mette all’aria nuvolette di sinth non male “Choosing sides”. Tutto è pronto per il big jump, i fratelli Brewis sono pezzi giovani della musica che non muore e che resistono nonostante questa “circolare” che non vuole passare e che non lo ha fatto fino adesso; l’entusiasmo e la classe abitano qui, di tutto il resto ce ne freghiamo.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Memphis Industries 2012

Bad Love Experience – Pacifico (Recensione)

2012-02-14T11:35:00.000+01:00

Mettiamo il caso che una mattina vi svegliate con la luna storta, i motivi ora non sono importanti. Mettiamo anche il caso che siate un tantino musicopatici, afflitti cioè da una sorta di leggera psicopatologia per cui il vostro umore dipende in parte dalla possibilità di ascoltare della musica, buona musica. Insomma, una dipendenza. Ricorrere al vinile, al CD o ad una cartella di mp3 fa poca differenza, dipende da cosa avete da fare. Solitamente puntate sul sicuro, su qualcosa che già conoscete. Ed ecco l'imprevisto: la scelta cade su di un disco che non avete mai sentito ma è proprio ciò di cui avevate bisogno.

Questo è grossomodo quello che è successo al sottoscritto con "Pacifico", il nuovo album dei livornesi Bad Love Experience. Ora, si da il caso che conosca i ragazzi dai loro esordi ma abbia seguito il loro percorso musicale soltanto a distanza, salvo poi vederli dal vivo alcune volte e saggiarne le doti. Ricordo più di una volta di essermi detto che i Bad Love sono destinati al successo e non credo di essermi sbagliato più di tanto. Nel frattempo sono andati molto vicini ad aggiudicarsi il David di Donatello del 2010 per una loro canzone presente nella colonna sonora di "La Prima Cosa Bella" di Paolo Virzì. Da sempre impegnati in una rilettura personale del punk-rock e di certo rock'n'roll di marca british, il loro sound ha abbracciato negli anni anche il beat ed ora, che sono arrivati alla terza prova discografica uscendo per la Black Candy, la psichedelia ed il folk. Innegabile che i loro territori di riferimento siano soprattutto le umide lande di Sua Maestà la Regina di Inghilterra, che estende il suo dominio fino ad una porzione della verde Irlanda, isola da cui i Bad Love Experience attingono ulteriormente per arricchire la loro tavolozza cromatica. Certo, se cercate l'originalità a tutti i costi forse avete scelto il modo meno opportuno per approcciarvi a quest' album. Ma se pensate che a fare la differenza sia lo stile unito alla maturità artistica, allora siete sulla strada giusta.
L'intero disco sottende ad un'idea ben precisa di suono unita ad un lavoro capillare ma non ridondante sugli arrangiamenti. Risultati che si ottengono se, oltre alle buone idee, si ha la capacità di svilupparle nella giusta direzione in tutte le fasi di produzione. E così, un'impalcatura di rodati giri armonici è in grado di sostenere architetture accattivanti, come per la ballata That County Road ed il folk-surf di Devil In Town.
Le melodie, poi, sono uno dei punti forti di "Pacifico"; nella storiella introduttiva, il musicopatico ha cominciato sin da subito ad avvertire gli effetti della cura lasciandosi trascinare dalle prime due parti di The Kids Have Lost the War, fino a non poterne fare a meno per giorni. Si, perchè certe canzoni hanno il sapore di un riscatto gioioso che trascende le differenze generazionali, una voglia di affrancamento che non ha nulla a che fare con la prevaricazione, come se una storia ne potesse comprendere mille altre e queste altre mille lo sapessero ed ora stessero facendo il tifo per quella soltanto.
E mi fermo citando Dawn Ode, piccolo gioiellino suadente dalle suggestioni psichedeliche che i quattro livornesi hanno scelto per il loro videoclip di lancio.
Davvero un bel disco; è inutile cercare dei giri di parole per convincervi di questo, perchè saranno le vostre orecchie a marcare le eventuali differenze.
Forse "Pacifico" non vi aprià le porte su nuovi mondi, ma quantomeno vi aiuterà ad apprezzare di più quello in cui state vivendo.
Ah, a proposito: la mia giornata è andata comunque da schifo, ma almeno ho avuto un'occasione.
Have I lost the war, kids?

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Black Candy

Management del Dolore Post-Operatorio - Auff!! (Recensione)

2012-02-13T14:30:00.003+01:00

Auff!! Che può non dir nulla così come può essere un titolo geniale per un album, per la realtà, per la vita.

Si presentano in modo prorompente questi 4 ragazzi di Lanciano, con un singolo che la dice lunga “Porno-bisogno” e forse non è un caso per loro aprire con questo brano, si vocifera infatti che questi ragazzi si siano ritrovati infortunati, ognuno a proprio modo, dopo un incidente autostradale e siano arrivati alla conclusione che l’unico modo per riprendersi dal “dolore post operatorio” fosse il piacere, e la copertina dell’album è molto emblematica in questo senso. Ma andando avanti con l’ascolto che si rivela molto scorrevole ci troviamo nelle orecchie l’irriverente Tittle-track “Auff!” , ben riuscita, a mio parere la migliore, dove vengono vomitati una serie di luoghi comuni, citazioni ben pensate che mirano a scardinare quello stereotipo del “poeta maledetto” che ultimamente sembra essere inflazionato. Edgar Alan Poe, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, fino al contemporaneo Bukowski, emblema di un disagio sociale ma che probabilmente applicati alla nostra società si spogliano della loro genuinità e si vestono di moda. “Ho un amico e se ci parli per un po’, non ha nulla da invidiare Ad Edgar Allan Poe” . Auff! Si pone come un “Hiroshima Provinciale” per spazzare via le costruzioni mentali, “Bukowski! Dimmi la verità, di quella birra non ne hai bevuta la metà”, a tratti davvero dissacrante ma inseriti in un contesto più ampio la loro ironia e la loro critica è davvero apprezzabile. Si continua con “Marylin Monroe” che tiene alta l’attenzione dopo la bomba appena ascoltata, ancora una volta si prende in esame un mito quale Marylin. E vai con “Signor poliziotto” che mi riporta un po’ alla mente le sonorità dei Fast Animals and Slow Kids, anche questi un gruppo giovane e molto valido. Ed è il momento di “Amore Borghese” con una sorpresa, in quanto ad affiancare la voce di Luca Romagnoli troviamo la riconoscibile voce di Emiliano Audisio, cantante dei Linea 77. “Dottorato in Filosofia, s’è buttato dal settimo piano, I Have no Future, grida mentre vola via” è la storia di “Norman”, cronaca vera, successa in Sicilia dove la disperazione e il precariato nel lavoro e nella ricerca hanno dato vita a questa classe di persone promettenti, laureate e disperate. Con un testo schietto, vero e diretto che ben si sposa con tutto l’album. È il momento di “Irreversibile”, originale nel tema, facendo riferimento alle Sacre Scritture arriva alla conclusione che il grado di entropia della condizione umana è così forte che la soluzione è distruggere. Si continua con “Macedonia” dove già il titolo è emblematico e giù con “Nei Palazzi” dove ci si rifugia anche per codardia in un mondo ideale che se anche avremmo voluto farne parte ne siamo inclusi senza riuscire a farci nulla. Ed ecco l’ultima in lista per essere ascoltata “Il Numero otto” e non è meno di tutto l’album, anzi tiene ancora alta l’attenzione.

Per concludere, il progetto è molto valido, nei testi, nel sound, nell’immagine, soprattutto funzionano perché hanno un chiaro concetto di base. Si sono meritatamente guadagnati uno spazio nella scena musicale con irriverenza e senza chiedere il permesso.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: MArteLabel

Calbiro 35 - Ogni Riferimento A Persone Esistenti o A Fatti Accaduti E' Puramente Casuale (Recensione)

2012-02-13T09:30:00.010+01:00

I Calibro 35 dopo il successo di "Ritornano quelli di..." album che li ha spinti fuori dai confini italiani, prima col far parte della colonna sonora di un film hollywoodiano "Red", per poi suonre dal vivo al SXSW Festival in Texas, registrano questo nuovo lavoro per l'appunto a Brooklyn in soli quattro giorni. Essere rappresentati all'estero da revival di questo tipo è stupefacente, grazie a musiche che storicamente sono state il fiore all'occhiello del cinema italiano anni '70. Ebbene, Tommaso Colliva (mente dietro le quinte), furbo come una volpe, non solo ha dato vita ad un side-project che si sta rivelando vincente, ma ci sta dando lezioni di stile andando a ripescare dagli anfratti di una cultura dimenticata, su cui pochi avrebbero scommesso. Merito anche dei musicisti di grande spessore, su cui si è potuto scommettere e portare avanti - nonostante altri impegni - questo gruppo strumentale, con un genere retroattivo da loro definito golden age soundtracks and original composition. Il disco si apre e si chiude con due brani che hanno come titolo il nome stesso dell'album, usato spesso nei titoli di coda dei film, in cui troviamo i quattro musicisti in grande forma, belli pimpanti in "Uh Ah Brr", un brano che potrebbe essere il simbolo assoluto della loro forza, che non ha bisogno di immagini e di supellettili per farsi apprezzare maggiormente. Ed è proprio con questo album che si giocano forse la carta vincente, in cui azzardano anche con un sitar in "New Dehli Deli", ai soliti flauto traverso, sax e tastiere di Enrico Gabrielli, le chitarre ben riverberate, accompagnati da una sezione ritmica basso e batteria su cui la band sprigiona tutto il suo potenziale. Non mancano le rivisitazioni, questa volta spettano a Piero Piccioni ed Ennio Morricone, nel brano "Passaggi nel tempo" ricco di suspense, e "New York New York". Uno dei pezzi che diverrà di sicuro di repertorio è "La Banda Del B.B.Q. (Brooklyn, Bronx, Queens)" in cui emerge tutto il potenziale di una band che ha ormai riversato sui 180 grammi dei vinili un tassello mancante di un vecchio mosaico. Citando a memoria Simon Reynolds - in un'era digitale dove tutto ci sembra atemporale - di sicuro in futuro questo lavoro servirà a rafforzare l'importanza storica di generi musicali che spesso restano abbandonati nelle pellicole. Il disco sembra terminare con "Pioggia di cemento", mentre i due brani restanti fungono quasi da bonus track, ma d'altronde la musica continua anche nei titoli di coda.
Musicisti del calibro loro altro non potrebbero essere che dei pistoleri spara proiettili a salve, di un remake che vogliamo vedere più spesso nei nostri palinsesti.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Tennen Records / Venus Dischi

Laura Gibson – La Grande (Recensione)

2012-02-12T13:00:00.002+01:00

L’Oregon della cantautrice Laura Gibson è uno stato di grazia dove pare non succedere mai niente, terra di confine tra oniricità da cartolina e strade disseminate di sassi, polvere e sguardi languidi verso l’oltre non segnato dai confini territoriali, verso un’altra vita immaginata, viva ed illuminata da folk, country e tutto il corredo di sentimentalismo della provincia, chiusa ed aperta come in un moto perpetuo di nuove aspettative che tardono sempre ad arrivare.
Come tantissime sue colleghe, la Gibson sogna, sogna e sogna ancora dentro quelle sfere trasparenti che fungono da finestra poetica di una via di fuga da tutto e tutti; col precedente Bridge Carols questa via di fuga se l’era preclusa da sola per via di una totalità musicale troppo al caramello, a prova di diabete conclamato, e forse ciò si crede che lo abbia capito tanto che in questo nuovo appuntamento discografico “La Grande” l’artista americana scansa di un poco la glassa, mette in carne un po’ della sua fragilità costitutiva, chiama qualche musicista ad ingrassare i suoni ed il gioco è fatto, un disco piacevole e passeggero che sebbene si rivolga al country-folk di genesi, rimane un appuntamento su cui perderci un bel pugno di minuti vale davvero la pena, garantito.
Dieci tracce che si dividono il compito di movimentare e contemplare animi e orgogli, interiorità femminili, parole non dette e parole sputate con giovialità, malinconia e sprazzi di sole che fanno della tracklist intera una scala d’intenzioni buone e con il sangue tranquillo; Laura Gibson è una penna cantautorale raffinata e stratificata, vive e si rivolta nelle sue elucubrazioni sofisticate come un fiumiciattolo brioso e argentino che scorre tra petto e cuore, e per recepire tutto ciò bisogna aspettare il passaggio easy di “Milk-Heavy, Pollen-Eyed”, cullarsi nel gospel gracchiante “The rushing dark”, andare a caccia d’innocenti farfalle nella ballata looner “Crow/Swallow”, saltare in una momentanea felicità Honky Tonky “The fire” o magari lasciarsi andare tra le arie latineggianti alla Carole King che spifferano leggerezza a tutto andare in”Lion/lamb”.
Pare che i fantasmi che l’artista si portava dietro come dote se ne siano andati, adesso un timido ma potente nuovo corso si fa largo, e l’Oregon che le andava stretto è solo una piccola macchia verde innanzi a ad un mondo che si è aperto, anzi, spalancato a dismisura.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: City Slang

Lana Del Rey - Born To Die (Recensione)

2012-02-11T12:20:00.003+01:00

Forse si è un po’ in ritardo per parlare di lei, considerando che, ora come ora qualsiasi stazione FM o web ne ha ampiamente fatto conoscenza e le sue hot tracks sono nella heavy rotation di qualsiasi programmazione radiofonica. O forse no. La questione non è recensire un EP composto di pezzi che conosciamo e conoscevamo alla perfezione anche prima della data di release (giuda chi giura di non aver sentito almeno una volta "Video Games" prima di gennaio) . Direi che non è decisamente il caso di spiegare le magie che si nascondono dietro le note di Born To Die. Si tratta di fare due pensierini sulla signorina Lana Del Rey (e non di dubbia moralità). La storia è questa. Miss Elizabeth Lizzie Grant , figlia di papà Robert Grant, noto imprenditore milionario, è intenzionata a diventare una star, ma presentandosi come Lizzie Grant qual è non sfonda. Così si firma come Lana Del Rey che certo, anche a chi di marketing non se ne intende (me, ad esempio), affascina parecchio. Esempio perfetto di come un nome un tantino più calibrato può marcare la differenza tra oblio e fama mondiale. Uniamola ad uno stile conturbante quanto la sua voce grave ne Born To Die, direi sensualmente torvo (non possiamo negare che sia una gran bella ragazza), un po’ alla Nancy Sinatra (come piace dire a tutti gli speaker in radio, quando si riempiono la bocca dell’aura di qualche nome celebre), un po’ Portishead, un po’ trip-hop: un buon miscelato di commercialità e osanne da Pitchfork che accontenta tutti. Lana Del Rey è un ottimo prodotto mediatico, un concentrato di reminiscenze un po’ vintage che mixa bene sixties quanto thirties, un ottimo esempio di come la nostra nuova cultura sul mainstream si possa cristallizzare e procreare belle e buone macchine per fare soldi. Un po’ come Lady Gaga; e non mi stupirebbe se anche Lana, la bambolina di fredda e bionda plastica non riuscisse ad intrigare uno come Tarantino. Con tutto ciò non nego che comunque a me, personalmente, Lana piace. Con il suo stile cinematografico (per non parlare dei video, giustamente, lei e la Gaga lì se la sono battuta), abbastanza anti-convenzionale per il genere di musica ‘pop’ sulla piazza (Off To The Races potrebbe far sperare persino un’evoluzione verso un genere più Cocorosie), ma sono ipotesi da sottoporre alla dura logica di mercato. Lana Del Rey è capace di far apprezzare il genere plasticoso da barbie maledetta ma vestita bene quanto la Kidman nel "The Perfect Wife". Per quanto riguarda il resto, non resta che aspettare il seguito; ai posteri l’ardua sentenza.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Polydor

Lacuna Coil - Dark Adrenaline (Recensione)

2012-02-10T15:30:00.001+01:00

Credo che per chiunque si occupi di scrivere articoli riguardanti uscite discografiche e affini, poter recensire la nuova uscita di una band simbolo del metal italiano all'estero sia un grande onore; e la band in questione porta il nome di Lacuna Coil!

I Lacuna Coil ormai calcano scene e palchi di mezzo mondo da almeno 15 anni e hanno avuto la possibilità di suonare con band immense del panorama estremo mondiale. Dagli Opeth agli Slayer, agli Obituary, ai Meshuggah, ai Type O Negative. Un curriculum vitae decisamente invidiabile!

Ma il successo planetario è arrivato solo da una manciata di anni, quando sulle scene, pompati a dismisura da Mtv, sono arrivati gli statunitensi Evanescence.

A differenza però di Amy Lee e company, i LC possono vantare una padronanza invidiabile della strumentazione che "indossano" live e in studio, capacità che purtroppo si perdono nel bisogno smisurato di popolarità e vendite per poter varcare le soglie dell'Olimpo mainstream.

Dopo 2 anni dalla precedente uscita, il pessimo "Swallow Life", tornano sulle scene con un degno successore, "Dark Adrenaline".

Le tracce si tengono tutte, o quasi, al di sotto dei 4 minuti e verrebbe da pensare che o si tratta di un disco hardcore o di un disco pop, ma ovviamente è la seconda ipotesi a prendere il sopravvento man mano che le canzoni si susseguono "piacevolmente" senza troppi fronzoli ne artefatti ed indigesti passaggi, insomma, qualcosa di abbondantemente banale da lasciare basito l'ascoltatore che si ritrova nelle orecchie cose sentite e risentite decine e decine di volte dalla stessa band e da grandissime band come Paradise Lost, Katatonia e Sentenced, scendendo però addirittura ai dozzinali standard di altre band come i teutonici Lacrimas Profundere!

Insomma, potremmo ritenerci, noi italiani, fieri di esser rappresentati da un gruppo di questo calibro, solo che questi non riescono proprio a tirar fuori idee nuove.
Ascoltando tutti i loro dischi in successione l'unico segnale che riusciremo ad avere per distinguere i diversi album sono le differenti produzioni, che, onore al merito, in questo Dark Adrenaline, è a dir poco perfetta, ineccepibile!

Il culmine dell'indecenza però, in questo Dark Adrenaline, lo si raggiunge con la cover della celeberrima "Losing my religion" dei R.E.M. Inutile dire che la resa di questo brano è davvero penosa!

L'unico spiraglio di decenza lo si trova sul finale del disco, un po' perché il disco sta finalmente per finire, un po' perché il brano, My Spirit, è l'unico che merita un po' di attenzione rispetto ai precedenti, ma neanche troppo.

Mantenendo comunque la speranza di qualcosa di qualitativamente migliore per il futuro credo che il disco sia da sconsigliare vivamente a chi cerca musica di qualità.

Voto: ◆◆◇◇◇
Label: Century Media Records

Punkreas - Noblesse Oblige (Recensione)

2012-02-10T08:05:00.000+01:00

Con "Noblesse Oblige", dopo 4 anni dall'ultimo album, i Punkreas abbandonano l'indignazione nei termini della satira più accesa e diretta e, fedeli al titolo scelto, assumono un atteggiamento di allegro distacco, un divertito allontanamento dall'impellenza verbale degli album precedenti concendendosi il lusso di trasformare l'invettiva sociale in una battuta di spirito. Cippa, Flaco, Noyse, Paletta e Gagno si propongono in una versione adolescenziale e scanzonata imponendosi al pubblico dall'alto dei loro venti anni di carriera con l'intenzione di smorzare i toni ed offrire una versione meno infiammata di loro stessi. Noblesse Oblige: Un sano, nobile, irriverente distacco. Il gioco con le tematiche più attuali si articola con ottime collaborazioni: Luca Persico dei 99 Posse ad impersonificare il "terrone" in un immaginario dialogo musicale fra nord e sud nel brano "Polenta e Kebab". Altra collaborazione interessante è quella con la sezione fiati dei Bluebeaters che contribuiscono con la loro inconfondibile impronta Ska ad impreziosire brani come "Aperitivo" e "La Fine del Mondo". Le sonorità ricalcano l'ossimoro fra il titolo dell'album e l'immagine della band stessa. Un alternarsi di punk all'italiana dal suono (forse eccessivamente) pulito e con l'introduzione di piccoli momenti di elettronica. Tuttavia è proprio questa vena canzonatoria e distaccata a rendere l'album vagamente insipido, un esercizio di divertimento che toglie incisività e potere impattante alla comunicatività dei pezzi portandoci a vivere l'ascolto come un momento di pallida distrazione totalmente fine a se stesso. Eccessivamente adolescenziale per una band di artisti navigati da cui ci si aspetta qualcosa di più significativo a livello di messaggi e a livello di proposta musicale in senso lato.

Voto: ◆◆◇◇◇
Label: Edel Records

Lo-Fi Sucks! - Loud, fast, shut up! (Recensione)

2012-02-09T18:18:00.000+01:00

Il mito dei caruggi genovesi dalla mente capovolta torna a far parlare di sé, i gloriosi Lo-Fi Sucks! sono di nuovo in pista a premere sull’acceleratore dell’indie per riportare quell’impronta fighissima che per più di un decennio ha dettato regole e angolazioni dentro i compartimenti dell’underground; “Loud, fast, shut up!” è l’album che aspettavamo e che doveva uscire l’anno scorso, disco registrato nel lontano 2004 anno del loro scioglimento e che finalmente vede la luce - sulla distanza di sette anni di silenzio – in tiratura limitata di cento copie in vinile, ed è un bel rientro questo della formazione ligure, speriamo che duri a lungo per poter ancora rimpinzarci della loro musica ribelle, mid-fi, stranita e straniante nella testa come a portare l’apparecchio per i denti in una giornata di canicola, scura e luminosa come un neon lampeggiante nel massimo vigore energetico; con il pathos fremente di Lou Reed che ancheggia lungo la venatura della tracklist e con la semplicità dei grandi a confrontarsi face to face con le stature di numeri xl come Sebadoh, Pavement, dEUS e certi Sonic Youth, i LFS con questo disco postumo riaprono in pieno la partita che avevano chiuso quel maledetto 2004, tornano a rendere importante e lucido il post-rock e dintorni di casa nostra. Dieci tracce melodiche, storte, distorte e lunari, preda di lampi e lussureggianti emozioni, atmosfere arpeggiate, ossessioni compressate e dilatate, mai disturbanti oltre il wall of sound , eclettiche e molto, molto americane nelle direttrici; c’è tutto un mondo di scompensi stupendi dentro questo bel pezzetto di storia di note italiana, un mondo che riappare, mai scordato, per tornare a dare fuoco alle animalità poetiche che non soggiaciono ai diktat, alle metriche imposte e alla forma canzone rigida come dopo un colpo apoplettico od un rigor mortis, in poche parole libere. Impareggiabili autori di un sound personale ed obliquo, i LSF ci presentano il conto espressivo della loro arte sonica, il deliro elettrico e jamming di “Know your orange!”, l’aria opaca e post-rock che si respira tra i mulinelli di “I wan’t complain”, il dondolio ipnotico “No taste”, la psichedelica Velvetiana che ubriaca di benessere espanso “Fat butterfly”, il fiato sul collo degli Encode “Rats from Strasburg” per poi morire dentro sulle note della ballata seventies “The rising tides of conformity”, un conto che paghiamo più che volentieri pur di risentire questo trio ovunque ci sia alternativa in giro. Ora non ci rimane che sperare, e nel frattempo correre in fretta perché le cento copie finiscono subito e rimanerne a secco è come demolire una voglia di sorprendente acclamazione. Lo-Fi Sucks! Welcome on the circuit.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Ouzel Records

Il Teatro Degli Orrori - Il Mondo Nuovo (Recensione)

2012-02-09T07:00:00.004+01:00

Per il secondo anno consecutivo gennaio sembra suggerirci il perfetto binomio per contrastare le rigide giornate invernali: sentimento e quantità. Dopo il dilatato ed esclamativo "WOW" firmato Verdena (uscito ormai dodici mesi fa), gennaio 2012 ci regala sedici tracce distribuite in un'ora abbondante di muro del suono e tragedia. Capovilla e soci non hanno certo bisogno di presentazioni. La loro nuova fatica si intitola "Il Mondo Nuovo".

Per giorni ho pensato a come stendere un commento sensato e dignitoso sul nuovo lavoro de Il Teatro Degli Orrori senza mai trovare parole e pensieri che esprimessero in maniera soddisfacente quello che le mie orecchie e la mia pelle percepivano in fase di ascolto. Complice il fardello di "salvatori del rock all'italiana" che il gruppo si porta appresso da qualche anno, sembrava che "Il Mondo Nuovo" dovesse a tutti i costi suonare alle mie orecchie come una sorta di capolavoro. Me ne ero quasi convinto finchè, nel bel mezzo di una sempre troppo breve pausa caffè, la sensazione di piacere derivata dal tepore della tazzina stretta tra le mani è stata interrotta dalla voce decisa di Paolo: "Hai sentito il nuovo del Teatro? Come Lo trovi?". Non ho potuto fingere. "Il Mondo Nuovo" è un ambizioso concept-album che parla di persone, di partenze (spontanee o forzate), di affetti lontani, di affetti perduti, di cambiamenti, di una quotidianità lontana ma mai così vicina alla nostra. "Il Mondo Nuovo" soddisfa solo parzialmente le aspettative createsi negli ultimi mesi; se da un lato i fan di vecchia data potranno crogiolarsi tra le ritmiche sostenute e distorte di Rivendico, Non Vedo L'Ora e Martino, tracce che richiamano l'urgenza sonora degli esordi (L'Impero Delle Tenebre - La Tempesta Dischi, 2007), difficilmente si troveranno a loro agio con i reading drammaturgici di Adrian e Vivere e Morire a Treviso, a mio avviso tra i pochi episodi interessanti, in termini di originalità, dell'intero lavoro. La lista di comparsate è lunghissima e proviene direttamente dalla cesta della miglior musica italiana attualmente in circolazione: Appino (Zen Circus), Egle Sommacal e Stefano Pilia (Massimo Volume), Rodrigo D'Erasmo (Afterhours), fino a Caparezza e Aucan la cui presenza si percepisce in maniera netta, decisa e balisticamente non ingombrante nella krauta Cuore D'Oceano. "Il Mondo Nuovo", nel complesso, può essere letto come un disco di passaggio, controverso, una degna ma non particolarmente brillante prosecuzione di "A Sangue Freddo" (La Tempesta Dischi, 2009) che aggiunge, grazie alla cura nelle liriche, un piccolo importante tassello all'ambizioso e personale progetto della band di unire chitarre distorte e boccascena, intento che il gruppo non ha mai tenuto celato.

Finito il caffè Paolo ringranzia mentre io, sul finire della pausa, scruto malinconico il fondo della tazzina alla ricerca di mondi paralleli, nella speranza, questa volta, di trovarne di nuovi.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: La Tempesta Dischi / Universal

Errors - Have some Faith in Magic (Recensione)

2012-02-08T12:00:00.001+01:00

Potrebbe essere un buon lavoro, ma nettamente inferiore alla loro storia musicale, umana e “calligrafica”; gli Errors provano ad invertire la marcia sonora del loro operato in questo terzo disco uscito da poco sul mercato, “Have some faith in magic”, disco dove le sonorità post-rock di sempre sono relegate in cantucci miopi mentre un sinfonico quanto freddissimo glo-sinth si fa avanti circondato da nebulose, tecnicismi e sottili spifferi progressive che su i due piedi abbisognano di ripetuti ascolti prima che possano bypassare un minimo interesse.
Dunque un sinth-pop d’ambiente che strizza l’occhietto a certe debolezze guarnite di chillout, fantasie immaginarie che sembrano uscite dalle sperimentazioni pindariche di Chaz Bundik alias Toro Y Moi, dalle pareti di casa Karpak passando per le elucubrazioni misticheggianti di Memory Cassette o di Ernest Green alias Washed Out, per non parlare del viaggio psich-cosmico che s’intraprende una volta assorbite le istanze fumiganti della band di Glasgow; ma anche un disco di debolezza se preso con la forza di trovarci dentro quella propulsione altolocata prettamente Error, debolezza non nella struttura ariosa e sconfinata delle dieci tracce, ma per un sentore di “già sentito” che s’incolla all’orecchio con insistenza.
Se piace il canto “monacale” alla Cocteau Twins “Black media”, il sincrono pop di stampo Animal Collective “Holus-bolus”, “Magna Encarta”, la nebbia fitta dei concittadini Glasvegas “The knock” o i vuoti d’aria compensativi di un sogno a mezzo termine “Cloud chamber” avrete in questo disco la chiave di lettura della nuova intraprendente idea che gli Errors hanno fatta loro, cioè quello di svoltare uno stilema che oramai poteva sembrare liso e consunto, se invece avete delle titubanze su tutto il registrato e volete andarci con i piedi di piombo origliate “Barton spring” e proprio da lì la vostra decisione prenderà gambe proprie in avanti nella scoperta oppure, sempre da lì ve la darete a gambe levate in cerca di un bel disco di Neon Indian per rifarvi la bocca.

Voto: ◆◆◆◇◇
Lbel: Rock Action Records

Tying tiffany - Dark days, white nights (Recensione)

2012-02-07T18:05:00.003+01:00

Un po' di elettronica, un po' di rock (soprattutto nell'attitudine), un po' di synth-pop. Ma soprattutto un po' di Trisol-sound, che tra gli altri promuove gruppi di culto come i Project Pitchfork e i Sopor Aeternus, qualcosa di raro di questi tempi in Italia. Tutto questo è Tying Tiffany, artista padovana dedita ad una musica riflessiva ed evocativa ma diretta nella ritmica e nelle intenzioni, vicina a certo electroclash ma non pienamente identificabile nella ristrettezza della definizione di un genere. Già attiva da qualche anno, ha collaborato con artisti elettronici di grande rilievo come Alec Empire, frontman degli Atari Teenage Riot, e non solo. Approfondendo la questione musicale, le influenze sono tante: da certo punk D.I.Y. all'elettronica synth-pop vicina nelle strutture ai Ladytron, e guardare indietro, fino a Chris & Cosey, passando per lievi incontri di lontana direzione post-industriale che, seppure non essendo poi così palesi, dimostrano interesse. Saltata alla ribalta internazionale, prima che nazionale, Tying Tiffany ha saputo conquistarsi con il tempo un posto nel circuito indipendente italiano nei confronti del quale si pone come una piacevole alternativa alle tendenze principali. L'opener, New colony, è un inno marziale e allo stesso tempo molto emotivo, perché è bene sottolineare come l'artista utilizzi una voce melodica sopra strutture spesso oscurate da un mood apocalittico, tra wave e industrial. E se la prima traccia è una speranzosa colonna sonora da Giudizio Universale in cui la speranza risiede nell'amore, altro tema percepibile lungo i brani, la successiva Dark day si sposta verso un sound posto a metà tra i Ladytron di Gravity the seducer e una ritmica electro-pop sempre caratterizzata dalla preponderanza di dolci tastiere e dalla voce di lei. Segue Drownin, singolo di lancio dell'album, uno dei brani più catchy nel quale i ritmi si avvicinano ad un punk leggero ed atmosferico, l'anthem del disco, gradevole. Sinistral ha una ritmica punk posta in secondo piano sulla quale svetta il mood atmosferico e il senso di perdita del controllo come recita il ritornello "I lost myself one time again". Dopo questo episodio più personale si torna su binari più legati all'electropunk con l'anthem She never dies, sul quale invece prevale la ritmica. Colpisce in generale la sensazione di non trovarsi di fronte ad un prodotto musicalmente perfetto definibile, in uno strano rapporto tra elettronica e punk che si presenta come formula visionaria sulla quale Tying Tiffany esibisce la propria dote melodica. Universe è più post-wave nel mood, a metà tra i The Cure e i Ladytron, e questo vale anche per la successiva Unleashed, che inizia con un beat seminascosto in 4/4 e che esplode su una tastiera acida old-school, e se 5 AM è un momento di riflessione in spoken-word sul quale si affaccia un sintetizzatore preso in prestito a certo harsh e inserito, come un Duchamp, in un contesto differente, Lepers of the sun riprende le redini di una ritmica rock 'n roll attraverso la prima ed unica collaborazione. White night, completamento di Dark day, si sviluppa attorno ad un'atmosfera eterea e sognante vicina al catalogo 4AD opportunamente riadattato a forma canzone dalla voce dell'artista, che ne regolarizza tempi e forme e conclude il lavoro in un'outro etereo-elettronica forse un po lunga ma accettabile, considerando che le tracce contenute nell'album sono molto dirette e, di conseguenza, sviluppano singole idee traccia per traccia. Tying Tiffany è un'artista matura che conosce la direzione del suo suono e che possiede la lucidità di mescolare perfettamente le ritmiche punk con le velleità electro-ambient e che, soprattutto, riesce a rendere il tutto ancora più etereo facendo leva sulla sua vocalità così vicina a certi Dead Can Dance e simili. L'electroclash qui non si pone lo scopo di spaccarci i timpani, anzi, sembra volerci trasmettere la speranza di chi ha pensato i brani, presentandoci le due facce della medaglia della vita, i Dark days e le White nights. Un lavoro interessante.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Trisol

Ephimera – Shhh (Recensione)

2012-02-07T12:00:00.000+01:00

Ephimera è un tarlo che rosicchia l’anima, Ephimera è l’urlo che ti sfonda i pensieri, Ephimera è la lussuria di un suono nero che ti mastica senza assaporarti. “Ephimera” è la nuova espressione sonica che arriva da Avellino, quattro musicisti a testa in giù, vocazionalmente dediti al riverbero dei grandi toni, stoner nel sangue e con un’aura “maledetta” che lingua e sbava per tutto lo scheletro della tracklist; il quartetto imbraccia la strumentazione come una sequenza di bombarde da fare esplodere in un attimo, secondo la loro volontà a destrutturare la minima quadratura d’esplicita dolcezza. “Shhh” è un album con gli attributi, come se ne sentono pochi in giro e che rimarca la grande riscossa amplificata che da Sud arriva per detonare nel resto d’Italia tutta l’urgenza di un disagio, mal di vivere di tutte quelle cose che entrano in simbiosi col nulla, che penetrano corpi che ballano senza freni inibitori musiche e nenie prodotte da intelligenze artificiali, cervelli imbevuti di bibende velenose e violenze psicologiche; cinque tracce, cinque diamanti ossessivi che tagliano e gestiscono un pugno di minuti con i controcazzi, disposti a disegnare una tregua armata di fredda dolcezza amara unicamente tra le spire trattate di “Fame” e le evoluzioni aperte dove i miraggi acidi di lontani Soon e Disciplinata vengono immortalati tra le note della stupenda “Neutrale espressione”. Il resto è un fenomenale tiro di basso pesante, ricamatorio, che in un certo senso detta legge alla struttura, che fa da architrave alle linee chitarristiche abrasive e Pumpkinsiane “Shh”, prese dalla loro foga di distruzione sistematica fino a spostare più in la i confini centrifugali della loro potenza di pensiero, abbordando con una storta maestà poetica gli stimoli stroboscopici di “Capitan spavento” per arrivare all’intreccio possente di “Chasseurs de vieux”, impeto e dolore dentro, estasi e tormento che battono come stantuffi di un cuore elefantiaco, come invocazioni deformate che tentano di resistere alle seduzioni di un malessere sussurrato e disanimato. Nervosissima e magnifica è la “cassa armonica” che il quartetto campano, Sara Iarrobino voce e chitarra/ Serena Petricelli chitarra/ Eleonora Balaceanu basso e Gianluca De Gisi batteria, innesca senza reticenze, rabbia e poesia in un amplesso completo e non protetto di psicotica bellezza. Shhh, ascoltatelo senza far rumore, perché a farlo ci pensano loro.

Voto: ◆◆◆◆◇
Autoproduzione

Bologna Violenta - Utopie e Piccole Soddisfazioni (Recensione)

2012-02-06T13:00:00.002+01:00

Dietro il progetto "Bologna Violenta" si cela la personalità artisticamente eclettica di Nicola Manzan. Fra le sue mani il violino, la chitarra e quant'altro, strumenti posti al servizio della comunicazione emotiva nelle forme dell'isteria, della devastazione e di un costante e immediato processo di confronto psicosomatico fra il prima, il dopo e il durante.
"Utopie e Piccole soddisfazioni" è un album hardcore, manifesto del bipolarismo sociopolitico che attraversa l'anima di questa Italia di Mezzo, uno screenshot interiore che rivela una tensione isterica, uno sconvolgimento totale dell'equilibrio attraverso la giustapposizione nervosa e fulminea fra i clichè dell'Italia bene, quell'Italietta provinciale e cattolica disegnata nei poliziotteschi anni '70 e lo sbando della contemporaneità, l'esplosione della crisi. Quella stessa Italia di cui si sente una nostalgia fugace è destinata a subire il devasto musicale della consapevolezza a pochi secondi dall'intro di ogni pezzo.
Un attacco isterico incessante determinato dall'esplosione di suoni digitali, drum- machines senza freno, violini distorti e snervati e momenti che richiamano il metal, l'hardcore digitale e il grindcore. Il tutto posto in contraddizione con strumenti classici la cui presenza pare volutamente canzonatoria.
La perla dell'album è una cover tutta personale di Valium Tavor Serenase dei CCCP che rappresenta un ennesimo momento di falsa lucidità destinata allo stravolgimento strumentale.
Fortissimi sono i richiami a band come Atari Teenage o Alec Empire. Lo stesso Manzan ammette di aver interrotto la sua educazione musicale da conservatorio con l'ascolto di Napalm Death quando, adolescente, esplose in lui il bisogno di comunicare il cuore oltre la tecnica.
Questo album è uno specchio interiore. Un ritratto fedele di una sindrome Borderline. Una forma di autismo nervoso che porta l'ascoltatore a sperimentare un gioco eterno fra istanti, secondi, brevissimi momenti di buon senso e lo scatenarsi di forme di nevrosi musicale devastanti. Manzan concede attimi di reflusso. Inframezza il suo lavoro con piccoli sipari di pace destinati a durare un lampo e poi costringe la coscienza a subire il frastuono del rumore. L'esperienza psicotica si conclude in un "Finale con rassegnazione", un trionfo classico di archi a ricalcare fedelmente l'espressione stessa dell'ascoltatore: uno sguardo sconsolato, profondo e consapevole sulla tempesta sociopolitica che attraversa l'italiano nel suo costante perdere terreno fra ciò che è stato e ciò che è, inchiodando gli occhi e il sistema nervoso alla confusione e alla verità.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Wallace Records / Dischi Bervisti

STRi - Canyon (Recensione)

2012-02-05T12:30:00.000+01:00

Gli STRi sono un duo pesarese di musica catalogabile a metà tra il post-rock e l'elettronica Big Beat anni '90, qui al loro primo lavoro. Lungo l'arco di otto brani, sebbene all'ascolto possano sembrare delle bozze da sviluppare ulteriormente, i due musicisti esibiscono un background che affonda pienamente le radici nella musica elettronica inglese di un certo tipo, ricalcando prepotentemente il modello degli Underworld, in particolare quello degli ultimi lavori. Infatti Oblivion with bells e, soprattutto, Barking, sono riferimenti obbligati utili a definire, seppure in misura molto più scarna degli originali, l'insieme delle sonorità proposte. Si comincia allora da brani come Coeur cache e LL, caratterizzati da una ritmica da ballo sormontata da un cantato post-rock e da una atmosfera vellutata vicina ad un sound più atmosferico, per poi sfociare in un episodio come Summerize, primo singolo estratto dall'album, leggermente più tirato, che dimostra più mordente e che allo stesso tempo mantiene una sonorità "estiva" come da titolo, questo è anche uno dei brani più vicini ai nuovi Underworld. Insomma, nulla di particolarmente entusiasmante, ma pur sempre una buona prova da parte di musicisti italiani. Le successive Conifere e Caldo spostano il baricentro verso un suono più ragionato e rallentato, più atmosferico e meno ballabile, più vicino a certo post-rock. Dopo un calo di tensione forse troppo lungo arriva Ranma, altro brano vicino a Karl Hyde. Ritmiche drum 'n bass sulle quali si erge il tappeto atmosferico e la voce sognante post-rock di chi punta all'espressione di stati d'animo piuttosto che ad un minimalismo ritmico o alla denuncia. Il duo riprende la strada della riflessione con la successiva Wimbo e con la breve e conclusiva Canyon, che dà il titolo all'album. Questi ultimi brani utilizzano una ritmica più tribaleggiante mantenendo quell'aura di base che punta sul ragionamento e sull'estremo controllo dei suoni. Se da un lato il duo marchigiano si dimostra capace di creare situazioni stilistiche di buon livello emulando i grandi maestri inglesi, tuttavia l'eccessivo controllo delle strutture e i momenti a tratti riempitivi li rendono noiosi e prevedibili, per quanto ineccepibili. Inoltre non giova il senso di incompletezza che si percepisce alla fine dell'ascolto delle tracce, vengono presentate delle buone idee, ma bisogna svilupparle dandogli un maggiore senso di compiutezza. Un disco tutto sommato piacevole ma che non fa gridare al miracolo.

Voto: ◆◆◆◇◇
Autoproduzione

Il disco è scaricabile da qui

Ringo Starr - Ringo 2012 (Recensione)

2012-02-04T12:00:00.002+01:00

In contemporanea con il nuovo cd di Paul McCartney, ecco la nuova mezz'ora di piacevole melodia pop-rock composta/rivisitata dal batterista dei Fab Four, Richard Parkin Starkey a.k.a. Ringo Starr. Avendo già ascoltato alcune tracce del collega Paul (da dire con una carriera solista anche molto più apprezzata), dal tono un pò melanconico in quanto excursus di tutte quelle canzoni del repertorio americano quando erano, entrambi, ancora in fasce, ero un pò dubbiosa verso questo "Ringo 2012".
Mi sbagliavo: nove tracce tributo alla città natale inglese Liverpool, dal ritmo incalzante, in parte remakes, come 'Wings' e 'Step Lightly', entrambi del cd pubblicato negli anni '70 Ringo the Fourth, in parte nuove ed in parte cover come 'Think it Over'.
Chitarra coinvolgente e batteria rock che strizza l'occhio al country, lasciano una bella carica al termine del cd che, se pur non sarà archiviato tra le pietre miliari del r'n'r', lascia passare quella giusta dose di divertimento che è pari solo a quella che prova Ringo suonando, dall'alto dei suoi 70 anni, ancora alla batteria e, novità di questo 2012, il pianoforte.
Filo di unione tra tutti i 17 cd della carriera solista di Ringo sono le ricche e prestigiose collaborazioni di cui si contorna, tanto da non privarsene nemmeno ora: un'esempio 'Slow Down' dove è presente lo stile e la melodia di Joe Walsh degli Eagles.
Per chi è stato o ha intenzione di passare per il "The Cavern" a Liverpool, pub dove lo storico quartetto suonava agli inizi della carriera, capirà che questo è un cd fatto e plasmato in base a quei suoni, della parte rock an roll più commerciale, con i quali Ringo scandisce i suoi anni da musicista e i suoi ricordi da cittadino inglese.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: HIP-O Records / UMe

Xiu Xiu - Always (Recensione)

2012-02-03T18:44:00.000+01:00

Ci sono diversi modi per rimanere chiusi da qualche parte, e diverse sono le sensazioni che una simile situazione può provocarci. C'è il fremito avvolgente degli amanti che, complice un giro di chiave nella serratura, si abbandonano al naufragio dolce delle proprie intime voglie. C'è il terrore claustrofobico di un ascensore bloccato: il segnale d'allarme non funziona, l'urlo si ripiega nella gola tentennando sulle corde incerte dell'imminente crisi di panico. C'è chi gioca, protetto dalle pareti ovattate della propria infanzia. Chi si nasconde nell'armadio per non essere trovato, dagli amichetti o da un mostro adulto. Nulla di tutto questo manca in “Always”, ultimo album degli Xiu Xiu. La band nasce nel 2000 e, fregandosene del sole californiano, esordisce dopo due anni con “Knife Play”, in cui l'abisso new wave incontra un electro-noise nevrotico da cui emerge, incontrastata, la complessa personalità di Jamie Stewart, cantante e strumentista nonché unico membro fisso del progetto. Da allora gli Xiu Xiu hanno prodotto otto album, di cui quattro bellissimi (“Knife play”, “Fabulous Muscles”, “A promise” e “The air force”), due Ep e una raccolta di remix e cover. Non si sono risparmiati collaborazioni importanti - tra tutti, il cantautore psych folk Devendra Banhart e i torinesi Larsen - né cambi di formazione. Ultimo, il doloroso distacco di Caralee McElroy, cugina di Jamie e ulteriore colonna portante del progetto, e l'ingresso nella band di Angela Seo alle tastiere, al Nintendo e alle percussioni. È con questo nuovo assetto che ci propongono la loro nona fatica, che porta alle estreme conseguenze una cifra caratteristica del loro percorso artistico: l'idea di una segregazione dell'anima, in cui le asfittiche e tormentate interiorità di Stewart trovino un rifugio di fortuna. Non c'è, in “Always” più che negli album precedenti, la volontà di una comunicazione esteriore: tutto è incentrato su una forma di profana clausura, che si manifesta nell'elettro-tango di “Chimney's afire”, la cui passione funesta risuona nelle percussioni che si affannano, incalzano e si dissolvono infine in un verso indistinto. O nell'ossessiva paranoia di “I love abortion”, una specie di stanza degli incubi in cui loop come lame non lasciano scampo, gli stessi che furono protagonisti di pezzi come “Ian Curtis' wishlist” e “Bishop CA”. Ancora, nella rassegnazione fluttuante della bellissima “The oldness”, voce, piano ed elementi di disturbo. Ma la dimensione preponderante, che amplifica e al tempo stesso edulcora i fantasmi, è quella del gioco. I videogames modificati di Angela Seo, figli di una linea d'azione che gli Xiu Xiu avevano intrapreso con “The air force”, sortiscono un duplice effetto, creando momenti di tensione e sciogliendo quella tensione nel medesimo istante, ricordandoci che si tratta, per l'appunto, di un divertissement. E noi siamo al sicuro, nella nostra cameretta. È ciò che accade con “Gul Mudin”, un attacco che sembra mutuato dalle inquietudini dei Goblin, ma la tensione si scioglie nella ricerca di soluzioni che fanno pensare più, per l'appunto, ad un esperimento ludico. Come se gli Xiu Xiu altro non fossero che bambini che gattonano sporchi su un pavimento antico e di inestimabile valore, graffiandolo con un atto sovversivo che solo all'infanzia è concesso e che pure è punito. E se Stewart e soci mettono in crisi le categorie con un progetto musicale che è post-ogni cosa, sarà pure possibile rintracciare alla base l'influenza dei Joy Division soprattutto in pezzi come “Born to suffer” e “Smear the queen”, filtrata attraverso la vicinanza dei Former Ghosts e rielaborata in modo intimo e personalissimo. Canzoni come “Honey Suckle” possono apparire più canoniche, fino a quando un rumore o un suono inatteso ci distolgono dall'idea che gli Xiu Xiu possano piegarsi ai mostri della prevedibilità, proprio perché la loro non è musica del pensiero ma dell'anima, sulla quale non possiamo attaccare volgari etichette. Quasi tutti i brani terminano all'improvviso o sfumano nell'inconcludenza, in un coito interrotto sonoro, come se ci fosse sempre qualcuno pronto a schiacciare il tasto “pause”, come se fossero tutti discorsi sospesi, irrisolti. Perché non esistono finali definitivi, ma solo piccole interruzioni. L'orgasmo in questo album non arriva mai, un crescendo di piacere e bellezza lega le ultime tre tracce (da “Factory girl" in poi) ma la conclusiva “Black drum machine” dilata suoni e silenzi in un'ipnosi che non ci concede l'agognata esplosione. E per questo si è costretti a ricominciare da capo, ascoltando “Always” ancora, ancora e ancora. L'ascoltatore è l'amante a cui Stewart, dalla sua camera segreta, impone l'in or out. Entra dentro e, in tal caso, non uscire. Ed è esattamente ciò che accade, con un album che, al di là di tutte queste mie sciocche ed emozionate parole, è sintetizzabile in un unico verso dei Tool.

Finding beauty in the dissonance.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Polyvinyl Record

Grimoon - Le Dèserteur (Recensione)

2012-02-03T07:00:00.000+01:00

Cambiare per non restare fissi, stravolgersi per fare uscire più onde creative. Questo devono essersi posti come scopo primario gli italo-francesi Grimoon prima di disegnare il cerchio musicale che stringe questo buon “Le Dèserteur”, un trentaquattro minuti d’impronte nuove sopra un percorso che va oltre lo spirito cinematico ed impressionista alla francese cui ci avevano svezzato con cura, ora – nel mezzo di questo nuovo lavoro - c’è di mezzo un oceano di risacche e rumors che risalgono fino al boschivo Nord-America, terra di sogni, echi e respiri immaginifici, odori di legno ed istantanee che sembrano uscire dalla tuba profonda di Arcade Fire come da sospensioni ariose che salgono in un lassù composto e gradevole. C’è gente che fa un disco solamente quando ne sente davvero la necessità, e questo è il “vizio” perfetto dal quale i Grimoon fanno di tutto per non toglierselo di dosso, seguitano a dare lezioni di poesia riuscendo a cambiare anche partenza e destinazione trasmettendo suoni e parole insostituibili per stare bene ascoltando musica, grandi musicisti underground galantuomini sopravvissuti ad un’epoca malata e con poca farina nelle sacche inventive; il disco vive dentro un’aria fine e salutare, d’altezze cronometriche di pregio, quel pathos Americano e sconfinato che si respira a quattro narici nelle vocalità miste, nell’ancoraggio di timbriche che vestono a festa lieve la tracklist intera e dentro l’occhio particolare di una visione aperta e concreta, fuori dei tatticismi eco-sensoriali o di tendenza spicciola. Pop, qualche allucinazione e un pizzico di folk accennato sono i sali basici che Le Deserteur spande lungo tutto il suo passaggio, fluido e balsamico che se da una parte può sembrare omaggiare i sodali Black Heart Procession tra le volte annuvolate di “Les dacmos du passac” , dall’altra è un tutt’uno con i grandi voli Parsifaliani maestosi “La montagne noire”, “Monument aux deserteurs”, sfruttando i caldi collanti armoniosi “Draw on my eyes” e gonfiando l’estasi di questo “passaggio Canadese” con lo spirito fitto di “Souvenirs”. Si, ora i Grimoon hanno l’anima più leggera e cantata, un modo di dire, un paragone che orecchie puntate sull’eccellenza non si faranno sfuggire di certo se si cercano belle cose da far girare nello stereo.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Macaco Records

Toxic coma - Satan rising (Recensione)

2012-02-02T18:15:00.001+01:00

Brian Erickson, originario statunitense di Denver in Colorado, personaggio chiave dell'electro-industrial statunitense, inizia negli anni '90 un percorso musicale ispirato da un lato dalla goa-trance di Juno Reactor, dall'altro dall'electro-industrial "di casa sua", in particolar modo quella scuola canadese capeggiata dai Front Line Assembly e dagli onnipresenti Skinny Puppy. Il ragazzo trova altri componenti per iniziare la sua avventura e brevetta sotto la sigla Velvet Acid Christ la sua formula di techno/electro-industrial, che successivamente abbandonerà e che, nel frattempo, di disco in disco, alternerà sotto VAC e sotto Toxic Coma, il suo side project dedicato alla sperimentazione. E in questa sede, con Satan Rising, Erickson realizza la sua prima produzione sotto Metropolis, dando un'aura di maggiore ufficialità al progetto. Già ad un primo ascolto vengono in mente due dischi epocali: Transmissions di Juno Reactor e Too dark park degli Skinny Puppy. Quello di Satan rising è un concept sul Dark side of the music, sulla necessità della presenza dell'oscurità, ciò che rende possibile il proliferare di tutto quello che appartiene alla notte: La generazione del ballo sfrenato nelle discoteche, l'abuso delle droghe, le perversioni "Darkness is vital to the light". E se questo è il mondo, Erickson lo apostrofa dando un titolo volutamente iperbolico al suo album e alle tracce contenute. Come sempre il musicista vuole scioccare la società americana ricorrendo ad una simbologia dissacrante, l'approccio statunitense alla musica industriale è molto differente da quello nord-europeo, molto più fisico e molto meno mistico. Erickson salta subito al punto: sua è la volontà di creare un disco molto ritmico, duro, sognante ma soprattutto alienante, e che possibilmente sia vagamente ballabile nelle dancefloor del settore, nonostante io creda che questo non sia il caso. Se Erickson ha voluto dare una impronta più commerciale al lavoro, egli ha fallito nella sua missione di vendere qualche copia in più, anzi ne venderà ancora meno. L'artista è un alienato sin dai tempi dei suoi dischi di debutto, e, nonostante abbia chiuso i ponti con la droga e sia approdato alla filosofia vegan, riesce a rendere, a differenza di molti dei suoi colleghi, ancora molto bene quell'atmosfera di "fuori di sè e dal mondo" che ci trasporta nei futuri distopici narrati da una musica senza testo ma prepotentemente infarcita di samples. Musicalmente si potrebbe riassumere il discorso descrivendo questa musica come ritmicamente a metà tra la goa-trance e il new beat ma soprattutto sampling-oriented. E' la pratica consacrata dagli Skinny Puppy di Nivek Ogre e portata all'eccesso, da Satanic pate a Cinnabons, già presente nel disco precedente sotto Toxic Coma, opportunamente rivisitata. L'atmosfera generale si pone a metà tra un'impronta irrisoria e allo stesso tempo techno-oriented. Tale è il disco e tale è il suo compito: un viaggio lisergico nei meandri della follia distopica. Non ci è dato sapere quanto Erickson sia tuttora coinvolto e vittima dei suoi folli sogni lontano (a suo dire) dagli abusi e dalle paranoie, resta il fatto che, qualora la sua sia emulazione di sè stesso, riesce ancora terribilmente bene ed è un disco consigliatissimo a chi vuole scoprire nuove dimensioni...per un po. Solo in cuffia.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Metropolis records

Thegiornalisti - Vol.1 (Recensione)

2012-02-02T12:05:00.005+01:00

"Siamo uomini non tanto per il fatto che si muore ma perchè usiamo le parole"

Basterebbe questo passaggio di "Autostrade Umane", sorta di pragmatico manifesto di una band che esordisce matura e sincera sull'altalenante e dispotica scia di certo indie-rock, per definire gli intenti e le attitudini alla musica dei Thegiornalisti. Il primo volume di questo quartetto, è testimonianza di una forte onestà intellettuale e di un songwriting agrodolce sospeso tra le proprie convinzioni sentimentali, debolezza e dolore del proprio io ("posso pure fare a meno di me ma non di lei") e la ricerca di una migrazione emotiva, di un luogo in cui essere felici lasciandosi alle spalle il passato ("Animali") . "Emozioni che entrano ed escono come pallottole nella pelle" ("Siamo tutti Marziani"), l'accidia e il tormento di tutti quei rapporti sregolati e slegati da raziocinio, vissuti in modo disperato e passionale, quel brancolare nel buio della propria anima verso quella luce in lontananza, l'anticamera del proprio cuore, il calore sul finire del proprio sentimento. Una poesia semplice ed empatica, priva di citazionismo o alcuna velleità letteraria, cronaca di vita, di rapporti e amori vissuti, perduti, forse mai riconquistati. Liriche scritte quasi come il resoconto di un reporter al lavoro, poste su un pop-rock mai becero o scontato. L'immaginario e le suggestioni sonore degli anni'60, restaurate su sonorità più o meno brit, sensazioni e chitarre a là The Strokes, smussate ruvidezze post-punk (l'opening "Siamo Tutti Marziani") e richiami più tipicamente garage ("E Meno Male"), ad emozionare fino in fondo grazie a struggenti ed amari sfoghi d'abbandono su pop inacidito -"Ed è inutile che mi asciughi le lacrime quando piango/Ed è inutile che mi abbracci solo per restarmi intorno...". ("Io Non Esisto"). Momenti acustici, soffocati da cavalcate spaghetti western ("La Mano Sinistra Del Diavolo") e pure fascinazioni Sanremesi ("Il Marinaio" con i suoi arrangiamenti quasi orchestrali e conclusione così squisitamente trascinante).

I Thegiornalisti hanno preso appunti sul loro taccuino e pubblicato l'articolo di una stagione intramontabile come quella dell'essere umano, dei suoi sentimenti e ricordi, di storie vissute e spente in un pianto silenzioso di muto grido contro sè stessi. Sinceri e deliziosamente semplici.

Voto: ◆◆◆◆◇

Label: Boombica

Mark Lanegan Band - Blues Funeral (Recensione)

2012-02-01T18:22:00.000+01:00

Sette come le meraviglie del mondo. Sette come i vizi capitali, o come i metalli impiegati nell'alchimia. Sette, come gli anni necessari a Mark Lanegan per regalarci un suo nuovo album.
Dal 2004 a dire il vero non ci aveva tenuti del tutto digiuni, confezionando tre interessanti prove discografiche con l'ex Belle and Sebastian Isobel Campbell, in un sodalizio accattivante, partito in sordina e consolidatosi durante il percorso. Da “Ballad of the broken seas” (2006), in cui la personalità di Lanegan appariva preponderante rispetto a quella della cantante scozzese, fino ad “Hawk” (2011) i progressi sono tanti: si passa dalla semplice giustapposizione di stili ad un melting pot di tendenze ben amalgamate, dal folk-blues al pop allo swing. E una volta arrivati all'apice di questa intesa, il cambio di rotta. Un album firmato Mark Lanegan band, il primo dopo “Bubblegum”. “Blues funeral” ha un titolo emblematico, che impone immediatamente una riflessione: davvero Lanegan è pronto a seppellire l'eredità di quei bluesman che sin dalla sua prima prova solista tingeva di nero il suo cantautorato? È probabile che ci sia da parte dell'ex Screaming Trees una qualche volontà di distacco, che a livello formale si configura, ad esempio, nell'assenza di quelle voci corali che in pezzi storici come “Wedding dress” si riallacciavano all'immaginario del canto nelle piantagioni. Nulla a che vedere dunque con le background voices di “Levithan”, che creano piuttosto un gioco di rimandi tra Lanegan e la sua solitudine. Le sonorità si aprono a soluzioni nuove, come l'uso molto ampio di synth e tastiere (soprattutto nella bellissima e sognante “Harborview hospital”) o l'elettronica vintage di “Ode to sad disco”. Verrebbe da pensare che sì, questo è effettivamente il funerale del blues, di quel blues tanto amato, vissuto, incarnato da un cantautore che, al pari di molti grandi, non ha posto alcuna distanza tra la sua vita e la sua musica. Ma, in una questione così delicata, non possiamo non tener conto delle parole di Chester Arthur Burnett, in arte Howlin’ Wolf, uno dei massimi rappresentanti del genere: “In molti chiedono cos'è il blues. Adesso ve lo spiego io. Quando hai cattivi pensieri, hai il blues, perché nel momento in cui hai cattivi pensieri stai pensando al blues.”
Ed è per questo che nel momento stesso in cui Lanegan teorizza con tristezza la fine di quello che è un genere e allo stesso tempo un modus vivendi, quella malinconia prende il sopravvento, e il risultato è il più blues degli album che la sua carriera solista abbia mai prodotto, perché più intimo e per questo maggiormente in grado di dialogare con le nostre emozioni. Epurato nella forma dall'influenza delle “canzoni dei campi”, ne conserva e ne amplifica la sostanza, seguendo un percorso più compatto rispetto a “Bubblegum” e al tempo stesso più ricco di sfumature, estremamente vivido e vivo. Pezzi dalla disarmante carica energetica si alternano a canzoni struggenti e mai scontate. Appartengono al primo gruppo l'iniziale “The gravedigger's song”, singolo che ha anticipato l'uscita dell'album. Una delle canzoni d'amore più belle che siano mai state scritte. E poi “Riot in my house” e “Quiver Syndrome”, echi stoner mutuati dal periodo della collaborazione con i Queens of the stone age. Nella seconda categoria, si attanagliano alle viscere più di ogni altra “Bleeding muddy water” ,“St Louis elegy” e “Deep black vanishing train”: la sensazione è quella di perdersi ed affondare in un elemento primordiale, liquido amniotico dell'anima, radice di ogni felicità, di ogni disagio. La voce – quella voce – che ti spoglia e ti costringe a prestare attenzione all'odore degli umori e di sudore lievemente acre. Che distilla lo spirito come fosse il migliore dei whiskey invecchiati. Invecchiato di sette anni, Lanegan non si smentisce, regalandoci un album che è insieme meraviglioso, vizioso, e alchemico.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: 4AD

99 Posse - Cattivi Guagliuni (Recensione)

2012-02-01T11:15:00.003+01:00

Cattivi Guaglioni esce il 25 ottobre 2011, prima su iTunes, sbancando agilmente, poi nei negozi.
Gli va dato atto che affronta il dibattito politico antagonista in maniera originale, fors'anche contraddittoria. La posse che ha condannato la pericolosità dei fuochi di roma, di quel 15 ottobre, riconosce pericolosa anche una pensione da 450 euro e che gridano vendetta le morti bianche. La tendenza a cedere alla retorica, unitamente, però, a qualche riuscito momento lirico e doverosi omaggi fanno pensare che i 99 Posse morti non sono, ma forse neanche troppo in salute. Autoreferenziali ma efficaci in Canto pe' dispietto, giusta l'analisi di Confusione totale, della guerra dei poveri contro i poveri, di oscuri poteri al sicuro. Se si apprezza la voce di Vittorio Arrigoni in Resto Umano, il pezzo migliore a nostro più modesto parere è Yes Weekend con la voce di Bersani che chiude, "tutte le critiche che volete, ma rispetto " non siamo qui a togliere i bordi ai toast, che diamine. Mancava un po' d'ironia al disco. In tutto ciò non è menzionata minimamente la questione musicale. E' difficile dir qualcosa, al di là di qualche buon momento hip hop e featuring sensati, alcuni pezzi ricordano inquietantemente le chitarre di jAx. Poi, fa male vedere Marxisti accanto a Caparezza.

Voto: ◆◆◇◇◇
Label: Artist First

May Day – Eppì (Recensione)

2012-01-31T12:30:00.002+01:00

C’è subito da apprezzare in questo “Eppì” della band italiota My Day lo scatto, la poliedricità e la profondità dei fendenti elettrici che si assumono in primis tutta la responsabilità di tener sveglio l’interesse di chi si trovasse davanti agli ampli stereo durante il loro “nervoso passaggio”; in bilico tra indie irsuto e rock intransigente, il trio sì da da fare adattando soluzioni amplificate, convincenti nell’aggressività, nell’impatto e nella botta di vita che le pedaliere, unite ad un’impellente necessità di “sputare fuori” un veleno vitale per il rock dei nostri giorni, procura. Cinque fucilate che attraversano lo stereo con la fumigazione della fretta espressiva, cinque sforbiciate che balzellano le vituperie dei Mistonocivo, certi Malfunk e Ovo incazzati e le ombre nere di lontani Movida che tanti palcoscenici hanno arroventato su e giù per lo stivale, un insieme di forza e poesia malata che spaccano e ricuciono alla bell’e meglio ferite e spasmi desertici, stoner “Si Signore”; sicuramente una formazione sonica sopra la media, mai un blackout od una falla tra le trame della tracklist, un flusso amperico che mette soggezione, fa arrotare i denti a chi nel rock cerca dolcezza acuminata e intransigenza sparata a mille nello stesso momento. Bella la commistione “combact” alla Clash “Supermario”, il grunge mammouth che bastona “Vedo doppio”, l’epilettico viatico mid-punk che fa fibrillare la stesura completa di “Vecchio” e gli anni novanta che sferragliano tutta la loro maestà prepotente vitalità innocente tra le costole di “Intro” e bella anche la complicità stilistica che i May Day introducono – come un’iniezione d’anfetamina industriale – nel mezzo di una direzione precisa, dritta e autentica, quel fantastico sabotare consunte linee guida del solito bailamme elettrico nelle quali la band intelligentemente non si riconosce. Eppì, questo cinque tracce veloce come un fulmine non è la solita meteora che illumina, fa scia e scompare lasciando solo l’innocuo risentimento per un tempo sonoro risicato, ma una cometa energetica che arriva a manetta per creare stupore vero e per saziare la fame di buon rock, che arriva non solo per fare pulizia da ipocrisie, ma per dar fuoco ai “falsi comandamenti” delle tantissime falangi brit-pop inconcludenti che ammorbano intorno. My Day, My Day, si avvistano serie perturbazioni in arrivo.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Autoproduzione

The Maccabees - Given to the wild (Recensione)

2012-01-30T18:50:00.002+01:00

Si sono guadagnati l'epiteto di "salvatori dell'Indie-Rock inglese" con i loro precedenti lavori, "Colour it in" (2007) e "Wall of arms" (2009), creando i presupposti per l'onda perfetta.
Il singolo rilasciato il 15 novembre 2011, "Pelican", è in puro stile Indie-Rock, ma si trattava solo di pastura: quando vai a pesca di tonni per pasturare butti delle sarde in mare, così i grandi pesci abboccano all'inganno, loro hanno optato per un pellicano, animale oltremodo più fine.
Il singolo è un bel brano, perfetta hit radio, in sintonia con ciò che di buono hanno fatto in passato, ma l'immagine è a solo scopo illustrativo, e più scavi nel disco e più "Pelican" appare come una nostalgica epifania alla Dubliners.

"Sarà un disco qualitativamente simile ad una colonna sonora". Orlando Weeks, voce e chitarra del gruppo inglese. Si scopre che alla produzione c'è di mezzo Bruno Ellingham (Massive Attack e LCD Soundsystem), e l'affermazione di Weeks inizia a prendere forma.
L'intro di "Given To The Wild", che porta il nome del disco, spinge l'ascoltatore verso la dimensione onirica, sulle soglie del sogno lucido, poi parte "Child", vicina ai Foals, che ben racchiude, a differenza del singolo "Pelican" tanto citato, l'essenza del disco, ossia: un suono denso e soffuso che abbraccia quasi ogni traccia, che funge da trampolino di lancio per picchi di intensità notevoli ( "Ayla", "Grew Up At Midnight" e "Went Away" ).
Si prestano bene anche i fiati, facendo la loro comparsa in alcuni crescendi qua e là. In questa evoluzione stilistica si tira fuori dall'armadio il mood sintetico in cui trova spazio anche un filo di elettronica ("Go"). Nel suo insieme, "Given to the wild" rappresenta un ricercato lavoro, mirato ad un'evoluzione dal sound che li aveva caratterizzati fin dall'esordio, sul quale avrebbero potuto speculare per ancora qualche anno buono, e il risultato sono atmosfere e suoni capaci fin da subito di farsi intime e personali ("Slowly One" e "Forever I've Known").

Premetto che la locuzione "nel suo insieme" tende solitamente a sminuire la portanza dell'oggetto in questione, e in questo caso non fa eccezione. Qualche chiacchierata con Chris Martin deve esserci scappata (vedi "Heave"), e come controprova anche l'etichetta genere di iTunes è passata da Indie-Rock per i brani dei precedenti due dischi, ad un più cautelativo Indie-Pop, definizione che si presta discretamente bene per descrivere in che genere collocare, o accostare, quest'ultima fatica del quintetto di londra.
In conclusione, abboccato alla pastura pellicano ed affascinato dall'intro, i presupposti per uscirne entusiasti da questa maratona di 50 minuti c'erano tutti, però queste tredici tracce - facendo un parallelo sportivo - suonano come una discreta squadra con qualche talento ed una buona coesione, ma ci vuole tempo per sviluppare un gran gioco. Il cambio di rotta è iniziato, si dice che ad andar piano si vada più lontano, e le premesse possono anche starci, ma per ora del presupposto onirico paventato nell'intro, resta ben poco.

Una piacevole colonna sonora per guardare dietro un vetro, traffico e passanti, muoversi sotto una pioggia leggera, il più delle volte, in slow-motion.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Fiction

Walking the Cow – Monster are easy to draw (Recensione)

2012-01-30T12:00:00.001+01:00

La giovane Label White Birch Records con questo primo lavoro discografico “Monster are easy to draw” dei fiorentini Walking the Cow potrebbe diventare un albergo di lusso, un bel refugium a cinque stelle per tutti gli straniamenti eccentrici, magari anche rei e peccatori, di cose musicali straordinarie che nell’underground che ci circonda sgomitano per un posto al sole; questi fieri cosmogonici musicisti inseguono bizzarre, allucinate direttrici e visioni pop rock che continuamente fanno capriole di tutto rispetto in abluzioni folk, pulviscoli alt-South e lisergie cantautorati, un inseguimento ora tattile ora inafferrabile che percorre tutta la tracklist come una febbre birichina, innocente che arriva a fare tenerezza.
I WTC disegnano un bel disco spaiato, fuori schema e bolla, costantemente sulla scia “lunaire” paradossale che tanto ci cattura e ci fa girare la testa perché all’ascolto il salto di qualità – rispetto a tantissime altre proposte - è netto al punto di disorientare anche i grandi caproni della critica barbina, di quelli che godono maciullare carne fresca sulle astanterie asettiche del falso bon ton di note; la voce di Michelle Davis che guida alternando un “vissuto timbrico” paragonabile alle starlett dell’R&B a sofficismi dream-pop l’ottimo caracollare dell’album non fa altro che alzare le quotazioni di tutto dentro un perfetto zig zagare tra liquidità tween “River P.”, nella circonferenza languida e beat “Movin’ things”, dietro l’angolo della provincia Americana della Osbourne fluttuante “Jesus (buy some porn)” o nelle chicche folk-ancient che circondano “Barry”.
Tracce che hanno la bellezza di parlare direttamente all’immaginazione, senza usare sfacciataggine o grossolanità, dirette moltiplicatrici di sogni e listening come l’odore di mais e watermelon succosissimi che si captano tra il banjo nella dolcissima atmosfera field “Nightknoking” e più in la nello spampazzante indie-rock che in “Grandchildren are weired” esplode come quelle scatole col jolly a molle che viene fuori e batte quattro tra malinconie e sangue caldo
Senza ombra di dubbio, un “felice acquisto” questi toscanacci sonici, che in quattro e quattr’otto tirano fuori un disco in cui voi all’ascolto potreste trovare – e le troverete – meraviglie sottosopra che al terzo o quarto giro di giostra vi farà divorare con piacere anche la plastica di cui è fatto.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: White Birch Records

Cloud Nothings - Attack On Memory (Recensione)

2012-01-28T15:15:00.000+01:00

Siamo nel 2012 eppure sembra il 1994. Almeno a giudicare dall’ascolto del secondo disco dei "nerd" per eccellenza Cloud Nothings. Melodie semplici, attacchi isterici e vagonate di malessere esistenziale sparate a velocità sostenuta, quanto basta per creare un disco che ha (e avrebbe avuto) tutte le carte in regola per essere annoverato tra gli esempi più lineari del rock indi(e)pendente di matrice americana ai tempi d’oro. In cabina di regia c’è un uomo occhialuto dal ciuffo strano che risponde al nome di Steve Albini. In giro dicono che come riesce lui a far suonare potenti e secchi gli strumenti, nessuno mai. Ha un tocco tutto suo, e lo infonde in ogni disco che produce. No, non stiamo parlando di In Utero, ma le affinità temporali e stilistiche sono presenti e pesanti, ed una manciata di canzoni che oscillano fra nenie tormentate (l’iniziale “No Future/No Past” corredata di angosciante video in calce) e rantoli ossessivi (“No Sentiment”) ne sono tributi dai confini labili del plagio. Non solo Nirvana, ma i Cloud Nothings fanno parte di quella schiera di band lo-fi (No Age, l’ultimo Wavves, e chi più ne ha più ne metta) che pescano a mani basse dai tempi in cui l’indie-rock era fiorente e soprattutto ancora detentore del proprio significato semantico. Senza girarci tanto intorno, “Attack On Memory” è un disco nostalgico, fatto da nostalgici per nostalgici, con cui Simon Reynolds potrebbe crogiolarsi alla grande. Si perché tutto, a partire dalla copertina fino al produttore, si rifà ad una tradizione tanto vecchia (sembra ieri, ma gli anni ‘80/’90 erano più di vent’anni fa) quanto fedele all’originale, quasi si trattasse di un recupero filologico. Se tra recto e verso di “Attack On Memory” cercate qualche nuovo afflato, vi state sbagliando di grosso. Nulla è più fedele e (ri)calcato dell’angst secca e potente a metà strada tra Husker Du e Pixies, di batterie prepotenti e veloci che rincorrono chitarre secche ed una voce a metà strada tra la noia e la depressione (o forse è meglio definirla apatia). Al di là di rimandi e giochini pedanti da storiografi rock da strapazzo, “Attack On Memory” rimane comunque un disco onesto, che riesce a tira fuori vortici (auto)distruttivi (la lunga cavalcata sonica “Attack On Memory”) o scorribande nostalgiche (ops, l’ho fatto di nuovo) dall’innegabile piglio trascinante (la finale “Cut You” coperta da una sottile rugiada wave). Come cantava il buon Pezzali, “Attack On Memory” è il “ricordo che mi bussa”, e se volete aprire non abbiate timore di gettarvi nella “Retromania” deliziosa di questo disco. Tanto la vita rimarrà comunque la noia di sempre.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Carpark

Kutin – Ivory (Recensione)

2012-01-28T10:35:00.000+01:00

Da non credere, per smorzare di non poco l’arroventato ascolto quotidiano di tanto rock et simila, speravamo in qualcosa di sonoro che potesse favorire, che so, magari con un atmosferico ipnotico, quel momentaneo fabbisogno atroce di pace sensoriale e vibrazioni anestetizzanti; non è dato sapere quale sia il Santo intercessore, ma detto fatto, tutto si è avverato con l’arrivo di “Ivory” del musicista viennese Kutin , che attraverso il fluido placentare, l’amniotico sogno opaco che gravita dentro il suo album, ha costruito straordinari abissi sonori dove far immergere l’ascoltatore.
L’artista austriaco, sperimentatore di bollori, gorgoglii, flussi meccanici di profondità sonore e stati d’incoscienza programmata. pare voler instaurare un dialogo a distanza con le memorie del tempo attraverso dieci tracce che trasmettono rumors ed effetti galattici, submarini e astrali, propedeutici, immaginari e virtuali canti di balene in amore che cedono, nel raggio d’azione della tracklist, spore ed elementi vitali d’estatico stordimento; una continua tensione emotiva di field recordings e leggiadri drone cadenzati fanno da trainspotting tra realtà e subliminazione uditiva che certe paratie della psichedelia drogata ancora ne devono veder passare. Un registrato che si muove con aure notturne e del colore blu del ghiaccio, silenzi e viatici che inseguono con passo felino le asimmetrie di Dan Froberg, i sintetizzatori analogici degli Isan, i pianoforti accennati di Nono e l’ambient stellare che costituisce companatico per le ricette ambient di Oneohtrix Point Never compresi tutti gli altri cataloghi fumosi della Nija Tune; Kutin respira oltremodo quell’aria del Nord frosting che band come Sigur Ros, Labradford immettono nel circuito lamellare della ionosfera da tempo, ma qui appunto è la differenza tra il loro mainstream e questa propulsione schietta, e cioè a far sì che la visione “d’orecchio” prenda la gestione totale delle idee allo stato puro e non per mero calcolo “discografico”.
Detto questo il viaggio diventa tattile, liquido nelle sue lunghezze d’onda “White desert”, romanticato di sfioramenti chitarristici “After the plague”, pregno di echi ancestrali e vagamente asiatici “Storb”, riverberi, crepitii lunari, forze centripete che, nei dodici minuti e trentaquattro secondi della suite “Lonesome monster”, tagliano direttamente il collegamento con la gravità terrestre fino a che, all’improvviso, un temporale divino ti strappa dal sogno e ti riporta a terra, stropicciato.
Con la mente non ancora perfettamente in bolla dopo questo allucinato benessere uditivo, quello che ti viene in mente è Verne, Lynch, un morso ad un Peyote trafugato da un LdL e una botta di LSD legale che Kutin - questo nuovo “corriere cosmico” – spaccia alla luce della notte, tra un “ pensiero stupendo” e un sonoro vaffa minimalista ai damerini del “no-Age”
Ascoltatelo bene, ma non prima di aver detto bye-bye alla normalità.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Valeot Records

&amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://valeotrecords.bandcamp.com/album/ivory"&amp;amp;amp;amp;gt;ivory by kutin&amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;gt;

Dntel - Dustmite (Recensione)

2012-01-27T13:10:00.000+01:00

Non avevo mai sentito parlare prima della figura di James Scott Tamborrello, mi ero perso un nome importante. Il primo approccio con questo personaggio appartenente alla categoria degli "architetti del suono post y2k" è stato direttamente quello musicale, e soltanto dopo ho provato a ricercare informazioni scoprendo che si tratta di un musicista, o per meglio dire alchimista, abbastanza noto nel circuito della musica "elettronica intelligente". Veniamo alla musica: quello propostoci da Dntel è un viaggio nella ricerca sonora degli ultimi dieci anni e più, ciascun pezzo affronta una problematica differente, tuttavia tutte condividono lo stesso filo logico. Il problema principale sviluppato da Tamborrello consiste nel chiedersi quali siano state le diramazioni più importanti della musica elettronica e, potenzialmente, quale sia il suo futuro, anche se il suo lavoro, pur nella sua intermittente genialità (e quando non è geniale è buon contenuto) non crea nulla di nuovo nè cerca l'invenzione, non è il suo scopo. Musicalmente parlando ogni brano è un capitolo. Nell'opener Colossal youth l'alchimista traccia una struttura fortemente crossover in cui i riff di chitarre, l'atmosfera chimica e sognante allo stesso tempo e sprazzi di chiptune riassumono quel percorso cominciato con la nascita della Warp, storica etichetta IDM, come filo conduttore e trasformatore di quel sound inglese degli anni '90 noto come Big Beat. La gioventù descritta da Tamborrello tuttavia denota il problema principale. La musica elettronica e in particolar modo l'IDM sono il simbolo di una rottura con il tempo e con lo spazio, una musica per il cyberspazio, per la postmodernità e oltre, perchè qui si perde il senso classico di logica ritmico-sonora. Tuttavia egli non ci offre spinti per uscire da questa crisi. Dustmites, title-track, nasce da una idea molto semplice ma viene sviluppata in modo molto "intelligente". C'è una ritmica che ricorda Dirk Ivens sotto la veste di Dive, il tutto reso in senso più freddo e chimico, e la posizione di un input, nel suo cambiamento, modella, trasforma e ritrasforma continuamente il senso del brano. Questo è un tappeto chimico per la generazione del post-summer of love, è una bozza di rhytmic noise, seppure in chiave minore e più leggera. Un ritmo ricco di marzialità accompagna anche la successiva The longest last, che sembra sempre ricollegarsi alla traccia precedente, sebbene qui l'uso della drum machine faccia finalmente capolino. Stavolta Dntel ci vuole offrire una lezione sulle mosse e le contromosse di una drum 'n bass isterica, veloce e incalzante, sempre più legata ai lidi post-Big Beat. Heart in bed smorza i toni e ci consegna un musicista più riflessivo e atmosferico, una parentesi di riposo. E' il passaggio della tempesta. Everyday prosegue verso questa direzione a partire dalla presentazione di un moto oscillante che guida l'ascoltatore verso un'atmosfera fredda e asettica in puro stile IDM ma molto lontano dal genere in sè stesso. Un breve dialogo irrompe, allo stesso modo di come avveniva nell'opener, ma non ha particolari messaggi, è una riflessione sospesa tra mondo chimico e mondo onirico, tra identità e alterità, realtà e virtualità. E' un'elettronica particolare, quella di Dntel. Ci fa ricordare il passato di chi ha vissuto la generazione della Voodoo people e allo stesso tempo ci proietta verso un futuro incerto. Cosa ci salverà? Come dicevano i Brooklyn Bounce, in fondo abbiamo soltanto bisogno di tre cose. The bass, the beats, and the melody.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Not on label

Allan Glass - Guzznag Ep (Recensione)

2012-01-26T15:00:00.002+01:00

Guzznag è la seconda prova del duo piemontese Allan Glass. Figli dell'etica DIY, Marco Matti (voce, chitarra, synth) e Jacopo Viale (drum, drum machine, synth) sembrano dar sfogo in queste cinque tracce ad ogni recondito istinto tenuto a freno fin troppo. Un percorso lucido e allucinato allo stesso tempo, una nebulosa di stratificazioni sonore, l'incontro tra passato e presente, analogico e digitale, il calore delle valvole dell'ampli, suoni che si fondono come colori su una tela nel crearne altri. Distorsioni, psichedelia, prog ed elettronica minimale, gli ingredienti base per un Ep che, ascoltato in modo superficiale, potrebbe trarre in inganno, apparendo forse inconcludente se non mero acerbo esercizio di stile. Invece i due hanno le idee molto chiare sulla propria proposta musicale nella continua disgregazione della forma canzone in un flusso di coscienza onirico e multiforme. Ci sono le sensazioni e le scintille chitarristiche proto shoegaze a là Dinosaur Jr, i quali sarebbero da citare anche per il modo in cui vengono sezionati i brani, quella sorta di "coitus interruptus" scuola "You're Living All Over Me". C'è la ricerca testuale un pò approssimativa, un po' surreale, in bilico tra la mancanza contenutistica e la suggestione su libera interpretazione, a cui ci hanno abituato i Verdena, ai quali, si è debitori anche per determinati passaggi del lunghissimo post-rock di "5 Giorni Bugiardi" (piena ottica Requiem). La voce è una controparte adagiata sullo sfondo, mixata bassissima, sottomessa agli strumenti, ai quali si avvinghia nelle vorticanti evoluzioni atmosferiche. A far da padrone gli affondi lisergici, in bilico tra prog più o meno marcato ("Satellite Tra Le Dune", "A cena con Woland") o spinti all'interno di anticamere weird folk ("Marty's Swallow"). Non mancano episodi più diretti e trascinanti (la Cosmetichiana "Il Sergente") in un lavoro che, nonostante i richiami appena resi noti, appare interessante e dotato senz'ombra di dubbio di una sua certa personalità.

In definitiva si potrebbe dire che i margini di miglioramento sono molti e questo folletto malvagio, il Guzznag, è dimostrazione di idee, seppur ottime, non legate da un filo conduttore uniforme. Sarebbe molto interessante vedere una maturazione che porti gli Allan Glass a sviluppare le proprie attitudini sperimentali in episodi più coesi e meno persi in un libertinaggio sonoro che sembra, almeno per il momento, limitarne le potenzialità.

Leggi qui l'intervista agli Allan Glass

Voto: ◆◆◆◇◇

Label: The Toilet Smokers Club Records

The Evens - 2 Songs (Recensione)

2012-01-26T10:05:00.000+01:00

Le esperienze culinarie, a volte estreme, del periodo festivo mi hanno sempre regalato quella piacevole sensazione di spaesamento, torpore e sonnolenza placabile solamente con una sana pennichella post-pranzo. Qualche giorno fa, per agevolare ulteriormente la caduta tra le braccia di Morfeo, ho deciso che la mia colonna sonora sarebbe stata "2 Songs", nuovo EP degli Evens uscito per Dischord a fine novembre.

Dopo 6 anni passati tra ciucci e pannoloni, i coniugi MacKaye (il paladino del DIY Ian e la consorte Amy Farina, già sorella dell'anima dei Karate, Geoff) decidono di abbandonare gli strumenti neonatali per tornare ad imbracciare chitarra e batteria. Risultato: sei minuti e mezzo di tranquilla incisività post-punk, un'ulteriore conferma del popolare "squadra che vince non si cambia". Lo schema, infatti, è rimasto lo stesso degli esordi (The Evens, 2005 e Get Evens, 2006): Amy Farina dietro le pelli, MacKaye alla chitarra baritona, strumento che gli permette di coprire con facilità un'ampiezza tonale tale da non sentire la mancanza nè del basso nè della chitarra, e le immancabili doppie voci, a volte in simbiosi perfetta a volte in un altrettanto perfetta alternanza, modello che ricorda l'impianto vocale dei (compianti?) Fugazi.

Warble Factor, prima metà del disco, si presenta come un andante dominato in toto dalla voce femminile e interrotto, nel mezzo, da uno stacco brusco e quadrato che introduce al ritornello in cui compare un timido MacKaye a fare da tappeto vocale. Lo stesso Ian sarà invece protagonista del secondo pezzo (Timothy Wright) nel quale, avvolto da un'aurea pacifica e dilatata, decanterà la storia di un pianista di Brooklyn, Timothy Wright appunto, scomparso nel 2009 in seguito alle conseguenze di un tragico incidente. L'intenso crescendo finale a due voci mi risveglia parzialmente dalla pennichella e, nella semi-incoscienza del dormiveglia, immagino che in sala da pranzo, attorniati da panettoni DIY e polpettoni vegan, ci siano mamma Amy e papà Ian intenti a discutere pacificamente sull'uscita del nuovo full-length e su chi laverà la montagna di piatti e stoviglie. Con umiltà, lo zio Geoff, raggiunge il lavandino.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Dischord Records

Fine Before You Came - Ormai (Recensione)

2012-01-25T15:15:00.004+01:00

Se qualcuno vi chiedesse con fare accusatorio dove eravate e cosa stavate facendo la sera di domenica 22 gennaio 2012 voi cosa rispondereste? Non serve spremersi le meningi più di tanto perchè probabilmente eravamo tutti incollati davanti ad uno schermo a prendere atto del ritorno improvviso dei Fine Before You Came mentre si osservavano foto di navi affondate, video di falsi profeti e risultati di un'anonima domenica sportiva. Ormai è qui, in frì daunlò, registrato, missato e pubblicato nel giro di un mese: dicasi urgenza, dicasi vavavuma, dicasi ciò che si vuole.

Ormai lo sanno anche i sassi e i pipistrelli.

I Fine Before You Came si sono lasciati la sfortuna alle spalle, con essa i toni apocalittici, quello sfogo iperattivo, la rabbia contro sè stessi, artefici del proprio destino, dei propri insuccessi. Qui oggi rimangono, come alla fine di una tempesta, solo i sentori, le macerie del giorno dopo, arrendevolezza e non più frustrazione. I FBYC sono unici e riconoscibili dal primo secondo d'ascolto: la tristezza post-rock degli Slint, l'immediatezza dell'hardcore, il sentimento dell'emo e le urla dello screamo. Il sound di Ormai appare molto più pettinato rispetto alle prove precedenti, forse anche merito di Maurizio Borgna (alle manopole) e Francesco Burro Donadello (mastering a Berlino), le urla di Jacopo sono smorzate da quella sorta di temperamento razionale che caratterizza anche la scrittura, più diretta e feroce nel suo contatto emozionale. "In tutti questi anni abbiamo detto così tante cose / ne abbiam fatte così poche / programmato mille viaggi e poi rimasti sempre a casa..." ("Dublino") Ormai parla di esitazioni, di dilemmi, matasse che non si riescono più a sbrogliare, soluzioni a problemi che non sembrano più esistere (come le canzoni tristi quando fuori piove / come i pugni chiusi in tasca sui binari vuoti / se avrò forza a sufficienza mi vedrete invecchiare / e scoprire un pò alla volta che non basta il tempo e non basta il fiato..." Sasso") Ormai è come se le cose fossero andate in un determinato modo, con noi bambini troppo cresciuti che ci guardiamo alle spalle malinconici, tristi per ciò che siamo diventati e invece saremmo voluti essere -"vorrei che il magone fosse un grande mago che ti strappi un sorriso / perchè credimi, con quella faccia mi sembri un randagio"("Magone" e qui si sentono forse un po' i Crash of Rhinos) Non c'è spazio per sorrisi aperti, solo quelli di circostanza che ti solcano il viso triste, non si porta rancore solo un grande senso d' impotenza misto a realismo una volta giunti di fronte alla realtà dei fatti. Ormai è accettazione e insieme sofferenza, è oscurità ("Per Non Essere Pipistrelli") e luce di un mattino con poche ore di sonno alle spalle, i saluti del mondo circostante, quel giorno normale d'inizio autunno ("tutti quanti i bambini mi hanno sorriso stamani / tutti a parte te..." Capire Settembre)

I rapporti Ormai andati, continuare a sentirsi, cozzando l'uno contro l'altra, strattonarsi il cuore a vicenda, scaldarsi con parole e gesti "ma raccontare e perdonarsi a volte è imperdonabile ("Paese") e ci si lascia andare, giungendo al meglio per sè e chi si ama -io non me ne andrei / se non fosse che è arrivato il tempo in cui il tempo non c'è più / ormai il tempo non c'è più. ("La Domenica c'è Il Mercato").

Ormai è il seguito di Sfortuna nonchè la naturale evoluzione del messaggio lanciato dai FBYC con quello che è considerato uno degli album più empatici ed intensi degli ultimi anni. Ormai è un album che trascende il significato di bello o brutto, è come un codice aperto e decifrabile solo a coloro dotati di una certa sensibilità.

I Fine Before You Came sono e sempre saranno Jacopo, Marco, Filippo, Mauro, Marco, loro cinque e nessun altro, quasi impossibile parlare di progetto o di band, ma di amici, persone unite da un sentimento e un legame duraturo. Sfido oggi a trovare qualcosa di simile nel nostro paese.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Triste/La Tempesta Dischi

&amp;amp;amp;lt;a href="http://fbyc.bandcamp.com/album/ormai"&amp;amp;amp;gt;Ormai by Fine Before You Came&amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;gt;

Zocaffè - Il piglio giusto (Recensione)

2012-01-25T10:00:00.000+01:00

Probabilmente qualche anno addietro avremmo usato la definizione “indie-tronics” per identificare a millimetro le belle e sgargianti “scatterie” contenute in “Il piglio giusto” opera prima della band toscana Zocaffe, ed ora, nonostante quelle ottime pagine sonore facciano parte del passato, rimangono progetti e buone cose proprio come queste dei nostri toscani, un disco e nove territori declinati ed oscillanti tra juke-box, anni cinquanta col ciuffo, shouter senza tempo e tante hit-wonder con le molle, pronte ad impossessarsi d’antenne FM e playlist fatte in casa. Un debutto che non si sente ostaggio delle infinite forme nostalgiche sul precipizio del kitsch, ma una vera evasione sonica sfavillante che contrassegna una capacità induttiva entusiastica e “altra” in uno spazio di riverbero ineffabile, fichissimo; frastuoni di suoni, rumori concreti ed un mash-up di psichedelia funk alla Family Stone “E’ solo sesso”, o il walzerino di rimbalzo anni sessanta “Se…” in trasformazione continua, che sembra di stare in uno di quei fool-corner inglesi dove ognuno tira fuori la sua arte e la mette in gioco, pescando tra ere, verve, ironie sincronizzate e poesia strampalata, che è poi quella più vera e sincera che ci sia e via con lo spettacolo. Sfarzo rockabilly “Che giornata”, le sfighe di “Jack” in uno stupendo parallelismo con l’Hit The Road Jack di Mayfield e grotes di successo di Ray Charles, il languido liquido su cui scivola la beguine di “Dammi un minuto” , il caos filo-punkyes “Sognando vaticano” o la scia beat che lascia “Senza te”, quattro minuti e quattro secondi di profumi sixsteen che chiudono in bellezza questo “tesoretto” underground e che fanno scoprire oltremodo chi siano questi Zocaffe, insospettabili “bestie da palcoscenico” che riescono a rimettere sopra il silenzio rumoroso di proposte senza senso, il valore sonoro di cose preziose ed – veramente – introvabili, in una continua ricerca di stravaganza dell’essenziale. Ciak si suona col piglio giusto, buona la prima!

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Phonarchia Rec

Modotti - Migranti (Recensione)

2012-01-24T10:10:00.001+01:00

Modotti, omaggio all'attrice e fotografa friulana Tina. Un power trio ferrarese giunto al secondo atto con Migranti, una convincente miscela di post-math rock e hardcore, quasi come a veder sfilare tutte insieme nel lettore band come Unwound, Shellac, Slint e Bastro, coniugate all'italico idioma e sotto forma di una passione travolgente per le sonorità proposte. Chitarre affilate come rasoi e un comparto ritmico nervoso sono la giusta base sulla quale i Modotti costruiscono le fondamenta per tematiche come incomunicabilità, rabbia, paura e amore. Una grande perizia tecnica che si sviluppa in otto episodi di forte impatto, avvincenti e diretti come un pugno allo stomaco. Dalla partenza post-core di "Stazione Termini", nell'attesa di una rivoluzione ("in queste strade sconvolte dal caos/Siamo qui per dirti/Stiamo partendo verso un mondo diverso/Da questa stazione...), ai strumentali risvolti jazzati su geometrie di "Ray", si accoglie timidamente la malinconia di "T(E)ss", (richiesta di salvezza di un amore oltre i propri limiti), e si scuote la testa sulle impennate abrasive di "Glossolalia". A dar man forte arrivano a puntino le dissonanze instrumental di "J. Curcas", i vuoti esistenziali, le teorie scientifiche e gli elementi naturali di "Boyle" e la coralità sul finale della bordata punk "Migranti" ("Migrazioni Contaminazioni/Case lasciate/Persone abbandonate/Chi si muove e chi sta fermo")

Migranti nasce grazie ad Upupa produzioni e Fooltribe ed è stato registrato da Giorgio Borgatti (Three in One Gentleman Suit) all’ Igloo Audio Factory, di Enrico Baraldi (Ornaments) e Andrea Sologni (Gazebo Penguins), credits degni di nota per un album altrettanto interessante.

I Modotti al secondo giro centrano appieno il bersaglio con un disco che, nel riesumare sensazioni del passato, riesce a ripresentarle con una vena sincera e passionale. Una nota di merito va anche al bellissimo packaging a cui a quanto pare sono soliti abituarci (il precedente "Le Sens du Combat" era fatto di una particolare busta gialla). Musica assassina in perfetto equilibrio tra mente e cuore.

Voto: ◆◆◆◆◇

Label: Upupa produzioni/Fooltribe

Diaframma – Niente di serio (Recensione)

2012-01-23T15:00:00.000+01:00

Chiudete gli occhi e siete di nuovo nel sogno malato degli anni Ottanta, nel flusso mescolato di quelle vibrazioni che sarebbero poi diventate messaggistiche cifrate per menti meravigliosamente alterate. I Diaframma e Federico Fumani non sembrano né pazzi, né assassini, ma nella loro musica rimane sempre quel cuore scuro che si è sempre dissipato in quel luminoso fluttuante pulviscolo che è e sarà per sempre essenza magica, nuda e cruda, sofferta e azzima della nostra storia musicale.
“Niente di serio” è il disco che riporta la nebbia delle grandi cose che fanno parte del dna della formazione e del “poeta capo”, non ci sono le grandi impalcature sofferte, le cattedrali di suono simbolico o le eccezioni in grigio che nel settore avvamparono come fuochi improbabili, ma tutta quella dolcezza amara, dolce, d’innamoramento trasversale, che risale nella gola come una caramella alla liquirizia, l’afflato delle perdite e le glorie delle riconquiste; fuori della retorica cantautorale, il disco è un’atmosfera unica di poeticità e specchi vuoti che riflettono moltissimo dall’epopea “Diaframma” e che urlano decibel muti di purezze e verginità sporche nei sobborghi lirici di “Madre superiora”, “Grande come l’oceano”.
Un cd per chi ama l’emozione con la E maiuscola, non solo per ritrovare magari il fasto tambureggiante di una nuova soffiata di Wave tricolore, ma per chi dalle trasmissioni elettro-melodiche non vuole solamente ascoltare il busso, ma “leggere” anche il timbro espressivo, la forza intellettiva di un qualcosa che arriva veramente per non ripartire a corto, per sorprendere o addirittura riprendersi i tempi alle spalle “Nilsson”; un album ed una scaletta che è quasi un’istituzione che ti trasporta nella diabolica summa di cose che vorresti non finissero mai, nel minimalismo, elettricità, fragore ed ironia, tutto il bello della bellezza fosca, energica e amplificata come la titletrack, la spiritualità maudit degli Joy Division che bazzica “Anime morte”, la scossa briosa di “La botta di energia del rock” e l’essere indentici nella malinconia di spessore “Absurdo metalvox”.
Con una line-up che vede oltre a Fiumani Lorenzo Moretto alla batteria, Luca Cantavano basso e ospite alle tastiere Gianluca de Rubertis de Il Genio, rimangono sottopelle le ecchimosi punk e le arie paraboliche di un poetame in fondo “beatamente maledetto” che ti entra dentro e fa di te quello che vuole.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Diaframma Records

Franco Battiato - Telesio (Recensione)

2012-01-22T19:30:00.004+01:00

Un nuovo capolavoro di Franco Battiato è passato quasi inosservato ai più, "Telesio" un concept-album incentrato sulla figura di Bernardino Telesio, filosofo cosentino che visse nel XVI secolo.
Prima che divenisse un album e dvd "Telesio" è stato uno spettacolo teatrale tenutosi a Cosenza presso il Teatro Alfonso Rendano, andato in scena il 6 Maggio 2011, sotto forma di prima opera olografica tridimensionale mondiale.
Dopo aver ricevuto un'offerta da parte del comune di Cosenza e del Teatro Rendano il poliedrico artista sicialiano si è occupato della regia e delle musiche e il suo collaboratore Manlio Sgalambro ha curato il libretto che accompagna l'opera, eseguita dal vivo dalla The Royal Philharmonic Orchestra e The London Baroque Choir, affinacati dalle voci di Giulio Borgi (Telesio), Divna Ljubojevic (Voce femminile), Paolo Lopez (Sopranista), Juri Camisasca (Voce maschile), Franco Battiato (Voce maschile), Carlo Guaitoli (Pianoforte), Angelo Privitera (Tastiere) diretti da Carlo Boccadoro, con le coreografie di Sen Hea Ha.

Da sengalare nel booklet del disco la presenza del dipinto di Franco Battiato, olio su tela raffigurante Telesio. Il primo de "L'Opera in due atti e un epilogo" si apre con il prologo pianoforte e archi, con voce maschile di Franco Battiato che canta: "Temperamento, colerico, sanguigno. Umore, allegro. Lo spirito anima la Terra e le piante. La pietra grezza. Tutto sente e palpita... tutto sente e palpita". Immediato, colto e allo stesso tempo semplice dunque efficace, questa è la forza duttile del maestro che riesce con disinvoltura a coniugare in arte i pensieri filosofici, fondendoli al minimalismo, musiche orientali, canti lirici intrecciati ad atmosfere elettroniche che fanno da sfondo alle note di pianoforte, il tutto senza apportare innovazioni.
Questa sesta opera classica di Franco Battiato è accostabile per certi versi a "Biophilia" di Björrk, per i suoi richiami alla natura, alla materia, al cosmo in un lungo iter coinvolgente.
Nell'intro Telesio recita: "Se si ritornasse veramente a se stessi, nel senso auspicato da Agostino, nel senso del reditus in se ipsum, sparendo il mondo esterno, sparendo la natura, spariremmo noi stessi. Dobbiamo riversarci interamente fuori di noi, per essere".
Seguito dall'Ouverture, del Coro e Sopranista: "...Sono un essere dormiente, incerto e oscillante tra realtà e sogno", si prosegue con "Il sogno", una composizione orientaleggiante, onirica e rilasante, mentre "Elettronica arcobaleni" concede momenti di quiete che predispone l'ascoltatore verso il "Duplice intelletto" recitato da Telesio: "Dato che l'uomo, contrariamente agli altri animali, non intende e desidera soltanto le cose sensibili e mortali, che si riferiscono ala sua conservazione presente, ma anche le cose divine e immortali, che si riferiscono alla sua salute eterna, sembra che gli si debba attribuire un desiderio e un duplice intelletto".
Nel settimo brano "Le Stimmate", in cui torna a recitare Franco Battiato: "Le stimmate dell'assunzione, si imprimono sulle cose. Cadevano dunque i veli al suo pensar, le spine e le corolle cadevano", seguito da note di pianoforte che fanno d'accompagnamento a Telesio, per poi lasciarsi cullare dall'alternanza tra Voce Femminile, Coro e Sopranista.
I primi secondi di "Fine del sistema solare" sono spaziali, musica ambient elettronica che apre all'orchesta che accompagna la Voce Femminile che canta: "Vivo sul finire del sistema solare. A quel che pare. Svestirsi vestirsi alzarsi coricarsi e continuare a vivere. Come niente, come niente. Se non si sveglia quello che chiamiamo Spirito, che dorme, dorme, ben poco ci resta".
"Corale" ricorda musicalmente "Inneres Auge", non è un caso se Telesio recita: "Dove si avverte di nuovo la sostanzialità del pensare, il pensare è tutto: vivere filosoficamente. In ciò non si scorge nè audacia, nè il cosidetto coraggio delle proprie opinioni", il decimo brano "Danza 1" chiude il primo atto, con ripresa del motivo finale di "Fine del sistema solare" con Sopranista e coro.
Il secondo atto: "Una piccola folla sotto la casa di Telesio urla... Eretico, figlio del diavolo, al rogo..." con prologo strumentale, susseguito da "Abiuras" con coro e orchestrazioni che s'impongono sul sottofondo della folla che grida, dove le musiche vivono la stessa tensione creatasi attorno all'inquisizione di Telesio. "Il freddo e il caldo" ristabilisce momenti di tranquillità, dove cantano il Sopranista e la Voce Femminile, in una melodia dolce, mentre "Benedictus" funge da intermezzo musicale dove sul finale spicca un canto gregoriano, dove telesio recita i suoi ricordi su Giovanni Pierluigi di Palestrina. Il quindicesimo brano "Un amore romano", vede Telsio ricordare un suo amore giovanile, il passo più romantico in cui compare maggiormente il tocco e lo stile inarrivabile di Franco Battiato. Nell' "Esistenza di Dio" emergono il Coro e la lirica della Voce Femminile, mentre in "Scampanio" torna la tensione, per poi placarsi in armonie gradevoli, in cui il Sopranista canta: "Ospite sono del regno cerebrale, Ingordo di stelle luccicanti, di venti, fulmini e mari, di colori e sapori. Mi espongo al crollo, alle rovine. Pensare mi riesce ancora, mi riserva sorprese". In "Attende Domine" la Voce Maschile canta in latino, mentre Telesio passeggia nel chiostro, seguita dalla strumentale "Danza 2" che riprende il motivo del primo atto, dove giunge una "Devota precisazione" di Telesio: "Le passioni, a causa delle quali l'uomo si addormenta, non sono proprio dell'anima immessa da Dio, ma dello spirito tratto dal seme. Il cielo e la terra sono destinati a trasformarsi o a perire".
L'epilogo avviene con un "Coro finale" dove "Bernardino Telesio a tumulazione avvenuta fu calato nella tomba storica filosofica. Stasera lo spirito della musica lo ha accolto".

Quando si ha a che fare con opere di questa portata è necessario eccedere in prolisse elucubrazioni, al fine di esaltare alcuni tratti culturali che difficilmente possono essere comprese se non riportate fedelmente. In "Telesio" il libretto ha un'importanza primaria, dato che essa è un opera teatrale, cosa che non spiega l'intollerabile silenzio che c'è stato da parte dei molti attorno a questa grandiosa composizione classicheggiante, che non è assolutamente da considerarsi di difficile compresione, anzi Franco Battiato e i suoi collaboratori sono riusciti - come si fa con i bambini - a raccontarci egregiamente di uno dei tanti geni ci ha preceduto nella storia della civiltà italiana.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Sony Music

Colapesce - Un meraviglioso declino (Recensione)

2012-01-21T14:00:00.002+01:00

Vi era un tempo in cui ogni disco veniva composto e realizzato come opera a sé stante, pulsante di vita propria e – soprattutto – tronfio di contenuti.
In un periodo storico come questo, dove non importa se un disco contiene cinque, otto o al massimo dieci canzoni (l’importante è che esca fuori, prima di tutti gli altri), questo esordio ufficiale di una figura tutt’altro che esordiente nel nostro panorama (Lorenzo Urciullo, per chi non ne fosse al corrente, è leader degli Albanopower) getta luce e rinverdisce quella maniera ormai antica di confezionare e realizzare piccole opere d’arte dense di contenuti, di una cura sonora maniacale, e per questi motivi immuni allo scorrere del tempo.
Colapesce lo si può definire, senza sensazionalismi da patinato magazine musicale, un vero e proprio restauratore di un’attitudine cantautorale ormai persa, e ritrovata magicamente tra i solchi profondi di “Un meraviglioso declino”, specialmente in luce di un panorama cantautorale italiano ricolmo di esponenti, ma quanto mai frivolo nei contenuti e dato in pasto a logiche usa&getta in cui tutto va consumato in maniera veloce, asettica e in maniera seriale.
“Un meraviglioso declino” si discosta, appunto, dalla serialità dei cantautori di pezza che popolano lo stivale, per elevarsi ad uno status di assoluta personalità dai tratti indubbiamente caratteristici.
Quella di Lorenzo Urciullo è una vera e propria cesellatura dei testi, in cui ogni singola parola viene soppesata e legata al mood melodico infondendo ai testi un doppio valore, sia di significato che di amalgama alle melodie raffinate, e perennemente sospese fra intagli di chitarra acustica, ed arrangiamenti orchestrali mai pretenziosi e sempre ben in bilico costante tra archi e pianoforti (calibrati da un Roy Paci in veste inedita di arrangiatore).
E delle canzoni non serve scriverne, bisogna ascoltare questo disco per intero, dall’inizio alla fine, come se fosse un pesante vinile impolverato, in cui s’inanellano canzoni degne d’esser chiamate tali, che guardano alla tradizione italiana con la coda dell’occhio e protese verso il miglior rock d’autore d’oltreconfine.
Tredici canzoni e non un passo falso o calo d’ispirazione, “Un meraviglioso declino” è un disco di una semplicità disarmante eppur fondamentale, come il pane, ed un punto di partenza su cui instaurare una vera, nuova ed originale strada per il cantautorato italiano.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: 42 Records

The Mainstream – Have no fear (Recensione)

2012-01-21T10:35:00.001+01:00

Un disco che guarda negli occhi del mondo e della società senza arrossire, che ti scava nella testa con la leggerezza di un soffiata di vento, che ti urla di non avere paura, testa alta e cuore aperto lungo i tortuosi sentieri della quotidianità; “Have no fear” è il terzo disco del collettivo internazionale The Mainstream, logos, incontro e consolidamento di un gruppo di musicisti provenienti da cinque paesi differenti , band che suona indie rapportandosi con tutti i respiri – o in parte – della musica degli insegnamenti, pop, rock, R&B, Soul, rap, gospel e via dicendo, tutto in uno stupendo mix in cui intervengono nella tracklist guest di grido a rafforzare quest’immensa sentimentalità altruista racchiusa in quindici tracce dal repeat incontrollabile.
Un gruppo continuamente in piena evoluzione creativa, e lo prova senza mezzi termini questo nuovo percorso, molto più concentrato, molto più rivolto alle centralità umane che agli arrivismi tecnici, uno spaziare – a ping pong – tra America ed Inghilterra, suoni in bianco e nero tali da abbracciare un mondo senza angoli e steccati, veramente rotondo come il sole o la luna; bello e di massimo rispetto, in grado di muoversi agilmente tra cuore e stomaco e rimbalzare poi nella testa come una dolce cannonata che ti fa risvegliare certi istinti positivi repressi dalla negatività del vivere contemporaneo.
Dicevamo quindici tracce ad espansione, che man mano gonfiano le prospettive d’ascolto regalando brividi e quadrature sonore immaginifiche, ascoltatevi tutto il lavoro magari partendo dalla “slittata” Southern della titletrack che ospita la cantautrice tedesca Synje Norland, passando poi per la linea d’ombra di un pianoforte ed archi sopra un rapporto d’amore finito “Close my eyes” tratteggiata dal folksinger – anch’esso tedesco - Huw Hamilton, provate a trovarvi a versare una stilla di lacrima sulla ballata che parla di sesso catodico “Taylor train” in compagnia del rapper Hollydish o pensare fitto in una notte insonne dentro “The melody” raccontata dal rapper californiano Shane; ma per andare a fondo nell’emozione totale, una full immersion nei fluidi caldi dell’album occorre toccare con mano e d orecchio “Africa”, col suo tribalismo innocente dalla parte dei bambini che la guerra la vivono ogni minuto dell’oggi, la ballata field “Lucky number 13” ricamata dal musicista cileno Felipe Sepulveda e la Deutschen Filmorchester Babelsberg e in tante altre “strette di cuore” che fanno ricchissimo questo pezzo di cielo registrato su plastica.
The Mainstrem, Joscha Blachnitzky voce, chitarra, pianoforte, Federico Malandrino chitarre, tastiere, Anton Stoger batteria, percussioni, drumloops, Pablo Ryan violino, Laurent Vianes basso: per tutto il resto basta cliccare e lasciarsi andare, non occorrono ulteriori parole recensorie, ci arrendiamo perché tutto quello che segue è solamente magia d’amore.

Voto: ◆◆◆◆◆
Lebel: The Stream Records

Kyle - This is water (Recensione)

2012-01-20T18:20:00.000+01:00

Come un animale che accumuli provviste per l'inverno. Un lungo e articolato processo di ricerca delle risorse necessarie e poi, semplicemente, il dolce calore della tana e qualcosa da mangiare in compagnia. Un percorso simile deve aver compiuto Kyle, ovvero Michele Alessi che, celando dietro l'ennesimo moniker la sua creatività, ci regala “This is water”. In apparenza, un lavoro non complesso nella sua immediatezza folk/cantautorale. Ma l'impressione è che gli ulteriori progetti del poliedrico artista calabrese (Capitan Quentin, Maisie, Distape) confluiscano in quest'album, con la caratteristica comune di una sperimentazione che viene però smussata da tutti i suoi angoli e dalle cime più impervie per restituirci canzoni oltremodo compatte e fruibili, ridotte all'essenza ma mai scontate. “Last days”, prima traccia e sorgente di questo ruscello sonoro, è il motivetto allegro da canticchiare appena svegli, arricchita, come tutti gli altri pezzi, dall'apporto di un ingente quantitativo di strumenti. Maracas, marimba, viole, violini, trombone, ukulele sono solo alcuni esempi. L'ascolto è scorrevole, con la giusta combinazione di riferimenti classici (Tim Buckley su tutti) e soluzioni nuove. Un disco che è, per l'appunto, come l'acqua: schietto, elementare, ma proprio per questo in grado di trovarsi alla base di una sintesi più complessa. Una limpida dimostrazione del fatto che non è facile realizzare qualcosa di semplice – lo sa bene il contadino la cui paziente fatica fa fruttare la terra - ma goderne è assolutamente naturale. Come acqua che rinfreschi il viso in agosto. Ben vengano dunque altri dischi come questo.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Overdrive Records

Leo Pari - Rèsina (Recensione)

2012-01-20T11:20:00.001+01:00

Non ci sarebbe un pelo fuoriposto in “Rèsina” nuovo appuntamento discografico del cantautore romano Leo Pari, se non fosse per troppa “Battistitudine” che circola come aria forzata, tanto da sembrare un’opera dello scomparso cantante di Poggio Bustone, ma sui protettori ispirativi d’ogni artista possiamo intaccare una critica fino ad un certo punto, quello che ne passa le pene è l’opera , il disco stesso che viene spersonalizzato al quadrato, dopodiché nessuno ce né voglia, lo ascoltiamo con dovizia ma anche con le orecchie dritte come quelle di un metal detector.

Detto questo, quello che ci rimane tra le mai e l’orecchio è un buon disco, cantautorale e da apprezzare per tutta la lunghezza della sua tracklist, è il frutto di una penna giovane che si lega anche alla filosofia della Grande Scuola Romana del Folkstudio e che si appende al sogno di diventare un punto di riferimento per tante altre a grandi salti e buoni intenti; l’artista Pari si giostra bene tra ballate pop e suggestioni vaporose, una leggera psichedelia che si mischia a storie, faccende, quotidianeità e intimità, e con lui una bella schiera di personaggi d’ambiente che vanno a caratterizzare un suono, più suoni che appassionano e impastano pezzi e crescendi molto variegati come fossero nuvole di passaggio e d’alta quota “Piume di drago”, “Sono ancora qui” che ricorda moltissimo Mio Fratello E’ Figlio Unico del mitico Rino Gaetano, “Solitudine: autoritratto”, per passare poi alla scioltezza rock-pop di “Con te”, all’amore bisbigliato “Canzone segreta”, al riflesso dentro accompagnato da un’armonica “Passo dopo passo”.

La sfida di rendere poesia sottoforma di versi e note è vinta da un pezzo, e l’autore romano – già un nome nell’underground italico – rilascia un nuovo atmosferico disco languido e a suo modo cinematografico, come fosse una colonna sonora per una giornata che volge al termine o per incamminarsi verso un amore da prendere o lasciare; sta passando sotto il lettore ottico il brivido blues urbano di “Quando ritorno da te” svisato come un’eiaculazione nel finale, e allora a dirla tutta, la verità, è che poi di quella Battistitudine citata nell’openeir di rece non ce ne frega più nulla, lo prendiamo intero nella sua bellezza a scatola chiusa.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Gas Vintage Records

Fanfarlo - Deconstrucion (Recensione)

2012-01-19T19:00:00.005+01:00

Deconstruction è il nome dato al trittico apripista per il secondo nuovo cd dei Fanfarlo, in uscita il 28 Febbraio, che vede due arraggiamenti, in realtà, di un unico pezzo ed un terzo strumentale chiamato "Re-construction".
Lontani da "Reservoir" propongono un ritmo gioviale, che rimane facile da canticchiare con il sorriso sul volto. Infatti questa band creatasi a Londra da leader svedese Simon Balthazar, si era presentata con toni più sommessi, se pur con un talento naturale nel gestire i tantissimi strumenti che suonano, ricordando un pò sia gli Arcade Fire che i Beirut, per l'armonia ed il trasporto che segue all'ascolto della loro musica. Degli esempi possono essere " I'm a Pilot" e "The Walls are Coming Down". In questo LP di apertura bisogna aspettare il b-side Re-construction per scendere di nuovo nell'atmosfera del clarinetto, della tromba e dei violini con un ritmo però incalzante e sempre ristudiato nel corso dei suoi minuti.
In attesa del secondo album, è davvero un piacere cantare a mò di karaoke "Deconstruction" con l'ausilio, non a caso, del testo che scorre per parte del suo video.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Canvasback / ATL

Vintage Trouble – The bomb Shelter session (Recensione)

2012-01-19T12:10:00.001+01:00

Fiatone, oh dolce fiatone! A stare dietro a questo diamante bianco dalla pelle nera “The bomb Shelter session” dei Losangelini Vintage Troubles c’è da perdere salute, chili superflui e orari concatenati con impegni ordinari che condannano l’esistenza al guinzaglio del tempo, ma è un sacrificio che si fa con libidine e con devozione verso il suono dei suoni, quel R&B nero come la notte dei tempi e fondo come l’animo emotivo di un ossesso figlio del diavolo.

Siamo fuori dalle rotte indie e da naufragi post-industrial, siamo fortemente coesi alle radici della black music per un immenso salto di qualità stilistico che oltre che inventare il tutto non ha cedimenti di sorta, praticamente il Vangelo e la Bibbia della musica che non si sono mai chiusi in un ciclo; ami alla follia i Black Crowes? Questa band fa al caso tuo, e la straordinaria voce nera “tossicona” di Ty Taylor – unico nero certificato del quartetto – è un caldo invito a lasciarsi andare ai ritmi frenetici e alle pomiciate soul che quest’album distribuisce come un dispenser 24/24; grande blues rock che dalla cassa di risonanza della California, terra della band, arriva sugli scaffali di tutto il mondo terremotando con il sound dei sound, col fremito sex & soul dei tardi anni Cinquanta, i nostri impianti stereo.

Prodotti dal mitico Doc McGhee (James Brown), il quartetto americano si scioglie in mille effusioni, decreta move-it a comando, e stordisce i sensi che si contorcono come anguille al passaggio di R’N’Blues da manuale “Still and always will”, “Jazzbella”, “Total strangers”, e i ricordi volano alti sulle atmosfere di Wilson Pickett, Marvin Gaye, Otis Redding, Jim Croce, ma per restare ai nostri giorni, altre similitudini possono raccordarsi con le coordinate rock di Kravitz “Nancy Lee”, tuffarsi nelle ambrosie folksoul di Ben Harper e Jeff Buckley “Not alright by me”, adombrarsi nei movimenti di bacino di Seal “Nobody told me”, fino ad inoltrarsi nelle sofferenze indie di un Jack White alla ricerca di una propria anima da guarire “Run outta you”.

Chiaramente un disco di radici più che fiori, ma un disco di vacuum esorbitante, esplosivo, che ancora una volta detta le regole della vera musica, quella che fece gioire e piangere molto prima del vagito arrogante del rock, ad ogni modo un prodotto sonico per intenditori e neofiti che vorrebbero avere “la pelle nera” come prima dotazione fisica, se avete colto il punto.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Vintage Trouble

Cayman The Animal - Too Old To Die Young (Recensione)

2012-01-18T12:10:00.001+01:00

Mi risveglio, stordito. La grigia e uggiosa mattinata milanese è il perfetto presagio di una giornata qualunque. Sulla scrivania trovo un disco dal titolo "Too Old To Die Young", generoso prestito del mio amico Roberto. Intuendo che qualcosa di nuovo e sconosciuto potrebbe servire a farmi riprendere dal torpore, non esito a premere "play". In meno di 25 minuti sono di nuovo al tappeto, colpito in pieno volto da 11 schiaffi ben assestati, non effimere sberle qualunque, ma ceffoni intensi, lunghi 2/3 minuti ciascuno. Il vigore delle percosse mi fa perdere i sensi.

Mi risveglio, stordito. La grigia e uggiosa mattinata milanese è il perfetto presagio di una giornata qualunque…

Potrebbe essere descritto così "Too Old To Die Young", esordio discografico dei perugini Cayman The Animal; un susseguirsi di percosse post-hardcore senza fine che, tra stordimento, incredulità e meraviglia, portano l'ascoltatore ad implorare di riceverne ancora e ancora. L'album segna inoltre il debutto della neonata Mother Ship Records, che grazie alla cura per packaging, stampa e grafiche (opera del buon Ratigher) pare proprio partire con il piede giusto.

Che i ragazzi non siano più degli sbarbatelli lo si capisce in un attimo, oltre che dal titolo, dalla convincente struttura dei pezzi e dalla fluida eterogeneità dell'album che si piazza senza fatica in cima alla lista delle migliori scoperte musicali del 2011. K.'S Rondo, traccia d'apertura del disco, è un' ossessiva e frenetica alternanza di stacchi, tempi veloci e decelerazioni mid-tempo, a richiamare quel florido periodo musicale compreso tra la fine degli anni '90 e l'inizio del nuovo secolo. Il tutto viene ampiamente sottolineato nello spassoso videoclip del pezzo, in rete ormai da qualche settimana. Altamente raccomandato. L'album prosegue con gli stacchi "refusediani" di Drinking & Shaving e le bizzarre aperture di banjo (sì, banjo) di It's up to you e The quarter-deck che arrivano ad ammorbidire in maniera mai banale l'aggressiva spigolosità strutturale dei pezzi. Cut you open, unico episodio di costanza ritmica all'interno dell'album, è una scalata a una parete ripidissima; lenta, faticosa, energicamente trascinata, contrae muscoli che nemmeno immaginavamo di avere. I testi, piacevolmente ben scritti, vengono decantati con maestria da una voce nervosa, impaziente, con un piglio costantemente melodico che in più di un'occasione richiama alla mente la duttilità vocale di Daryl Palumbo, sia quello di stampo Glassjaw (Here comes the end Part I, Message in the butthole) sia quello dell'esperienza più pop degli Head Automatica (Underneath the cover). I Cayman The Animal, dopo le strofe quadrate, i ritornelli aperti e la "guitar battle" conclusiva di Keelhauling, accantonano banjo e goliardia, e in poco meno di 2 minuti ci risbattono violentemente all'angolo con The Weirdest answer ever given, urlandoci dritto in faccia che non stanno scherzando. Finito il disco rimane chiara la volontà di porgere l'altra guancia infinite volte in attesa degli stessi undici schiaffi. Premo di nuovo "play" e realizzo di aver appena adottato un nuovo disco. Mi dispiace Roberto.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Mother Ship Records

Appaloosa - R M X Vol.1 (Recensione)

2012-01-17T14:20:00.000+01:00

In attesa che esca il loro vero e proprio quarto album, i toscani Appaloosa ci presentano una raccolta di remix, licenziata da Black Candy, del precedente "Savana" (2009). Certo, molto spesso questo tipo di operazioni hanno il preciso scopo di funzionare come gancio promozionale, ma in questo caso gli intenti sembrano decisamente differenti. Le rielaborazioni sono davvero di ottimo livello e ai DJs e producers coinvolti sembra proprio che sia stata data carta bianca mentre lo spettro dell'elettronica coperto da generi e stili risulta abbastanza ampio, senza però che ne risenta una certa fluidità all'ascolto. Apre le danze, ed è proprio il caso di dirlo, il duo Apes On Tapes con la trascinante potenziale hit Genny, a base di hip-hop rivisto in chiave glitch. E' ancora l' hip-hop, questa volta nella sua declinazione abstract ed elettronica, l'elemento base col quale Colossius (una delle due menti del progetto Ether) miscela sapientemente i minimali campionamenti catturati a Boston Gigi. Spetta invece a Digi D'Alessio, un nome in rapida ascesa nel panorama nostrano, la prima incursione in territori dubstep con Minimo, un brano caratterizzato da iniezioni di dosi massiccie di dub ipnotico. Scary Grant (Eclat), dal canto suo, vira verso gli orizzonti house più solari, con Mons Royal Rumble. Un deciso cambio di rotta si registra con la versione ostinata e circolare di Tg ad opera di Dj Alik, un groove megnetico e decisamente rock che molti maestri di turntablism e campionatore hanno ormai dimenticato come si fa. Sfugge ad una veloce classificazione l'articolata e scura rielaborazione di Chinatown Panda, messa a punto da Dyami Young (Loopdiggaz), che ascolto dopo ascolto fa inesorabilmente breccia nel padiglione auricolare. Dubstep e idm sono le coordinate attarverso cui si muove uno dei brani di punta di tutta l'operazione, il notturno e suadente Civilizzare firmato dall' Appaloosa Simone Di Maggio, quì presente col moniker di DiMaggioBaseballTeam. Ancora dubstep, questa volta cucito assieme a brandelli di hip-hop ed elettronica minimale per Glù rivisto da duo che risponde al nome di Ether, mentre house e big beat scandiscono un'altra versione di Boston Gigi, questa volta ad opera di Twism. Chiude la raccolta Savana nella quale Dj Fonx & Black Friday Crew fanno confluire funk, soul ed elementi rintracciabili nel sound pre-dubstep di inizio millennio. Insomma, gli Appaloosa si sono coraggiosamente messi in gioco e lo hanno fatto al meglio coinvolgendo validi compagni di avventura.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Black Candy

leggi anche l'intervista a Simone Di Maggio (Appaloosa):

Ronin - Fenice (Recensione)

2012-01-16T17:40:00.000+01:00

A quasi tre anni da "L'Ultimo Re", risorgono a nuova vita i Ronin di Bruno Dorella, intestatario del progetto visto nel frattempo alle prese con le sue altre creature (Ovo, Bachi da Pietra). Fenice si presenta come un lavoro molto più accessibile rispetto ai precedenti e vede il cambio alla batteria con Paolo Mongardi (Zeus!, Fuzz Orchestra, Jennifer Gentle, Il Genio, Fulkanelli) che subentra al posto di Enzo Rotondaro. Il tiro instrumental rock in salsa tex-mex resta invariato seppur articolandosi su pieghe più o meno elaborate in contesti differenti. Una cura dei particolari incredibile ed una qualità sonora eccelsa, caratterizza ancora una volta il progetto in un mix di psichedelia desertificata su andamenti minimalisti e rimproveri post-rock. L'iniziale "Spade" è già conferma di un'attitudine e maestria rari, efficace nel suo incedere su geometria Tortoise e longitudini psych d'alto impasto atmosferico. "Benevento" con la sua partenza a razzo, intermezzo westernato e finale su esplosione di fuzz è chiara articolazione di idee e talenti indiscussi. Dalla danza in salsa Morriconiana di "Jambiya" (piano del maestro Enrico Gabrielli) si passa al romanticismo della title track, così cullata dal violino di Nicola Manzan e dalle leggere pennellate di chitarra a rendere un affresco malinconico ed ombroso, una sorta di catarsi che poggia delicatamente i propri umori su una crescita atmosferica ben composta. Si giunge così all'unica parentesi cantata nella struggente essenza di "It Was A Very Good Year" (cover del paroliere Ervin Drake resa celebre dalla rivisitazione di Frank Sinatra) con la magistrale interpretazione di Emma Tricca, brano che vanta anche l'ospitata d'eccellenza all'organetto di Umberto Dorella (padre di Bruno). Lo swing leggero di "Gentleman Only", le ambient-azioni elettro-acustiche di "Nord" e il tribalismo della conclusiva "Conjure Men", con fiati di Gabrielli (flauto e sax), Raffaele Kohler (tromba) e Luciano Macchia (trombone), sono ulteriori conferme del talento incredibile dei Ronin.

Seppur tangibili, ancora una volta, i fondamenti cinematografici del progetto Dorelliano, la Fenice risorge dalle sue ceneri più bella e luminosa che mai, con 9 episodi che sembrano non dovere necessariamente descrivere o decorare spazi e immagini, affascinando dal primo all'ultimo minuto. Consacrazione di un progetto maturo ed eccezionale.

Voto: ◆◆◆◆◆

Label: Santeria/Tannen

Skrillex - Bangarang E.P. (Recensione)

2012-01-16T11:20:00.001+01:00

E' tornato l'idolo dei teenager adoratori della dubstep più commerciale con il Bangarang E.P., un lavoro composto da 7 tracce ottimamente prodotte, perfettamente inscatolate, accuratamente pensate per far ballare i seguaci di questo genere in giro per l'Italia e il mondo e, considerate queste premesse, per risultare musicalmente banali. In questi mesi si è assistito alla riscoperta di questo genere basato su ritmi lenti derivanti più o meno direttamente dalla drum 'n bass (è elettronica all'inglese) sui quali si inscrivono synth più o meno distorti. Sonny John Moore in arte Skrillex, di origine californiana, è stato l'artefice della riscoperta, della sua commercializzazione, del suo debutto su larga scala nei dancefloor più importanti e non solo, basti pensare alle folle che il suddetto ha attirato verso un genere abbastanza sconosciuto fino a pochi anni fa. Se questo è un merito per alcuni versi, per altri il demerito sta nel fatto che chi agisce in questo modo diventa insopportabilmente commerciale nei suoni e nelle soluzioni stilistiche. Ma se artisti come i Pendulum sono stati celebrati per la loro inventiva, e lo sono tuttora, Skrillex non porta niente di nuovo che non sia già stato detto, e alle volte cerca lo sconfinamento in generi che non lo rappresentano ma che ben si prestano alla sua idea di commercializzazione della musica elettronica. Sia chiaro, questi 7 brani sono composti in maniera sopraffina e non hanno pecche, se non consideriamo l'eccessiva lentezza che è comunque un trademark del genere e che quindi non peserà sul fan, ed è soprattutto questo che comporta una banalità di fondo, la mancanza di uno sprazzo geniale e fuori dal coro, un'invenzione che ci dia l'impressione di ascoltare qualcosa di diverso e di innovativo. Se cercate innovazione non la troverete qui, se al contrario volete una garanzia in pista dategli più di un ascolto. Ma in tutto questo discorso di marketing (perchè in fondo tale è), dove sta la sostanza? Quale musica fa Skrillex? Sarebbe inutile fare una storia del genere perchè ultimamene nel circuito elettronico non si parla d'altro, Skrillex si serve delle classiche collaborazioni hip hop che si limitano a frasi in loop o a brevissimi vocalizzi femminili molto anonimi, della ripetizione ossessiva di due o tre temi molto, forse troppo, vicini alla struttura della forma canzone, perchè Skrillex è forma canzone e non sperimentazione. Frequenti sono i richiami sonori alla drum 'n bass, il paragone più diretto è sempre quello dei Pendulum in versione rallentata. Alle volte vi sembrerà di sentire gli australiani durante i loro breaks in diminuendo pronti a ripartire con i loro tempi (non originali ma pompati a dovere), con la differenza che qui non parte nessuno, stiamo parlando di altre cose, di musica mid-tempo made. Ne consegue che Skrillex è troppo derivativo, fa troppo affidamento su strutture che mal si prestano, considerando quello che si muove nell'ambito della drum 'n bass. Comunque sia a voi la scelta: i brani variano poco tra loro, la logica è sempre la medesima, lo stesso discorso vale per le sonorità. Aspetteremo la sua nuova prova sulla lunga distanza. Nel frattempo consiglio questo E.P. ai fan del musicista e allo sfegatato in cerca di tracce semplici e ballabili, ai fan degli sperimentalismi consiglio invece un ascolto ai Jazzsteppa.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Big beat

A.A. Bondy – Believers (Recensione)

2012-01-15T10:40:00.000+01:00

Manca solo lo scroscio d’un temporale ed il rumore sbeccato di tergicristalli annoiati, ma già cosi questo bel viaggio notturno intrapreso da August Andrews Bondy, ex chitarrista degli americani Verbena, ha il suo bel da fare a cucire sogni e malinconie ai bordi di strade mai vissute e strade da vivere; con “Believers” – terzo atto della sua produzione discografica – il cantautore firma una splendida gemma di songwriting rarefatta e dal groppo in gola, una beatitudine nella solitudine che si perde nelle notti di frontiera, tra occhi disillusi, empori a lungo orario e umanità invisibile, l’America di chi non conta.

La forza della languidezza, il tormento del buio e l’estasi di una “Americana” quasi Celiniana, sono unite a dimostrare un disco eccitato dalla disperazione interiore dentro una stilosa noncuranza per orpelli, ganci e sovrastrutture che potrebbero ostruire la carica atmosferica della tracklist, tutto vive in una povertà sincera e diretta, che è poi la caratteristica dei looners eccellenti, dei crooner sui limits dell’esistenza; dieci tracce che affondano le proprie radici in un immaginario culturale e cinematografico – magari un B-movie sonore di un alternativo Into the wild “Down in the fire”, “Drmz” – che guarda il mondo dal basso e le stelle dall’alto, facendo scempio dell’amore lungo polverose routes che sfregiano deserti e tramonti rosso sangue.

Con i Wilco e barlumi a slow motion di carattere Bad Seeds “Scened from the circus”, “123 Dupuy Street” a fare da retrogusto amaro alla forte ispirazione di Bondy , i procedimenti incantatori delle storie narrate prendono il sopravvento ed il disco si fa man mano cangiante e double faces, alternando stati emozionali di passati post-wave “The heart is willing” a passaggi fugaci – da ladro direbbe il suo amicone di sempre Jay Farrar, leader della band dei Son Volt – nei caldi paraggi Southern della ballata “Surfers king”; dunque un album per tutti, o almeno per chi ha posto nel cuore per un veloce viaggio negli States di Altman, di sola andata, un viaggio ricoperto di quella leggere fuliggine introspettiva che solo questi cavalieri solinghi con chitarra, slide e poc’altro sanno rivelare in tutta la loro magnificenza struggente.

Solitudine che scalda l’ambiente in pochi secondi, come il tex-mex che dondola in “The twist”.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Fat Opossum

Laika Vendetta - Laika, Sylvia, Jeanne e..le altre (Recensione)

2012-01-14T10:20:00.003+01:00

Devo ammettere che questi cinque ragazzi hanno avuto fegato a lanciarsi in questa missione impossibile, ovvero quella di raccontare in una sorta di concept album la dimensione femminile. Il loro lavoro si pone in una sfera di grandi contrasti. Contrasti che si riscontrano tra il loro sound e i loro testi. I Laika Vendetta mirano ad un suono legato al rock italiano degli anni novanta e con apparente aggressività riescono a dar voce a delle tematiche molto intime e ricche di sfumature. Cercano di rappresentare la precarietà dei sentimenti e la fragilità dei sogni creando delle belle immagini “Il mio crimine è sognare” dicono a gran voce nel brano d’apertura “Incendiaria”. Non è una visione romantica ma è una ricerca di verità, della solitudine, dell’oblio, dell’umiliazione e dell’istintiva voglia di liberarsi dalle gabbie sociali. È da notare come le donne possano ancora essere vittime di mille variazioni di queste problematiche. Tematiche come la vita stuprata, la violenza, la malattia in brani come il singolo “Misty Destroy” o “Mantide” e ancora “Mitosi”, o la dolcezza, il ristoro e la fragilità dell’anima in pezzi come “Filastrocca della luna” o “Grida il silenzio” hanno ampio spazio nel loro repertorio.

Ossimoro, i Laika Vendetta possono essere descritti con questa figura retorica. Anime che chiedono una Vendetta Laica, che sia destinata a sanare quella fragilità insita nel pensiero umano. “E desidera, la merita, una primavera ridente, Luna.” Non è un caso infine il loro nome, Laika è infatti la famosa cagnetta che lasciò la Terra per lo spazio a bordo della capsula spaziale Sputnik, ed è stata così ricordata come la prima martire dello spazio.

Per concludere, la forza del gruppo sta sicuramente nell’intenzione dei loro testi, e nella ricerca non banale di sottolineare certe tematiche sicuramente non facili, vorrei che il loro sound fosse un tantino più maturo affinché questo loro pregio sia messo più in evidenza. Il loro album è servito bene, con una grafica accattivante curata dall’artista Mokina che rende giustizia all’idea di base dei Laika Vendetta, ovvero il Contrasto.

“Poesia è maledizione per noi” … Sylvia, Jeanne e le altre…

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Boleskine House Records

Man On Wire - West Love (Recensione)

2012-01-13T10:30:00.002+01:00

Ci siamo appena lasciati alle spalle un anno complicato, che già siamo invasi da nuove uscite discografiche. Dopo mesi di diniego i Man On Wire mi fanno ritrovare la voglia di scrivere una recensione, lottando con gli strascichi d'insoddisfazione generale che ci hanno reso un po' tutti insensibili. Non su "West Love" opera prima di questa band friulana a cui concedo priorità, rispetto ad una marea di robaccia.
Di italiano non c'è praticamente nulla, a partire dal nome della band tratto dal film documentario sul funambolico Philippe Petit, con titolo e copertina che hanno qualcosa a che vedere con "The Whole Love" dei Wilco, soltanto otto pezzi in cui convivono gli Arcade Fire di "The Suburbs", in un indie-folk fortemente influenzato per interderci da Okkervil River, The Shins, Noah and the Whale e così via. Sappiamo però che i componenti sono italiani doc, Stefano Pasutto (Tre Allegri Ragazzi Morti), Nicolò Fortuni (Smart Cops, With Love), Cristiana Basso Moro (Ten Thousand Bees, Arnoux), Marco Pilia (Oliver). Il disco in uscita per Knifeville, associazione culturale di Maniago, il cui presidente è Enrico Molteni, si prefigge di varcare i confini di provincia pordenonese e fungere da quiete dopo la tempesta. Registrato da Emanuele Baratto presso l'Outside Inside Studio (Movie Star Junkies, Mojomatics), l'album stupisce sin dal brano "A Thousand Legs", apripista semplice ma d'impatto, con sonorità ben bilanciate tra l'acustico e l'elettrico, la seconda "Autumn" è una chicca d'attitudine folk, dove è la leggerezza a farla da padrona, cori soavi intrecciati alle trame acustiche, mentre "Bare-Footed" è figlia della canzone americana, nella fattispecie quella tipica dei Pixies.
Anche se di breve durata l'album si presenta molto variegato, il quarto brano esce per pochi minuti fuori rotta, in uno spaccato retrò sornione, con sonorità più acide e dilatate, si rientra subito in carreggiata con "Potential Architets", un'altra bella sorpresa dove le strutture compositive sono ridotte all'osso, molto vicine a quelle degli Arcade Fire, mentre in "Dust" troviamo un brano chitarre e voce che ricorda la bucolicità dei primi Vetiver. "The Anger Song" ha un intro con organetto, ed evoluzione che ricorda in parte "Comeback" dei Shout Out Louds. Sul finire "Man On Wire", un brano con moto lento, nostalgico e retrogrado, il pezzo meno riuscito dell'album. "West Love" rimane comunque un gioellino da maneggiare con cura, ricco di inattesi richiami e ottimi propositi per il futuro.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Knifeville / Jestrai Record

Soft Kill – An open door (Recensione)

2012-01-12T11:05:00.008+01:00

Non avevano lo stile e l’affezione necessaria ad una band come si deve di andare avanti e di affilare – ogni volta che si poteva aprire una sala di registrazione – le armi della seduzione sonora per poter poi affermare di essere usciti definitivamente dal “tunnel della new wave”; non c’è nulla da fare, credendo di trovare chissà quale eldorado, i coniugi Shiloe Alia e Toby Grave, ex perni della band dei Blessure Grave, si mettono in solitaria, si fanno chiamare Soft Kill, ed invece di invertire rotta se n’escono con l’album “An open door”, ricadendo in maniera recidiva nella wave più ombrosa e misto-pece che ci sia.

Il duo di Portland (Oregon) cerca di catturare e di ritrasmettere qualsiasi sfumatura degli 80,s, e con ciò non è che sia cosa in fondo non piacevole, ma se si cerca di sfiorare la magia di quegli anni e dei suoi angeli destrutturati Joy Division – su tutti – la cosa sa di machiavellica operazione coveraggio, ovvero rifare quello che sappiamo fare meglio o andiamo sul sicuro; la label Fast Weapon in mano a Nathan Howdeshell dei Gossip, produce questo disco con la fiducia cieca verso la wave come impetuoso e tremendamente evanescente terreno di rinascita “del settore”, ma quello che trapela da un ascolto ben focalizzato è la lontananza siderale da tale rinascita, nulla contro questo duo ci mancherebbe, ma nulla fa presagire un futuro di un moderno “No Future” proposto dai Soft Kill.

Un disco che scorre come acqua sporca nel lavandino, tutto è già stato metabolizzato nella pancia lavatrice della nostra seconda gioventù, le schermaglie di chitarre, i sintetizzatori che s’imbizzarriscono, drum-machine , analogici beat – stranamente non ci sono folte capigliature cotonate - e tutto il bailamme notturno e appiccicoso di nebbia che fa parte del bagaglio caratteriale della wave; fanno capolino i Cure del periodo black (Pornography) “Death in the family”, fa tremare il freddo cattedratico e marmoreo di “Feral moans”, tornano vivi i Chamaleons perennemente ricitati dentro i solchi di “Sea on dubt”, “An open door” o – per tornare in cima – l’epilettismo sintetico che in fondo è il manifesto programmatico degli anni ottanta “From this point on”, e sul cui ritmo abbiamo ballato e perso chili di vita e di gel anni e anni fa.

Appunto, se siamo in cerca di qualcosa di ballabile senza troppa emissione di luce, il disco accontenta abbondantemente, se invece si cerca una speranza nuova per andare oltre la barriera mai segnata della topografia dark, wave e in qualche modo shoegazer, bisogna lasciar perdere, anche perché le giornate sono fredde e qualcosa di molto, ma molto più caldo, ci abbisogna al cubo.

Voto: ◆◆◆◇◇
Label: Fast Weapons

Intercity - Yu Hu (Recensione)

2012-01-11T10:35:00.006+01:00

Quello degli Intercity con Yu Hu è un gradito ritorno sulle scene italiane.

Accantonato definitivamente il progetto Edwood e, con l'entrata in pianta stabile di Anna Viganò, gli Intercity approdano all'opera seconda dopo un periodo di silenzio che poco lasciava presagire sulle sorti della band. Ci viene presentato un album complesso, ricco di tematiche e citazioni che mette in primo piano una cura testuale profonda e poetica in ogni suo flusso. Barocco nelle sonorità e nei contenuti, Yu Hu si realizza come un continuo rincorrersi di aggettivi, rapporti e situazioni descritti attraverso l'accostamento di stati d'animo e vivide ambientazioni sospese in un tempo indefinito. Le poesie di Emily, ripresa Wong Kar-Wai, l'immortale Pornography dei Cure vicino ad un classico Rachmaninov, puttane e spose, giardini tristi, altri di cemento, anfiteatri, baci asettici, cantici di creature e paure, mitologie, correnti letterarie, scrittrici del passato (Anaïs Nin), profumi, assaggi di felicità, rivoluzioni ed angeli. Yu Hu è un disco saturo di contenuti che racchiude e lascia defluire tutta la carica artistica accumulata dalla band durante il periodo di stasi. Il tutto è pervaso da uno splendido spleen e da un'architettura vintage dal retrogusto sixties, a donare un sentore da pop aulico, quanto meno sempre introspettivo. La forma canzone è mantenuta nei contraddistinti umori più o meno crepuscolari su battito pop wave (“Piano Piano”, la Notwistiana “L'Elettricità”), nelle istanze più rock (“Neon”, “Overdisco”), nelle morbide ballate di memoria La Crus come “Smeraldo” o la notturna “Nouvelle Vague”. Quello di Anna e Fabio è un cantato che nella sua impalpabilità dreamy si mantiene sempre basso e sfumato tra archi (di Laura Masotto,Le Maschere di Clara, Maryposh) e tastiere, parti caratteristiche degli ottimi arrangiamenti proposti. Determinati fantasmi scuola Sophia sembrano affacciarsi nell'intimismo delle finali “Mondo Moderno” e “Anti” mentre le anticamere struggenti di certo cantautorato del passato, (“Lunga Avenue”), donano vero sentimento ad episodi di grande atmosfera.

Quindici tracce per quasi un'ora di musica dove Yu Hu appare titolo in netto contrasto con la malinconia e il decadentismo di fondo di un lavoro che, nel necessitare più ascolti per essere ben assimilato, si mostra, in ogni caso, prova unica nel suo genere. Gli Intercity sono tornati e non deludono le aspettative di tutti coloro che attendevano con trepidazione il ritorno di una band ormai considerata di culto.

Leggi qui la nostra intervista agli Intercity

Voto: ◆◆◆◆◆

Label: A Cup In The Garden

Chris Cornell - Songbook (Recensione)

2012-01-10T10:00:00.000+01:00

Nessuno con un minimo di interesse per la musica è riuscito a scappare dal canticchiare, o da suonare se sa farlo, almeno una volta Black Hole Sun dei riuniti, almeno sulla carta, autorevoli Soudgarden. Dico canticchiare perchè è difficile eguagliare il timbro di voce, cosi potente ed esteso, di Chris Cornell, voce caratterizzante di ben venti anni di musica rock-grunge atraverso tre band, capostipite di Soundgarden, appunto, Audioslave e Temple of the Dog, dove quest'ultima vedeva la fusione della prima con membri dei Pearl Jam nel lontano inizio anni '90.
L'esperienza e la bravura quindi, necessaria per estrapolare da un tour e masterizzare un intero cd live, sembra esserci, ma la sensazione dopo il primo ascolto di tutti i 18 brani di Songbook è la stessa che avrebbe lasciato una demo di un cantante in giro per i pub irlandesi. Il paragone eccessivo è dettato dallo scarso impatto del cd, troppo lungo con tanti piccoli siparietti non musicali, tra un brano ed un altro, di Cornell che intrattiene il suo pubblico. Indubbiamente il tour dei concerti in giro per l'America con solo la chitarra acustica alla mano è stata una bella impresa e piacevole da seguire, ma risolta in cd non credo sia efficiente.
Le 18 canzoni vengono quindi tutte riarrangiate, avvolte anche troppo come nel caso di una della due cover "Imagine" del mai compianto quanto in questo caso John Lennon, o personalizzate come per la seconda cover "Thank you", per la quale non esiste un Robert Plant superabile o, tantomeno, comparabile. Le restanti 16 vedono un misto di vecchi pezzi dei Soundgarden, come per esempio la prima citata BHS e degli Audioslave come "Like a Stone", ma anche qui non è mai solo il leader che crea una band, ma la sinergia tra tutti i membri, quindi cantare live un pezzo molto bello con la propria bellissima voce ha, forse, molto più senso che registrarlo senza nessuna traccia di quella potenza strumentale che caratterizza il suono di una band rock.
Meno aspettativa c'è per i brani di Chris Cornell solista, come "Ground Zero" e non fa specie vedere che nella raccolta non sia presente "Part Of Me", singolo prodotto con Timbaland.
Decisamente uno scarso risultato.

Voto: ◆◇◇◇◇
Label: UMe

Amor De Dias - The Street Of The Love Of Days (Recensione)

2012-01-09T14:18:00.001+01:00

“Rivolta in primavera la terra; d'estate arata di nuovo non ti deluderà;

semina il maggese quando ancora è leggera la terra;

il maggese tiene i mali lontani e acquieta i bambini”.

Esiodo dice, scandisci il tempo in opere, giorni e sole; e poi, aggiungerei, scandisci le note per archi solari. Gli Amor De Dias costruiscono il leitmotiv di una ciclicità bucolica che ispira sterrati polverosi e assolati, in una dolcezza quasi onirica, tanto idilliaca quanto profonda. The Street Of Day Of Love è una Scarborough Fair dal gusto ispanico, più deciso e straniante come solo può risultare un sorso di vino in bocca nell’afa estiva.

Sa un po’ di quei grandi arazzi da cui riesci ad intuire la quotidianità dei gesti attraverso miniature certosine. Ecco, se un disegno, per quanto semplice, riesce a catturare l’essenza di una routine, gli Amor De Dias ne ricreano il suono, dando una dimensione reale a quel mondo bidimensionale grezzo quanto una tela di canapa.

La storia comincia con Foxes’ Song, un mantra di corde che apre le porte di quella che è una tenuta immersa nella luce e possibilmente recintata da muretti diroccati. Seguono poi esperienze sfocate (House Of Flint) e atmosfere corali (Late Mornings), e di nuovo ritualità annebbiata nella gestualità (Harvest Time) – per poi, magicamente, riprendere lucidità al tramonto, nei toni più definiti di I See Your Face (ma anche Bunhill Fields).

Circolarità, nel ripetere corsi e ricorsi storici. Come in un ritorno eterno, la musica si ripete nella seconda parte dell’album, testimonianza di un giorno che, in realtà, non trova mai il suo punto di fine, ma arriva fino al freddo (Wild Winter Wind, ballata dolce e folk); e di nuovo si chiude nel suo tema iniziale, a ripresa (Foxes’ Song Reprise). Ma è già l’alba di un nuovo corso.

Voto: ◆◆◆◆◆
Label: Merge Records

Buffalo Killers - 3 (Recensione)

2012-01-06T17:15:00.000+01:00

Dopo le illusionistiche aritmie natalizie, del frenetico correre in largo e lungo alla ricerca del regalo eccellente, questo disco è quello che ci vuole per rilassarsi e lasciare sciogliere i nodi dei pensieri; siamo in piena acidità seventies sulle ali della Summer of Love, loro sono i Californiani Buffalo Killers, trio nel quale Zachary Gabbard e suo fratello Andrew tengono il timone di un viatico agreste ed allucinato che accende fiamme e fuochi nelle rimembranze nostalgiche (ma non troppo) di vecchi freak spelacchiati e in nuovi alternativi dalle tricologie arruffate, un disco bello e accalorato che delle lezioni Younghiane, delle grafie dei Cream ed il verbo di Gram Parson come ripasso generale ne fa vessillo ed orgoglio del sound 100% all American Rusty.

Con Dan Auerbach (Black Keys) che li tiene sotto contratto, il power trio non sposta minimamente l’asse da quegli alcaloidi anni Settanta, da quella “Mesa Grande” visionaria e divinamente sbavata che viene tradotta e – se ce ne fosse bisogno ulteriore – portata ancora avanti come scolarizzazione sonora di massa da questi baldi giovanotti e dai loro arnesi elettrici e mentali in un disco che non è una macchinazione nostalgica, ma una “tenuta vintage” che non accenna a diminuire - come del resto i classici ed i capolavori dell’arte qualsiasi essa sia – e che ogni giorno fa strage di cuori e uncina giovani proseliti, vedi tra tutti Fleet Foxes.

Prettamente disco da coronarie hippyes, frastagliato e sognante, carico di quei profumi westcoastiani, sdoppiamenti di vista e amore libero, dodici tracce “benessere” che non oppongono nessun ostacolo a niente, ti entrano e ti sollevano mantricamente, “senza peso e vergogna” direbbe un David Crosby d’antan; cori ubriachi “Mustang Sally”, “ Jon Jacob”, “Take your place” chitarre elettriche avvolte di psichedelia “Huma”, “Circe day”, hashish a go-go e dolcezza stordita “Could never be”, “All turn to cloud”, tutto il vademecum di quegli anni focosi, californiani fino alle viscere e formidabilmente vintage con la stessa forza di una raccolta di classici immortali.

Molte delle formazioni della nuova leva americana vanno a proteggersi nelle stanze della Golden Age, ma i Buffalo Killers - anche se non riescono a glissare totalmente il fattore “Gemini” – hanno quella marcia in più, quel quid d’avanzo che li scherma da plagi e civetterie, forse il tour con i Black Crowes gli ha insegnato molto e su questo c’è da credergli, ad ogni modo per chi cerca un passaggio per la California D’Oro, mostrare il pollice alto davanti al Numero 3 e “Buen Retiro Hobos”.

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Alive 2011

Above The Tree & The E-Side - Wild (Recensione)

2012-01-04T11:42:00.014+01:00

Marco Bernacchia è un interessante artista marchigiano che coniuga aspetti diversi dell'arte, sonori e visivi, attraverso la sperimentazione avanguardista delle sue opere. Visto all'opera precedentemente nei M.A.Z.C.A e nella band di culto Gallina, celato dal moniker Above The Tree, dà alla stampe una demo e un primo album nel quale sono già chiare le inclinazioni sperimentali del progetto che, partendo dal blues delle origini, si coniuga alle tecnologie del nuovo millennio su sperimentazione elettronica e psicotropi rumorismi d'altro genere. Folk acustico e primordiale che si contamina con le macchine del progresso, quasi come un albero che, partendo dalle solide radici nella madre terra, svettando verso il cielo si trova ad essere tacito osservatore del progresso della società, della giungla di cemento ed elettricità che è divenuta il mondo. Wild nasce dalla collaborazione tra Bernacchia e Matteo Sideri (elettronica, percussioni) che, per l'occasione ribbatezza il progetto in Above The Tree e The E-Side. Un vero e proprio gioco di contrasti tra blues e folk di base statunitense ed una certa tribalità ritmica aperta alle varie desertificazioni su battito elettronico. Dall'opening “On The Road” ad introdurci su una strada lastricata di turbe lisergiche miste a sciamanici sentori, passando per gli ipno tribalismi country di "W China", il folk rock quasi dubizzato di “Safari F.C.”, il minimalismo obliante elettro-blues sentore peyote di “Bunga Bu”, ci si lascia andare sugli arpeggi dilatati in ambient sound di “Svezia”, più orientale che europea a discapito del titolo e i destrutturalismi mantrici di “Winter Queen”. Mette il punto all'opera con la sua stilizzata malinconia blues su parossismo post “Somewhat Like Blues” dando conferma di quanto l'avanguardia italica abbia molto da dire sopratutto grazie ad opere come questa.

Above The Tree per essere apprezzato al meglio è da gustare in sede live dove viene allestito uno spettacolo unico nel suo genere con maschere, giochi di luce e scarne scenografie, una sorta di set alieno suggestivo ed obliante. Bernacchia si conferma ancora una volta un compositore eccezionale, dotato di un talento e di una versatilità rari nel nostro paese.

Mettete Wild nel lettore ed immergetevi nella selvaggia essenza live di Above The Tree alla prima occasione. Non ve ne pentirete.

Voto: ◆◆◆◆◇

Label: Locomotiv Records

Hate Eternal - Phoenix Among The Ashes (Recensione)

2012-01-03T12:15:00.000+01:00

Signore e signori: quaranta minuti di silenzio! A parlare ci penserà il terzetto floridiano corrispondente al nome di Hate Eternal e vi dico che mai nome fu più azzeccato, poiché è davvero odio allo stato puro quello che esce dalle “bocche” di questo trio brutale.

Mi accingo ad accostarmi alla quinta fatica in studio degli Hate Eternal ed è il secondo disco in cui non fa capolino un “concept” sulla monarchia e su tutto ciò che ne deriva. Il primo ad “uscire fuori dal seminato” è stato il disco precedente, quel tanto criticato Fury & Flames; un disco fatto di brutalità ed odio, odio viscerale verso tutto ciò che circondava la vita di Erik Rutan, mastermind della band, legato alla perdita di un caro amico nonchè bassista del gruppo stesso: Jared Anderson. Fury & Flames uscì come un'operazione psicologica di Rutan e soci, come a voler esorcizzare il dolore per la perdita dell'amico e si è rivelato essere una mazzata di proporzioni immani, non un attimo di tregua, non un momento per tirare il fiato, tonnellate e tonnellate di riff brutal pronti a colpire l'ascoltatore con tutta la violenza di cui sono capaci.

Non si può dire la stessa cosa del nuovo disco in cui gli Hate Eternal decidono di puntare non solo sulla tecnica esecutiva e sulla capacità di Rutan in sede di registrazione e produzione, ma lasciano all'ascoltatore la possibilità di godere anche dell'atmosfericità di un album che parte da una resurrezione; quasi una dichiarazione di intenti che si può intuire già dal titolo: Phenix Among The Ashes. Il disco si articola in 10 tracce in cui non manca capacità di esecuzione, capacità di creare atmosfera e soprattutto non manca personalità. Dopo la caduta mostruosa dei Morbid Angel con l'ultimo platter Illud Divinum Insanus, gli Hate Eternal si instaurano, personalmente, sul trono come alfieri di un brutal death che molto deve al sound dell'angelo morboso; non a caso Rutan e lo stesso amico/bassista Anderson provenivano dalla fila dei Morbid come session in sede live. Questo però non deve trarre in inganno perchè, seppur di richiami al suono degli amici/colleghi Morbid Angel ci sono, gli Hate Eternal hanno sempre saputo dire la loro e soprattutto hanno saputo sperimentare in un mondo dove spesso e volentieri la stagnazione la fa da padrona.

Phenix Among The Ashes è un disco che è uscito quasi a sorpresa e in maniera inattesa si è fatto breccia nel panorama brutal-death che in ogni caso ha visto uscite molto interessanti; nonostante il metodo compositivo del terzetto non sia cambiato poi granchè, devo dire che questo disco sorprende per una maggiore organicità dei riff, della produzione e soprattutto per la capacità di riuscire a donare atmosfera anche lì dove non ci si attenderebbe ci sia. E' vero che il disco è disseminato di riff sparati a trecento all'ora ma è anche vero che in molti intervalli ci sono fangosissimi riff che rallentano non solo l'incedere inesorabile della batteria, ma sembra quasi che il nostro fiato segua questo rallentamento e affaticamento; d'altronde riuscire a risorgere dalle proprie ceneri non è assolutamente un processo facile e soprattutto veloce, ha bisogno dei suoi tempi, delle sue riflessioni e delle sue lotte intestine; ed è questo ciò che esce fuori dall'album in questione, una lotta tra la necessità di utilizzare melodia (se di melodia si può parlare in ambito brutal-death) e la necessità di non lasciare che il tutto si appesantisca e devo dire che l'operazione riesce piuttosto bene perchè il disco raggiunge perfettamente questo scopo. Se devo essere sincero, questa volta il disco risulta decisamente più costruito e ben studiato e dopo il capolavoro di I, Monarch targato 2005 (decisamente supremo!) questo Phenix Among The Ashes è il disco migliore del terzetto della Florida e se gli offrirete una possibilità vi garantisco che lascerà un segno indelebile anche dentro di voi. Death metal tecnico e sanguigno come non se ne sentiva da diverso tempo che colpisce giù duro e non fa prigionieri, ma che allo stesso tempo forse lascia ben sperare per un genere che troppe volte ha lavorato solo di carta copiativa; gli Hate Eternal sono qui a dirci che osando qualcosa di nuovo si può tirare fuori anche da una vecchia carcassa come un genere attivo dal finire degli anni '80, si deve solo saper costruire bene ed avere in testa ben chiaro dove si vuole arrivare e a giudicare dai risultati Rutan riesce bene nel suo intento. Vi consiglio vivamente di prestare orecchio a questo disco ma vi consiglio anche di dare un ascolto alle precedenti release perchè ne vale davvero la pena; ripeto dopo la delusione dei Morbid Angel loro rappresentano il futuro di un certo modo di fare death metal e di un certo modo di approcciarsi al riffing, di cui fino a quualche tempo fa i signori incontrastati erano proprio i Morbid Angel ma adesso segnano decisamente il passo, vuoi per la pochezza di idee, vuoi per la voglia di provare ad essere innovatori ad ogni costo che, associandosi alla mancanza totale di un progetto musicale porta alla composizione di un album che si attesta ben al di sotto della mediocrità come Illud Divinum Insanus. Non sto facendo una recensione del disco della band che ha composto capolavori come Altars of Madness, Blessed Are The Sick o Covenant, ma la uso come metro di paragone proprio perchè piuttosto vicina come sonorità agli Hate Eternal per farvi comprendere dove questi ultimi siano arrivati nella capacità di affinare la tecnica compositiva e dove invece siano precipitati i signori di un certo modo di intendere il death metal. Il disco sicuramente ha una certa osticità di fondo insita proprio nella modalità di scrittura dei brani ma è necessario armarsi di un po' di pazienza per riuscire ad entrare dentro il prodotto, ma poi vi si aprirà un mondo e forse altre cose relative allo stesso genere vi appariranno anche piuttosto banali e prive di senso. Consigliatissimo!

Voto: ◆◆◆◆◇
Label: Metal Blade